Ahora, la aplicación de entretenimiento quiere seguir generando producciones destacadas, donde una de las más recientes combina acción, misterio y thriller criminal.

La miniserie se llama “Nemesis”, la cual, en poco tiempo de su salida a la plataforma, se ha convertido en una de las más comentadas al tener un número de 18 millones de espectadores desde su estreno el 14 de mayo de 2026 con solamente 8 capítulos.

¿De qué trata la serie “Nemesis”?

“Nemesis” trata la historia del detective Isaiha Stile, un policía que atraviesa una tragedia personal y lo conlleva a obsesionarse con capturar a una banda de criminales responsables por varios delitos graves.

Al mismo tiempo, se encuentra el criminal Coltrane Wilder, un hombre brillante que finge ser un gran empresario al que nadie es capaz de seguirle la pista. Wilder busca hacer un último gran golpe, pero al mismo tiempo, atraviesa varias dificultades personales.

Lo que para muchos puede ser una habitual persecución entre un policía y un criminal, comienza poco a poco a cobrar una nueva relevancia cuando la vida de estos dos hombres comienza a cruzarse de las maneras menos oportunas.

Mientras se está desarrollando la historia, el espectador encontrará que la línea entre lo bueno y lo malo que separa a estos individuos comienza a ponerse más ambigua.

Los hechos de la miniserie transcurren en la ciudad de Los Ángeles, siendo un punto clave para el desarrollo de la trama, mostrando las zonas y sectores de alto ingreso, al igual que puntos en donde se lleva a cabo la producción del mundo del crimen organizado, permitiendo al televidente ver la diferencia de ambos mundos.

La nueva miniserie de Netflix combina varios aspectos que son notables de ver en thrillers criminales, tales como persecuciones, operaciones realizadas por las autoridades, traiciones de seres queridos y conflictos familiares.

COLTRANE VS. STILES 🔥

📺: Nemesis
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— Netflix (@netflix) May 19, 2026

El elenco principal de la serie “Nemesis” está compuesto de la siguiente manera:

• Matthew Law como Isaiah Stiles
• Y’lan Noel como Coltrane Wilder
• Cleopatra Coleman como Ebony Wilder
• Gabrielle Dennis como Candace Stiles
• Tre Hale como Darren “Stro” Stroman
• Domenick Lombardozzi como Dave Cerullo
• Jonnie Park como Chris Choi
• Michael Potts como James Sealey
• Ariana Guerra como Yvette Cruz
• Sophina Brown como Charlie
• Jeff Pierre como Malik Jacobs
• Cedric Joe como Noah Stiles

El reconocido director, responsable de clásicos que marcaron generaciones, regresa al género con una propuesta que combina suspenso, emoción y encuentros con seres de otros mundos.

Bajo el título ‘El día de la revelación’, la película promete convertirse en uno de los estrenos más esperados de los próximos meses, capaz de cautivar tanto a los seguidores de la ciencia ficción como a las nuevas audiencias.

Gracias al sello narrativo de Spielberg y a la enorme expectativa que rodea el proyecto, muchos ya la señalan como una de las producciones con mayor potencial para conquistar la taquilla y convertirse en el próximo gran fenómeno cinematográfico.

La cinta se estrena en los cines de Latinoamérica el 11 de junio y el 12 de junio de 2026 empieza a proyectarse en Estados Unidos y Canadá.

Este proyecto es protagonizado por Emily Blunt (’Oppenheimer’), Josh O’Connor (’The Crown’), Colin Firth (’El diario de Bridget Jones’), Eve Hewson (’Robin Hood’) y Colman Domingo (’Fear the Walking Dead’).

Según Spielberg, ‘El día de la revelación’ es su primera película considerada de ciencia ficción, o por lo menos que así considera, comentó en una entrevista reciente con AP: “Refleja mucho más el mundo tal como está evolucionando y los descubrimientos que se están haciendo en este preciso momento”.

De esta manera, el cineasta, a sus 79 años, intenta replantear su fascinación por los extraterrestres, que lo ha cautivado desde E.T. hasta La guerra de los mundos, en la época de su infancia.

“Cuando era chico y aún vivía en Haddon Township, mi padre me construyó un telescopio”, recordó el director estadounidense en dialogó con la revista española Fotogramas, donde habló sobre su convicción respecto a la existencia de inteligencia no humana y su pasión por el cine.

Y añadió entre risas: “Yo tendría unos siete años y me veía a mí mismo como una especie de estudiante del cielo. Y sigo viéndome así”.

Por otro lado, el cineasta afirmó que su curiosidad y su impulso creativo siempre han sido la clave para mantenerse motivado ante nuevas historias y desafíos cinematográficos, por lo que señaló que El día de la revelación es una película “centrada en la verdad de lo que hay ahí fuera”, abordando esta visión desde el género de la ciencia ficción.

El thriller psicológico, protagonizado por Sydney Sweeney y Amanda Seyfried, logró una acogida en las salas de cine, superando los 400 millones de dólares en recaudación mundial y consolidándose como uno de los mayores éxitos de la carrera de Sweeney.

La producción, que llamó la atención del público por su trama llena de tensión y giros inesperados, ahora busca repetir ese impacto en el mundo del streaming, donde se perfila como una de las apuestas más fuertes para las próximas semanas.

Lo que comenzó como una sencilla adaptación cinematográfica de una novela de gran éxito terminó convirtiéndose en uno de los títulos más comentados del año.

Bajo la dirección de Paul Feig, ‘La asistenta’ logró captar la atención del público al recuperar el atractivo de los thrillers psicológicos con tintes románticos y sensuales, un género que había perdido protagonismo en los últimos años.

La película construye su historia a partir del misterio, el suspenso, el drama y las sorpresas inesperadas con una producción que consiguió trascender su origen literario y convertirse en un auténtico fenómeno en la gran pantalla.

“Basada en el increíble fenómeno literario escrito por Freida McFadden. Una joven (Sydney Sweeney), con un pasado complicado comienza a trabajar como asistenta en la lujosa casa de los Winchester, interpretados por Amanda Seyfried y Brandon Sklenar. A medida que se adentra en la vida de la familia, descubrirá secretos oscuros que pondrán en peligro su seguridad, pero quizá ya sea demasiado tarde”, se lee en su sinopsis oficial.

Con una duración superior a las dos horas, ‘La asistenta’ apuesta por mantener la tensión y el interés del espectador de principio a fin.

Además, la película ha conseguido una recepción favorable tanto por parte de la crítica como del público, reflejada en sus valoraciones en plataformas especializadas como Rotten Tomatoes (74%) –con un 92% por parte del público– y en IMDb (6,7), donde destaca especialmente la aprobación de los espectadores.

Tras su exitoso recorrido por las salas de cine, el thriller ya puede verse sin costo adicional para los suscriptores de Prime Video, mientras que quienes prefieran otras opciones también pueden encontrarlo en Apple TV mediante compra o alquiler digital.

Sus letras, cómplices generacionales de hombres que buscaban llamar la atención de las mujeres que les robaban el sueño, son muestra de una inigualable inspiración que miles han apropiado por décadas para transmitir su amor. Y sí, tan importante fue su legado que se narró en una telenovela de amplia difusión y reconocimiento, Escalona, protagonizada entre 1991 y 1992 por el cantante Carlos Vives, con el sello autoral de un joven Sergio Cabrera.

Al respecto de un ícono cultural como pocos en el folclor vallenato y musical de Colombia, Astrid Escalona y Efraín Quintero Molina compartieron con Arcadia detalles de la vida del maestro. Estos permiten forjar una mirada más profunda del gestor de canciones como El testamento y La vieja Sara.

Quintero Molina, actual vicepresidente de la Fundación Festival de la Leyenda Vallenata, conoció de cerca a Escalona. Fue su vecino. “Desde muy niño lo conocí, porque su mamá, Margarita Martínez, vivía a menos de una cuadra de mi casa, donde residían el maestro Escalona y sus hermanas, Justa y Matilde”, menciona. Por eso, para la familia de Quintero, Escalona era “muy allegado”.

Por otra parte, Astrid Escalona, su hija, quien lidera la Fundación Rafael Escalona junto con su hermana Carolina, define al maestro como “un caballero de nobleza profunda, afectuoso y de una elegancia innata”.

Sobre Rafael, Quintero afirma que se trataba de “un hombre muy recatado, muy serio y muy observador”, una faceta que exalta un deseo que Rafael tuvo desde niño: ser pintor. Astrid destaca que “la pintura fue su primer talento cuando era niño”, y no es descabellado pensar que influyó en la forma en que percibía el mundo, alimentando su capacidad de observar y luego escribir, así como un pintor observa para después pintar.

Muestra de ello son los versos que le escribió a una ternera que le regalaron. “Donde aparecía una historia cualquiera, él tenía la capacidad de hacer un verso”, explica Efraín, mientras que Astrid enfatiza que Escalona “poseía una facultad excepcional para relatar las vivencias y tradiciones populares, definiendo su propia creación bajo una narrativa costumbrista”. Aquellas canciones que compuso para las musas que pasaron por su vida evocan cuadros de grandes pintores, realizados desde la inspiración que agitan amores y sentimientos.

Su gusto por la pintura también se manifiesta en aquel clásico lleno de añoranza que le escribió a Jaime Molina, su amigo del alma, que le dedicó desde el corazón y el vacío que le dejó su muerte. Esta canción exalta una legendaria promesa entre los dos: “...si yo moría primero él me hacía un retrato, o si él moría primero le sacaba un son”; pero, a raíz de la muerte de su amigo, escribe: “Ahora prefiero esta condición, que él me hiciera el retrato y no sacarle el son”.

La partida de Jaime, el pintor, impactó en gran manera a Rafael. “Los dos hicieron una pareja impresionante donde la amistad creció”, relata Quintero Molina. Mientras tanto, su hija revela que “se conocieron desde muy niños; sus madres eran amigas e iban a lavar al río, y a los dos los amarraban de las manos con una cinta roja para que no se separaran ni se alejaran mientras jugaban cerca de ellas”. Esa cinta roja fue a la vez materialización y presagio de aquella relación inmortalizada a través de un himno de amistad y confidencialidad.

Fue al ver la habilidad de Jaime en la pintura que Escalona decidió dejarla a un lado. Pero luego, al morir Jaime, la retomó, dejando un legado maravilloso en ella. Astrid describe que, al despedir a Molina, “Escalona no solamente le hace la canción, sino que también le hace un retrato y, a finales de los años ochenta, escribe la canción La mariposa del río Badillo”, que relata lo que Jaime Molina le responde desde el cielo a Rafael.

Escalona no fue una figura relegada de la provincia, sino un personaje activo dentro de la vida social y política colombiana. Astrid cuenta que cuando él llegó a Bogotá, “arribó desconociendo el alcance de su prestigio en la capital, siendo acogido con un afecto inmenso que le abrió las puertas a la consagración”.

A raíz de esto se “desencadenó un notable despliegue mediático y el interés del entonces presidente Gustavo Rojas Pinilla, quien reconoció su genio artístico. Fue recibido con honores en los escenarios más exclusivos y en las altas esferas políticas y sociales del país, encontrando en la capital un reconocimiento que contrastaba con su realidad en el Valle en aquel tiempo”, suma Astrid. Su afecto por Bogotá no pasa, pues, desapercibido. “Él solía decir que Bogotá lo acogió con un equipaje cargado de sueños, los cuales hallaron en esta ciudad el escenario propicio para transformarse en realidad”, agregando que “Bogotá siempre amó a Escalona y Escalona amó a Bogotá”, pues hizo de la capital “su hogar durante más de tres décadas”.

Adentrarse en la mente de este compositor es abrir el cuaderno de un poeta y sumergirse en sus vivencias, atravesadas por felicidades, gozos, tristezas y lágrimas marcadas en la fragilidad de una hoja que, hoy y siempre, se disfrutarán a través de los oídos. Quizá por eso, su genialidad no se resume en algo local, tocando la universalidad misma de la música. No en vano, la junta directiva de los Latin Grammy le confirió el premio especial de la Academia, un solemne tributo a la excelencia y permanencia de su obra musical.

La conexión existente entre la música y la pintura en la vida de Escalona no es forzada; opera como un complemento inseparable. Por ejemplo, cuando el compositor acompañó a su amigo Gabriel García Márquez a la entrega del Premio Nobel, “compuso “El vallenato Nobel”, una melodía que posteriormente inmortalizó en un lienzo que hoy se custodia en la Casa Museo Rafael Escalona, en la ciudad de Bogotá”, detalla su hija.

En lo estrictamente musical, Efraín Quintero resalta que la “escuela de parranderos hizo que el maestro Escalona fuera construyendo versos con sus amigos, con el viejo Emiliano Zuleta, con Poncho Cotes, y esos amigos de parranda hacían una especie de laboratorio”, ampliando que “la parranda fue el primer laboratorio de música”. Y aunque Escalona no tocaba instrumentos, la musicalización “la silbaba o la tarareaba”, y después alguien “con la guitarra arreglaba eso”, siendo este el origen de algunas de sus famosas canciones.

Quintero describe a Rafael como “inmortal”. Su hija lo define como “el hombre que enalteció a Colombia mediante la grandeza de su legado artístico y cultural”. En últimas, fue el artista que hizo de la cotidianidad canciones; de las mujeres, musas; y de las musas, himnos.

Recordar a Rafael Escalona es recordar la grandeza del territorio que lo vio nacer y el misterio de la mujer colombiana que tanto lo inspiró. Escalona partió de este mundo, sí, pero ahora habita aquella casa en el aire que le construyó en letras a su hija Ada Luz, la morada de uno de los artistas que más apreciará Colombia.

La serie del momento, y sí que justifica su hype, viene liderada por el excepcional Matthew Rhys y secundada por Stephen Root, un actor que todo lo que hace lo hace bien, y cae como anillo al dedo en el registro ambiguo de esta producción. Rhys es Tom Loftis, el alcalde de esta isla y pueblo cerca de Massachusetts llamado Widow’s Bay, que quisiera proyectar como una especie de Martha’s Vineyard para darle empuje económico; Root es Wyck, el loco del pueblo para muchos, que resulta tener más razón de la que el alcalde quisiera, al hablar a los cuatro vientos de las raíces malvadas de esa tierra.

En esta historia de diez episodios, la tensión entre la comedia y el horror es genialmente hilvanada, con supersticiones y la historia del pueblo chocando contra la lógica del desarrollo. Se habla, pues, de locuras y maldiciones, se menciona la historia del fundador del pueblo, venerado, exaltado, pero cuyo legado se revela más macabro de lo pensado y toca el presente. A su manera, la serie rinde sutiles homenajes a producciones clásicas del cine como The Shining, Viernes 13, Halloween y Tiburón, entre otras, sin dejar de sentirse única, y sin soltar la gota de ligereza que nos hace tomarla en serio, pero no del todo. Vale la pena exaltar también el rol de Kate O’Flynn como Patricia, la asistente del alcalde, quien, como víctima de las energías malévolas del pueblo y de las personas que se creen más que ella, entrega algo memorable.

SPIDER-NOIR - PRIME VIDEO

A veces, más opciones no equivalen a algo mejor, pero está bien tenerlas. Mencionamos ese hecho por cuenta de esta interesante serie que ofrece una especie de innovación tecnológica al entregarse en dos formatos, full color, o blanco y negro, que el televidente puede escoger a voluntad y cambiar en cualquier punto. Al verse, resulta más que evidente que, cuando se habla del género noir (marcado por lo criminal, lo sórdido, pero también por un estilo y una clase), el blanco y negro resulta lógico, pero cada quien tendrá su opinión.

Entrando a lo clave, al frente de esta producción de Prime Video, Marvel Studios y Sony Pictures Television (y si ven el Marvel y el Spider, sabrán que hay algo del ADN del hombre araña), se encuentra Nicolas Cage. En su primer rol en la televisión, el ganador del Óscar da vida a Ben Reilly, un detective privado veterano que tiene poderes arácnidos, pero que, tras una tragedia personal en la que no pudo proteger a su gran amor, renuncia a ellos… momentáneamente. En medio de una racha más bien difícil, en la Nueva York de la década de los treinta, un caso lo obliga a mirar de frente a ese pasado doloroso. El reparto cuenta con un notable villano, Silvermane, interpretado por Brendan Gleeson, y con una cautivante femme fatale, Cat Hardy, a quien da vida la actriz Li Jun Li ( brilló en Sinners).

THE BOROUGHS - NETFLIX

Lo primero que sorprende en esta producción que viene atrapando a millones en el mundo es el nivel de casting. Puede que no congregue nombres enormes, pero conforma un ensamble del tipo de actores que llevan décadas dejando huella en televisión, cine y teatro, sembrando respeto de sus colegas y el público, y se le nota: hablamos de Alfred Molina, Alfre Woodard, Geena Davis, Denis O’Hare, Clarke Peters, Bill Pullman y Jane Kaczmarek.

Y eso hacen aquí, se justifican plenamente en esta producción que se puede considerar un Stranger Things para la tercera edad, sin el elemento de época ochentero. Alfred Molina interpreta a Sam Cooper, un ingeniero que, tras la muerte de su mujer, ingresa a un hogar para la tercera edad con todas las comodidades imaginables (entre ellas, tres canchas de golf premiadas). Él, incorregible ingeniero, no está hecho precisamente para ese ambiente, y encima de esto, la casa a la que llega guarda su propio misterio, uno que se extiende a toda esta comunidad aparentemente perfecta de The Boroughs. La señora que la ocupó antes de él murió en circunstancias cuestionables que, de a poco, se le van revelando a él, que tiene herramientas, ingenio y va sumando aliados entre sus vecinos para desentrañar qué hay detrás de las apariciones y criaturas sobrenaturales al acecho.

DTF ST. LOUIS - HBO MAX

Esta miniserie tiene una cualidad extraña. En principio, reta, incluso genera resistencia, pero recompensa plenamente a quienes osan quedarse porque luego no se le puede dejar. En un contexto de suburbia estadounidense, la producción explora muchas de las complejidades de las relaciones actuales. Sigue a tres adultos (interpretados por Jason Bateman, David Harbour y Linda Cardellini, que nada raro sería que ganaran algún premio) atrapados en su propio desencanto, rutina e insatisfacción, síntomas de sus crisis paralelas de la mediana edad, que cruzan caminos por medio de una aplicación de citas para encuentros sexuales y desarrollan lazos más fuertes de lo esperado. Así, un matrimonio infeliz y la persona externa que entra en sus vidas protagonizan un triángulo amoroso inusitado. El asunto es que no hay feliz, sí una muerte al final del túnel que ha de ser investigada por una pareja de detectives conformada por Richard Jenkins y Joy Sunday, y en cuyo entramado Peter Sarsgaard suma un rol enorme.

TUCCI EN ITALIA - DISNEY+

Luego de una primera temporada en la que el actor deleitó a propios y extraños con su aproximación personal y franca, Stanley Tucci regresa con nuevos capítulos de la serie que pone a dialogar sus raíces en Italia y el peso de su cultura culinaria. En esta segunda temporada, ya habiendo pasado por destinos más bien publicitados, el actor pone el foco en Las Marcas, una zona que impactará a muchos televidentes como una revelación, ubicada en el centro de Italia, sobre la costa del Adriático, cuyos sabores y matices han permanecido fuera del radar del turismo internacional. Pero, claro, Tucci va más allá. En Campania y su capital, Nápoles, celebra una variedad de uva olvidada, y en Véneto no teme sumar sus investigaciones sobre el tiramisú y su disputado origen. El actor y conductor explora además dos islas, Cerdeña, donde investiga la relación entre la comida y la longevidad, y Sicilia, donde la multiculturalidad ha marcado poderosamente la gastronomía.

El proyecto recopila declaraciones de figuras clave de ambas partes del litigio, incluyendo a miembros de la defensa, la fiscalía y el jurado. A través de este ejercicio, expone testimonios de antiguos colaboradores del entorno del artista, cuyas afirmaciones introducen nuevos elementos de discusión sobre lo ocurrido en el rancho Neverland.

‘Michael Jackson: El veredicto’ consta de tres episodios, ya disponibles en la plataforma. Fue en 1993 cuando las primeras acusaciones contra el cantante salieron a la luz. Evan Chandler acusó a Jackson de haber abusado presuntamente de su hijo de 13 años, Jordan Chandler. En aquella época, el artista llegó a un acuerdo extrajudicial y pagó a la familia para que el caso no llegara a los tribunales.

Un testimonio central es el de Vincent Amen, quien trabajó para el cantante desde 2002. Según relata, durante los registros policiales tras el arresto de Jackson, recibió una bolsa deportiva de manos de Frank Cascio (conocido como Frank Tyson), asistente de larga data del intérprete. Amen afirma que Cascio había retirado materiales de su propia residencia procedentes de Neverland. Al revisar la bolsa, filmó el procedimiento y encontró una revista con imágenes de menores sin ropa y anotaciones manuscritas con marcador en la sección de pedidos de video.

“Empecé a hojearla, y había un Sharpie… círculos alrededor de la sección de pedidos de video”, relató Amen. “Alguien quería estos videos, marcó los que quería. Estos videos, que son de niños desnudos”.

El excolaborador añade que confrontó a Cascio, quien supuestamente le respondió que se trataba de “una fase” por la que él y el cantante habían pasado. Los realizadores aclararon que Frank Cascio no pudo ser contactado para ofrecer su versión o derecho a réplica frente a estos señalamientos.

El documental también aborda el estado en que el intérprete de “Thriller” afrontó las audiencias. Su entonces abogado defensor, Mark Geragos, detalla que el estado físico y psicológico de su representado estaba severamente afectado tras su detención en 2003. Geragos califica el consumo de sustancias de Jackson como “astronómico”, manifestando que el equipo legal temía por la capacidad del cantante para resistir la presión del proceso.

Por otro lado, la producción muestra el impacto de la celebridad en el tribunal. Exintegrantes del jurado recuerdan cómo algunos de sus compañeros se balanceaban en sus asientos al ritmo de las canciones de Jackson durante la presentación de pruebas videográficas, lo que reflejaba la complejidad de mantener la imparcialidad.

El proceso judicial concluyó cuando el jurado declaró a Michael Jackson no culpable de los diez cargos que enfrentaba, determinando su absolución por insuficiencia de pruebas penales concluyentes.

La publicación de esta docuserie coincide con el interés generado por la película biográfica de Hollywood Michael, dirigida por Antoine Fuqua.

Tras alcanzar nuevos reconocimientos internacionales por parte de las publicaciones especializadas Pollstar y Billboard, el recinto anunció una ambiciosa programación para el segundo semestre de 2026, que contempla más de 80 espectáculos entre conciertos, eventos familiares y propuestas culturales.

La nueva cartelera confirma la creciente importancia de Bogotá dentro del circuito global de las grandes giras internacionales. Artistas de distintos géneros y generaciones llegarán a la capital colombiana durante los próximos meses, consolidando al Movistar Arena como una parada estratégica para los principales espectáculos del continente.

El anuncio se produce en un momento particularmente favorable para el recinto. Según el más reciente ranking de Billboard, una de las publicaciones más influyentes de la industria musical y del entretenimiento, el Movistar Arena fue reconocido como el escenario número uno de Suramérica en la categoría de recintos con capacidad entre 10.000 y 15.000 espectadores.

Además, ingresó al Top 20 mundial de venues de su categoría, un logro que lo ubica junto a algunos de los escenarios más importantes del planeta.

A este reconocimiento se suma un nuevo resultado destacado en Pollstar, considerada una de las principales referencias de la industria global de conciertos. En su más reciente clasificación de asistencia, el Movistar Arena ocupó el primer lugar gracias a la realización de 15 espectáculos durante el último mes, los cuales convocaron a más de 118.000 asistentes.

El recinto ya había sido reconocido en 2025 como el mejor escenario de Suramérica dentro de su segmento, una distinción que ahora se reafirma gracias a la capacidad operativa, la diversidad de su programación y el creciente interés de artistas internacionales por incluir a Bogotá dentro de sus recorridos.

“Estos reconocimientos de Pollstar y Billboard son el resultado del esfuerzo diario de un equipo humano excepcional y de la confianza de los promotores, artistas y, por supuesto, del público”, afirmó Luis Guillermo Quintero, gerente general del Movistar Arena. El directivo destacó además que estos resultados permiten seguir fortaleciendo la presencia de Bogotá en el mapa mundial del entretenimiento en vivo.

La infraestructura del escenario ha sido uno de los factores clave en este crecimiento. Su diseño versátil permite configuraciones para eventos desde 4.000 hasta 15.000 asistentes, lo que facilita la realización de espectáculos de diferentes formatos y escalas, desde conciertos íntimos hasta producciones de gran formato.

Una programación para todos los gustos

La cartelera anunciada para la segunda mitad de 2026 refleja precisamente esa diversidad. Hasta el momento, tiene confirmados 50 eventos y proyecta sumar más de 30 adicionales en los próximos meses, alcanzando así una cifra cercana a los 80 espectáculos programados.

La lista de artistas ya confirmados incluye figuras de enorme reconocimiento internacional y nacional. Entre ellos destacan la española Rosalía, el británico Robbie Williams, la legendaria banda de rock Def Leppard, el grupo australiano 5 Seconds of Summer y el reconocido DJ neerlandés Martin Garrix.

También aparecen nombres emblemáticos de la música iberoamericana como Enrique Bunbury, Raphael, Fito Páez y Ricardo Arjona.

La representación colombiana también tendrá un papel destacado. Artistas como Juanes, Morat, Camilo y Jorge Celedón forman parte de una programación que busca conectar con públicos de distintas edades y preferencias musicales.

A ellos se suman figuras del pop latino contemporáneo como David Bisbal, Tini y Aitana, además de propuestas alternativas como Cuarteto de Nos.

La programación contempla igualmente espacios para el entretenimiento familiar. Entre los eventos anunciados se encuentran los espectáculos de Laura y Brenda, así como la presentación de la artista infantil Lara Campos, ampliando la oferta más allá de los conciertos tradicionales.

La película tendrá su estreno mundial el 12 de junio de 2026, mientras que en Colombia llegará a las salas de cine el 11 de junio, un día antes de su lanzamiento en Estados Unidos.

Aunque Spielberg y Universal Pictures han mantenido buena parte de la trama bajo reserva, la historia gira alrededor de una pregunta que ha fascinado a la humanidad durante décadas: ¿estamos solos en el universo?

La película plantea un escenario en el que se confirma oficialmente la existencia de inteligencia no humana en la Tierra, desencadenando una serie de acontecimientos que transforman la vida de millones de personas. La revelación de una verdad mantenida en secreto durante años pone en marcha una carrera contra el tiempo, conspiraciones gubernamentales y encuentros que podrían cambiar para siempre la percepción que la humanidad tiene de sí misma.

El reparto está encabezado por Emily Blunt, acompañada por Josh O’Connor, Colin Firth, Colman Domingo, Eve Hewson y Wyatt Russell.

Más de 500 tomas con efectos visuales

Uno de los aspectos más impresionantes de la producción es su escala técnica. Universal Pictures reveló que la película contiene más de 500 planos con efectos visuales, desarrollados por reconocidos estudios como Digital Domain, Weta FX y Storm Studios, mientras que Legacy Effects estuvo a cargo de la creación de criaturas y efectos prácticos.

La combinación entre efectos digitales y elementos físicos fue una de las prioridades de Spielberg para lograr una experiencia visual inmersiva, especialmente en las secuencias relacionadas con fenómenos extraterrestres, criaturas no humanas y eventos imposibles de recrear únicamente con métodos tradicionales.

Entre los momentos más ambiciosos de la película destaca una escena de acción que involucra un automóvil arrastrado por un tren en movimiento.

La secuencia requirió semanas de preparación, ensayos con dobles de riesgo y una cuidadosa planificación entre los departamentos de efectos especiales, especialistas y efectos visuales. Parte de las escenas se rodaron en una línea ferroviaria de Cape May y otras en estudio utilizando pantallas verdes y complejos sistemas de seguridad.

El resultado es una de las secuencias más elaboradas de la carrera reciente de Spielberg, según ha destacado el propio equipo de producción.

Otro de los momentos que promete sorprender a los espectadores es la denominada “casa invisible”. En esta secuencia, agentes gubernamentales persiguen a los protagonistas dentro de un almacén sin poder verlos debido a un extraño fenómeno que altera su percepción. Los personajes chocan con paredes, puertas, vehículos y hasta una réplica de una casa que permanece invisible para ellos.

Para lograr el efecto, los actores y especialistas interactuaron físicamente con decorados y vehículos que posteriormente fueron eliminados digitalmente durante la posproducción.

Criaturas, ovnis y fenómenos inexplicables

Los fanáticos de la ufología encontrarán numerosos guiños en la película. El equipo creativo desarrolló una amplia variedad de fenómenos aéreos no identificados o UAPs, círculos en cultivos, animales generados por computadora y apariciones extraterrestres inspiradas en décadas de testimonios, leyendas y registros populares sobre supuestos encuentros alienígenas.

Según los responsables de los efectos visuales, una de las premisas centrales de la película es que existe evidencia oculta sobre visitas extraterrestres acumulada durante décadas, lo que permitió recrear archivos ficticios ambientados en distintas épocas y formatos audiovisuales.

Otro dato que entusiasma a los cinéfilos es el regreso de una de las asociaciones más legendarias de Hollywood.

La banda sonora fue compuesta por John Williams, ganador de cinco Premios Óscar y autor de algunas de las melodías más reconocibles de la historia del cine.

El Día de la Revelación marca la colaboración número 30 entre Spielberg y Williams, una dupla responsable de bandas sonoras inolvidables para películas como Tiburón, Star Wars, E.T. el extraterrestre y La lista de Schindler.

El lanzamiento llega en una etapa de gran exposición para la intérprete, quien además se prepara para una presentación especial el próximo 10 de junio, un concierto que servirá como antesala a la celebración deportiva mundial que concentrará la atención de millones de personas alrededor del planeta. La actuación marcará uno de los eventos más relevantes de esta nueva fase artística, en la que Elena Rose busca seguir fortaleciendo el vínculo emocional con una audiencia cada vez más amplia.

La artista venezolana ha construido una trayectoria singular dentro de la industria musical. Antes de convertirse en una figura reconocida como intérprete, desarrolló una exitosa carrera como compositora, escribiendo canciones para algunas de las estrellas más importantes de la música latina. Su nombre aparece en créditos de artistas como Rauw Alejandro, Sebastián Yatra, Becky G, CNCO y Jennifer Lopez, entre otros. Sin embargo, en los últimos años, Elena dio el salto definitivo al frente del escenario, construyendo una identidad propia basada en letras íntimas, sensibilidad emocional y una fuerte conexión con sus seguidores.

Ese crecimiento quedó reflejado en el impacto de Bendito Verano, proyecto que desafió las convenciones habituales de la industria al presentar una propuesta inspirada en la energía del verano durante los meses finales del año. La apuesta resultó exitosa. El álbum superó los 100 millones de reproducciones en plataformas digitales y se convirtió en una de las etapas más significativas de su evolución artística.

Ahora, con No quiero que se acabe el bendito verano, Elena Rose retoma esa narrativa de luz, nostalgia y conexión humana. El EP está conformado por cinco canciones: Quién Contra Mí, TUTUTU junto al artista venezolano Alleh, La Semana en colaboración con el colombiano Manuel Turizo, Te Pensé y Agradecimiento.

El lanzamiento también llega acompañado de importantes reconocimientos. Recientemente, Elena Rose se convirtió en la primera mujer latina en recibir el premio BMI Impact Award durante los BMI Latin Awards, un reconocimiento que destaca tanto su trabajo como compositora como el impacto que ha alcanzado en la industria musical. El galardón refuerza una trayectoria que la ha llevado a convertirse en una de las figuras más respetadas del pop latino actual.

Paralelamente, la cantante continúa expandiendo el alcance de su gira ALMA Tour. Durante los últimos meses ha agotado entradas en ciudades como Miami, Madrid, Barcelona y Ciudad de México, además de presentarse en escenarios de Santiago de Chile, Lima, Quito y Buenos Aires. La gira continuará en Europa a partir de julio con una nueva serie de conciertos que buscarán consolidar su presencia en ese mercado.

La venezolana se presentará en el Auditorio Nacional en Ciudad de México el 10 de junio en el Countdown Concert, un espectáculo que reunirá a Los Ángeles Azules y Belinda y que marcará la cuenta regresiva hacia el inicio del Mundial.

En medio de este interés, el reconocido actor Matt Damon brindó detalles exclusivos sobre el rodaje de la película y hasta reflexionó sobre la dinámica dentro del set.

En una entrevista concedida a GQ, el artista expresó su admiración por la ambición detrás de La odisea y aseguró que la película podría representar uno de los últimos ejemplos de una forma de hacer cine que, a su juicio, está desapareciendo rápidamente.

El actor considera que las condiciones que hicieron posible una producción de esta magnitud son cada vez más escasas dentro de la industria cinematográfica actual.

Además, señaló que cree firmemente que proyectos como el liderado por Christopher Nolan podrían convertirse en una rareza en los próximos años, debido a los cambios en los modelos de producción y distribución.

Según explicó, los cineastas difícilmente volverán a tener muchas oportunidades para “rodar películas de esta manera por mucho más tiempo”, haciendo referencia a la apuesta por los grandes escenarios, los efectos prácticos, la filmación a gran escala y la experiencia cinematográfica concebida para la pantalla grande.

Por otro lado, Damon describió la filmación como “algo desconcertante”, que le generó una impresión “casi nostálgica todo el tiempo”, debido a que le recordó el inicio de su carrera..

No obstante, admitió que hoy percibe el sector como un espacio cada vez más ajeno, incluso para quienes llevan décadas de trayectoria.

“Para mí, personalmente, fue una película muy extraña, en el sentido de que tuve una sensación casi nostálgica durante todo el rodaje, porque me recordó a las películas de cuando empecé a trabajar. Y sé que eso va a desaparecer”, comentó Matt Damon.

Y añadió: “Sabía que esta era la última oportunidad que tendría de hacer algo así”.

Desde su perspectiva, el actor cree que la dirección que está tomando la industria cinematográfica apunta a que quizás nunca sea posible volver a ver un proyecto como La Odisea.

“No creo que se vayan a destinar los recursos para rodar películas de esa manera durante mucho tiempo”, precisó Damon, quien interpreta a Odiseo en la película.

Aunque pocos lo saben, ambos se conocieron durante su infancia y fueron compañeros de escuela en Roma, una amistad que años más tarde daría origen a una colaboración artística capaz de transformar para siempre el lenguaje cinematográfico.

Juntos impulsaron el auge del llamado spaghetti western, un subgénero desarrollado principalmente por cineastas italianos que redefinió las tradicionales historias del Viejo Oeste.

Sin embargo, el éxito de estas producciones no solo estuvo sustentado en la innovadora visión de Leone como director, sino también en el talento excepcional de Morricone para crear atmósferas sonoras inolvidables.

Gracias a esta pasión compartida, surgió una colaboración que hoy en día sigue siendo considerada una de las piezas más bellas de la historia del cine: Hasta que llegó su hora (1968) o Érase una vez en el Oeste, título con el que se conoció en Hispanoamérica.

Una escena incomparable

El tema es una de las obras más míticas de la carrera del compositor Ennio Morricone, que dio como resultado una escena incomparable junto a Sergio Leone.

Todo comienza en una estación de tren. Allí llega Jill, interpretada por Claudia Cardinale, a la que no ha ido a buscar nadie. Mientras la protagonista avanza por el andén y luego por el pueblo mirando ansiosa su reloj, la cámara de Leone se eleva, sincronizándose con la entrada de la majestuosa melodía de Morricone.

Esta secuencia de Hasta que llegó su hora es considerada una auténtica obra maestra del cine, no solo por la extraordinaria visión y el virtuosismo de Sergio Leone detrás de la cámara, sino también por la imponente composición musical de Ennio Morricone que la acompaña.

En ella, imagen y sonido se fusionan de manera magistral para construir una experiencia cinematográfica única, donde cada plano, cada silencio y cada nota musical contribuyen a elevar la tensión y la emoción de la escena.

Todo esto crea uno de los momentos más memorables e influyentes en la historia del género wéstern, una escena que continúa fascinando a espectadores y cineastas décadas después de su estreno.

La pieza de Morricone representa al personaje de Jill -su título es Jill’s Theme- pero también es un tema recurrente en el resto del filme. Aunque han pasado 58 años desde su debut, este himno majestuoso sigue emocionando a los amantes del séptimo arte.

La cuestión de fondo no es si un mural gusta más o menos, ni si una escultura urbana se vuelve reclamo fotográfico. La verdadera pregunta debería ser otra: ¿qué cambia en la experiencia cotidiana de la ciudad una intervención artística?

No hablamos solo de imagen urbana, sino de cómo una ciudad se vuelve más integral, equilibrada y significativa para quienes la habitan. Es decir, nos referimos a calidad de vida. El arte urbano puede (y tal vez debe) introducir belleza cotidiana, serenidad y reflexión, mecanismos de activación simbólica del espacio público en relación con el bienestar subjetivo.

¿Quién interviene el espacio?

Al artista urbano, expuesto a la curiosidad pública, siempre le ha interesado no pasar desapercibido. Tanto en el arte informal (el grafiti) como en el consentido, los autores siempre han reivindicado fervientemente su autoría.

Sin embargo, lo que se busca sobre todo es el efecto sorpresa como noticia asociada al arte urbano. Así, Girl with Balloon, de Banksy, sorprendió porque una imagen mínima, encontrada en la calle, abría una lectura sobre la pérdida, la infancia, la esperanza o la fragilidad.

A su vez, la presencia de nombres reconocidos establece una jerarquía silenciosa. Esta hace que, por ejemplo, Taki 183, Keith Haring, Basquiat, Blek le Rat, Oldenburg, Banksy, OBEY y Kapoor tengan capacidad de intervenir en el espacio público y otros no. No basta con ocupar un muro o producir cualquier imagen, hace falta competencia artística, autorización o negociación, análisis del contexto, responsabilidad urbana y capacidad de generar una experiencia significativa.

Pero además, entre quienes logran dejar huella en el espacio público, no todos consiguen incidir positivamente en la calidad de vida urbana compartida.

Una pregunta más exigente

Ese es precisamente el núcleo del proyecto de investigación AUPART sobre arte urbano y calidad de vida que desarrollamos actualmente. Su punto de partida no da por hecho que cualquier obra de arte urbano mejora automáticamente el bienestar colectivo sino que busca averiguarlo.

La calidad de vida no es una magnitud simple, ni puede atribuirse directamente a un único factor. Según el marco del Indicador Multidimensional de Calidad de Vida del INE, depende de condiciones materiales, relaciones sociales, percepción del entorno, seguridad, gobernanza, bienestar subjetivo y experiencia cotidiana del lugar.

Por eso, cuando estudiamos el arte urbano nos preguntamos en qué dimensiones concretas puede influir y bajo qué condiciones puede llegar a afectar. Una obra de no debería evaluarse solo por su calidad formal, su tamaño o su firma, sino por su capacidad de comportarse como mediadora entre el espacio público y la vida urbana.

Cuando una obra funciona o fracasa

Dos proyectos con recorrido que han funcionado como mediadores han sido el Mural Arts de Filadelfia (EE. UU.), que incorpora numerosas obras que han tenido impacto en la comunidad, o el Inside Out Project impulsado por el artista urbano francés JR, que ya tiene recorrido internacional.

En nuestro estudio hemos analizado, por ejemplo, el caso de Julia, la escultura de Jaume Plensa en la plaza de Colón de Madrid. Con los resultados actualmente en proceso de revisión por pares, sería exagerado afirmar que mejora la calidad de vida en términos absolutos. Pero sí se puede interpretar como un factor de mediación urbana, una presencia artística de alta visibilidad que puede modificar la experiencia del entorno, la percepción de seguridad, el valor simbólico del lugar o la relación afectiva con esa plaza.

Ahora bien, una obra de gran valor artístico también puede fracasar socialmente si no encaja con las prácticas del espacio donde se implanta. Es el caso de Tilted Arc, de Richard Serra, una placa sólida de acero de unos 36 metros de largo instalada en 1981 en Federal Plaza, Nueva York.

La pieza fue criticada no solo por razones estéticas, sino por su efecto sobre el uso cotidiano del lugar (algo que se pretendía al instalarla, por otra parte, pero que no gustó). Al dividir la plaza, provocó que el cruce habitual de los ciudadanos por ella tuviese que modificarse y generó objeciones de seguridad y circulación. Fue retirada en 1989 tras una larga controversia pública e institucional.

No basta con verla

A menudo se cree que introducir arte urbano equivale por sí mismo a regenerar un entorno. Por ejemplo, en Wynwood, Miami (EE. UU.), el arte urbano mural generó visibilidad y marca urbana, pero la evolución del distrito condujo a una creciente comercialización, a murales por encargo cada vez más normalizados y a preocupaciones por la gentrificación desbocada y la pérdida de la comunidad creativa que le dio origen. Hubo éxito icónico y económico, pero eso no significó que hubiese regeneración social.

Tampoco Mural Istanbul, en la capital turca, fue más allá. El proyecto sólo abordó el plano estético del activismo artístico, y fue interpretado como alienación social con el único pretexto de llamar la atención sobre un área de la ciudad olvidada.

Autores como los urbanistas Malcolm Miles, Ann Markusen y Anne Gadwa, el historiador de arte Miwon Kwon o el arquitecto Kevin Lynch ya advirtieron, desde perspectivas distintas, que el valor del arte público no puede separarse de la sociedad, las instituciones y el territorio que lo hacen posible.

No solo importa que la gente vea una obra. También es esencial que la recuerde, la comprenda, la aplique a su manera de entender el entorno, la analice, la evalúe y, en último término, se sienta capaz de idear algo a partir de ella. Así sucedió con el proyecto Heerlen Murals, en Países Bajos. Tras el declive minero, la ciudad utilizó el muralismo comunitario para fomentar la regeneración social y urbana, mejorar la imagen de barrios deprimidos y activar la participación entre diferentes grupos ciudadanos.

Más allá de decorar la ciudad

Por sí solo, el arte urbano no puede mejorar totalmente la vida en la ciudad. Pero sí puede contribuir a reforzar ciertas dimensiones de la calidad de vida. Y lo logra si fortalece el vínculo con el lugar, si favorece la interacción social, si refuerza la identidad compartida, si hace más comprensible el entorno y si logra aceptación cívica y respaldo institucional.

Con ello, el artista deja de ser solo productor de imágenes y se convierte en alguien capaz de activar vínculos entre la obra, el lugar y la comunidad, haciendo que el espacio público exprese memoria, valores o formas compartidas de pertenencia.

Si aspiramos a ciudades más habitables, inclusivas y culturalmente vivas, debemos preguntarnos en qué condiciones una intervención artística puede producir efectos positivos verificables en el espacio público y la vida comunitaria.

Eso obligaría a preparar mejor cada intervención, diagnosticar su pertinencia social, comprobar si el lugar la necesita, analizar el contexto y asumir que el impacto del arte urbano no se mide sólo por decorar la ciudad, sino por transformar la relación de una comunidad con el lugar que habita y por reconocer el valor del espacio público como motor de aprendizaje social. Conformarse solo con tener algo bonito dejaría pasar la oportunidad de mejorar.

*Profesor Catedrático Área de Proyectos Arquitectónicos, Universidad CEU San Pablo.

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En medio de su catálogo, este espacio le abrió las puertas a distintas películas, documentales, programas animados, realities y series, las cuales lograron marcar huella y tendencia en redes sociales.

Una de las producciones que se catapultó en este escenario y recibió el título de ‘joya’ fue Euphoria, creada por Sam Levinson y protagonizada por Zendaya. El programa juvenil arrasó desde su estreno, logrando un público sólido y fiel.

De acuerdo con lo que se detalló, la primera temporada llegó en 2019, siendo seguida por la segunda entrega en 2022. La tercera y última salió a la luz en abril de 2026, cerrando la historia.

En medio de lo que rodeó la trama, la serie con este anhelado regresó se ubicó en el top 1 de lo más visto en 55 países, según lo arrojado por distintas páginas especializadas como Espinof.

Con ocho semanas consecutivas, el proyecto volvió a despertar entusiasmo en sus fanáticos, que han optado por recordar looks, escenas, diálogos y situaciones que se vieron a lo largo de estos siete años.

Euphoria nunca dejó de ocupar esta posición, demostrando que sus 24 capítulos captaron la atención de miles de curiosos, quienes siguieron la historia de Rue, Jules, Nate, Maddy, Cassie y Lexi en una secundaria, mientras sufrían de problemas con drogas, identidad y vínculos personales.

Todo el camino se vio rodeado de sorpresas, polémicas y preguntas sin respuestas, teniendo en cuenta la transformación que tuvo Zendaya con Sam Levinson en estos lapsos de tiempo.

El proyecto contó con la participación de figuras como Hunter Schafer, Sydney Sweeney, Alexa Demie, Jacob Elordi, Angus Cloud, Maude Apatow, Eric Dane, entre otros.

Durante el encuentro, el divulgador analizó las causas detrás del persistente malestar emocional contemporáneo, señalando que, a pesar de contar con mayores comodidades materiales que en cualquier otra época de la historia, los índices de insatisfacción y vacío existencial continúan en aumento, especialmente entre los sectores más jóvenes de la población.

De acuerdo con las declaraciones emitidas por Lama Rinchen en el espacio de Sabat, la sociedad actual atraviesa una contradicción estructural. El maestro de meditación enfatizó en que el acceso a herramientas tecnológicas, servicios y confort no ha logrado traducirse en estabilidad anímica o paz interna.

“Estamos viviendo mejor que los reyes de la antigüedad y, sin embargo, seguimos insatisfechos, incluso podríamos decir aún más”, reflexionó el divulgador de origen uruguayo.

Según la perspectiva expuesta por el monje, el origen de este fenómeno radica en un desajuste fundamental entre las expectativas del entorno moderno y la psicología humana. En su intervención, argumentó que los bienes externos y los logros tangibles ofrecen respuestas provisionales que no consiguen saciar las necesidades de conexión profunda, propósito y seguridad de los individuos.

El núcleo filosófico de la charla se centró en la distinción entre los estímulos externos y la búsqueda de sentido. Lama Rinchen explicó que el entorno actual satura a las personas con opciones de consumo que resultan limitadas por su propia naturaleza material.

“Todo lo que está a nuestra disposición es limitado, finito, y nuestra naturaleza es infinita. Entonces, no es suficiente para satisfacer”, afirmó el experto. Esta brecha, según sus palabras, genera que el bienestar derivado de factores económicos o de estatus sea inherentemente cambiante e incapaz de resolver interrogantes de corte existencial.

El maestro budista asoció esta dinámica con la metáfora de un caballo que intenta alcanzar una zanahoria que nunca llega, una conducta que perpetúa la búsqueda incesante en el exterior de aquello que, bajo la doctrina oriental, debe cultivarse de manera interna.

El diálogo también abordó la agudización de estos síntomas tras la crisis sanitaria global de la pandemia de covid-19. Para Lama Rinchen, este periodo de aislamiento e interrupción de la normalidad funcionó como un detonante que obligó a replantear los modelos de vida tradicionales.

“Se produjo una ruptura que llevó a preguntarse quién soy y qué vida quiero”, señaló, añadiendo que este escenario propició un “despertar de conciencia” e impulsó a diversos sectores a explorar nuevas alternativas de realización personal.

No obstante, el panorama presenta desafíos complejos para la juventud. El divulgador advirtió que la falta de respuestas claras ante dilemas universales como la identidad, el sentido de la existencia y la finitud de la vida puede derivar en cuadros de angustia severa.

El monje recalcó que cuando un joven experimenta este vacío y carece de un propósito definido, los aspectos positivos u oportunidades que ofrece el entorno pierden su valor y pueden transformarse en una fuente de presión psicológica.

Frente a este diagnóstico, la propuesta de la tradición tibetana compartida por el invitado no se plantea desde el misticismo abstracto, sino como una herramienta de intervención cotidiana. La meditación fue descrita en el pódcast como un entrenamiento mental riguroso y pragmático, orientado a desarrollar tres ejes fundamentales: el altruismo, la virtud y la sabiduría.

El lanzamiento se realizará el próximo martes 30 de junio, a partir de las 5:30 p. m. en el Teatro Colón de Bogotá, y contará con la participación de la ministra de las Culturas, Yannai Kadamani Fonrodona, así como la de delegados de las Organizaciones Indígenas Nacionales con asiento en la Mesa Permanente de Concertación con los Pueblos y Organizaciones Indígenas (MPC).

Este capítulo marca un hito al consolidar un enfoque que reconoce la autonomía, el Gobierno Propio y los sistemas de conocimiento de los Pueblos Indígenas como pilares fundamentales en la construcción de la política cultural del país.

El evento tendrá una programación artística que incluye armonización, presentaciones de agrupaciones de danza y música. La entrada será gratuita con inscripción previa hasta completar aforo. Habrá muestra viva artesanal de productos ancestrales en el lobby y los pasillos del teatro. Asimismo, se dará la presentación de los grupos artísticos Suma Alpa y Ensamble Paleofuturista, grandes representantes de los pueblos originarios que le darán un color maravilloso al evento.

Las personas interesadas en asistir deberán inscribirse previamente en el siguiente enlace: https://forms.cloud.microsoft/r/eMm6vaxK

El Capítulo de los Pueblos Indígenas, a profundidad

El Capítulo de los Pueblos Indígenas es el resultado de la materialización de sus derechos a través de la Consulta Previa, Libre e Informada, desarrollada en 50 encuentros territoriales durante el año 2024, en los que se escuchó la palabra colectiva, se tejieron las bases de una Política Cultural sentida, y se orientó la acción pública en el campo cultural en coherencia con la Ley de Origen, Derecho Mayor, la Palabra de Vida y los Sistemas de Conocimiento indígena.

El Capítulo plantea una conceptualización propia que se materializa en el marco estratégico, el cual está constituido por cuatro tejidos que le apuntan a:

*Fortalecer los sistemas de conocimiento propios, las lenguas y las prácticas culturales. *Proteger el territorio como base de la vida y la cultura. *Garantizar la pervivencia cultural como eje de la política pública. *Reconocer el Gobierno Propio y la autonomía como pilares del desarrollo cultural.

Este Capítulo entiende la cultura más allá de un sector aislado, la expresa como un tejido vivo de la política cultural, que se teje con los Pueblos y desde los territorios. Con este instrumento, Colombia avanza hacia una cultura que pone en el centro la diversidad, la vida y la pervivencia de los Pueblos Indígenas, como base para la construcción de paz y futuro.

Organizaciones indígenas que integran la MPC

*Organización Nacional Indígena de Colombia – ONIC; *Organización Nacional de los Pueblos Indígenas de la Amazonía Colombiana – OPIAC; *Confederación Indígena Tayrona – CIT; *Autoridades Indígenas de Colombia “Por la Pacha Mama” – AICO: *Autoridades Tradicionales Indígenas de Colombia – Gobierno Mayor; *Consejo Regional Indígena del Cauca – CRIC; *Movimiento de Autoridades Indígenas del Sur Occidente – AISO

El cantante, vocalista de la legendaria banda Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, activa entre la década de 1970 y 2001, sufría la enfermedad de Parkinson al menos desde 2016.

Medios locales indican que murió el viernes de madrugada en su residencia de Parque Leloir, unos 33 Km al oeste de Buenos Aires. El parte policial señala que Solari tenía Parkinson y que “nada indica o señala otra causa de muerte”.

Solari llegó a convocar cientos de miles de fanáticos en sus conciertos tanto como líder y cantante de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, como de su banda solista, Indio Solari y los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, activa desde 2004.

Debido a la masividad de sus conciertos, algunos se vieron desbordados y terminaron en tragedias, como la de 2017 en Olavarría, unos 350 km al suroeste de Buenos Aires, donde una avalancha humana durante el espectáculo dejó dos muertos y 12 personas internadas.

“Profundo fenémno social”

Tras el anuncio de la muerte, las reacciones fueron inmediatas. El guitarrista Eduardo ‘Skai’ Beilinson que acompañó a Solari con la guitarra en Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota lo despidió en Instagram.

“Te llevo en cada recuerdo, en cada canción de ayer. Con un inmenso dolor. Buen viaje mi querido amigo, hasta siempre. Ahora sos la luz que viaja entre nosotros y para siempre. Hoy es un día muy triste”, dijo Beilinson.

En la política Solari también cosechó simpatías por sus letras cargadas de crítica social. “Su compromiso humano, su dignidad como músico independiente y el profundo fenómeno social y cultural que Los Redonditos de Ricota generaron merecen ser recordados”, lo recordó en X el expresidente de centroizquierda Alberto Fernández (2019-2023).

Con Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota lanzó diez discos y su icónica canción “JiJiJi” donde se producía el pogo más grande del mundo, según lo denominaron los fanáticos y el mimso Solari.

Con su grupo solista, Indio Solari y los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, produjo cinco discos entre 2004 y 2018.

Las letras del cantante están atravesadas de contenido político y social, con críticas hacia el consumismo, el capitalismo y la represión estatal, aunque también abundan las canciones de amor plagadas de metáforas.

Muchas de las canciones de Solari son considerados himnos en Argentina. Aquí, cinco de sus más famosas.

Canciones icónicas

“El tesoro de los inocentes”

“Flight 956″

“Ciudad Baigón”

“Y mientras tanto el sol se muere”

“To Beef or Not To Beef”

*Información de AFP.

La participación de la actriz española llega en forma de cameo con un nuevo personaje llamado Flamenco, un juguete que integra una pequeña pero influyente comunidad de objetos olvidados en un patio trasero. Allí también se encuentran otros personajes inéditos interpretados por dos figuras ampliamente reconocidas de la música en español: el cantante puertorriqueño Bad Bunny, quien dará voz a Pizza con Anteojos, y el productor argentino Bizarrap, encargado del personaje Santa de Jardín.

Según la información oficial revelada por Disney y Pixar, la voz de Penélope Cruz estará presente tanto en la versión en español para Latinoamérica como en la de España, una decisión que busca mantener la identidad del personaje en ambos mercados y aprovechar el reconocimiento internacional de la actriz.

Una estrella del cine internacional

La llegada de Penélope Cruz a Toy Story 5 representa un nuevo capítulo en una carrera que se ha consolidado durante más de tres décadas. Considerada una de las intérpretes españolas más importantes de la historia reciente, la actriz alcanzó reconocimiento mundial gracias a producciones como Jamón, jamón, Abre los ojos, Vanilla Sky, Volver, Vicky Cristina Barcelona, Nine, Piratas del Caribe: En Mareas misteriosas y Madres paralelas.

Su trayectoria ha sido distinguida con numerosos reconocimientos. En 2009 hizo historia al convertirse en la primera actriz española en ganar un Premio Oscar gracias a su interpretación en Vicky Cristina Barcelona, dirigida por Woody Allen. Además, ha recibido nominaciones adicionales a los premios de la Academia y ha sido galardonada en certámenes de prestigio internacional como los Premios Goya, el Festival de Cannes y los Premios David di Donatello.

Su incorporación a una franquicia del tamaño de Toy Story añade un componente de prestigio artístico a una producción que también apuesta por conectar con nuevas generaciones mediante figuras de la música y la cultura popular contemporánea.

Los juguetes frente a la tecnología

En esta quinta entrega, Pixar plantea un conflicto que refleja una realidad cada vez más presente en la vida cotidiana de niños y familias. La historia mostrará a Woody, Buzz Lightyear, Jessie y el resto de los juguetes enfrentándose a un desafío diferente a los vistos en películas anteriores: la competencia de la tecnología.

La trama gira en torno a la llegada de Lilypad, una nueva tableta tecnológica que desarrolla una relación privilegiada con Bonnie y que posee ideas propias sobre lo que considera mejor para ella. La presencia de este dispositivo pone en riesgo el propósito fundamental de los juguetes: acompañar y estimular el juego tradicional.

La pregunta central de la película es sencilla pero poderosa: ¿podrá el juego imaginativo sobrevivir en una época dominada por las pantallas?

El largometraje contará nuevamente con varios de los personajes clásicos de la saga. En la versión original en inglés regresan Tom Hanks como Woody, Tim Allen como Buzz Lightyear y Joan Cusack como Jessie. A ellos se suma la actriz Greta Lee, quien interpretará precisamente a Lilypad.

Toy Story 5 está dirigida por Andrew Stanton, ganador del premio Óscar y una de las figuras creativas más influyentes de Pixar. Stanton ha participado en títulos fundamentales del estudio como Buscando a Nemo, Wall-E y varias entregas de Toy Story. La codirección corre por cuenta de Kenna Harris, mientras que la producción está a cargo de Lindsey Collins.

La película también marcará el regreso del compositor Randy Newman, otro nombre inseparable de la identidad de la franquicia. Ganador del Oscar y autor de canciones emblemáticas como You’ve Got a Friend in Me, Newman volverá a encargarse de la banda sonora original.

Su familia informó en un comunicado que Bryson falleció el martes por la noche, días después de sufrir un derrame cerebral.

“Aunque nos duele el corazón, nos reconforta saber lo mucho que se quería a Peabo y cuántas vidas fueron tocadas por su voz y su generosidad”, decía el comunicado de la familia. “Su legado y su música perdurarán por generaciones”.

Reconocido internacionalmente por sus clásicos de Disney, Bryson también forjó una carrera durante cinco décadas como uno de los principales intérpretes de baladas de R&B, grabando éxitos como Feel the fire, I’m so into you y Can you stop the rain.

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“Durante más de cinco décadas, la extraordinaria voz de Peabo fue la banda sonora de algunos de los momentos más entrañables de la vida”, decía el comunicado de la familia. “Su música acompañó a generaciones en alegres celebraciones, grandes historias de amor y momentos perdurables de consuelo e inspiración”.

Nacido y criado en Carolina del Sur, el cantante, compositor y baladista comenzó su carrera con el grupo Moses Dillard and the Tex-Town Display en la década de 1970. Poco después, el sello discográfico de Atlanta, Bang Records, lo contrató como solista.

Grabó para Capitol, Elektra y Columbia Records, y se convirtió en uno de los cantantes de duetos más solicitados del panorama musical. Además de Belle & Dion, también colaboró ​​con artistas como Roberta Flack y Natalie Cole.

Su dueto con Flack, Tonight, I celebrate my love, se convirtió en una de las canciones de amor más emblemáticas de la década de 1980, mientras que If ever you’re in my arms again contribuyó a ampliar su público más allá de la radio R&B. Posteriormente, alcanzó el número 1 en las listas de R&B con Show & tell y Can you stop the rain.

Además de su faceta musical, Bryson participó en producciones teatrales como Raisin, The wiz y Porgy and bess. En 2018, regresó con Stand for love, su vigésimo primer álbum de estudio, producido por el exitoso dúo Jimmy Jam y Terry Lewis.

Bryson sufrió un derrame cerebral a finales de mayo y fue ingresado para recibir atención médica.

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“En estos momentos, la familia solicita privacidad mientras atraviesan juntos este momento tan personal”, decía un comunicado de su representante. “Agradecemos profundamente los pensamientos, las oraciones y el cariño de amigos y seguidores”.

En 2019, Bryson se recuperó completamente tras sufrir un infarto.

La comediante y presentadora de televisión Loni Love dijo que trabajó con Bryson en un crucero el año pasado y que habló con él durante horas en la cubierta una noche después de verlo sentado solo.

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“Compartió historias increíbles, habló con pasión sobre su música y sentía un profundo amor por su oficio”, escribió en una publicación en redes sociales el martes. “Estoy muy agradecida de haber compartido ese momento tan especial con él”.

La familia de Bryson ha comunicado que los detalles del servicio conmemorativo y la celebración de su vida se anunciarán más adelante.

*Con información de AP.

El cartel del evento, que tendrá lugar del 18 al 19 de septiembre en el T-Mobile Arena, también incluye a Weezer, Goo Goo Dolls y Kenny Chesney. Próximamente se anunciarán más artistas.

Ryan Seacrest volverá a ser el presentador, y los fans podrán escucharlo todo en las emisoras de radio de iHeartMedia o verlo en streaming en Disney+ y Hulu.

El público general podrá comprar entradas en AXS.com a partir de las 14:00 (EDT) / 11:00 (PDT) del 12 de junio. Los titulares de tarjetas Capital One podrán acceder a una preventa a partir de las 13:00 (EDT) / 10:00 (PDT) del 10 de junio.

“El iHeartRadio Music Festival consiste en reunir a los artistas más importantes de todos los géneros durante dos noches inolvidables, y la programación de este año refleja fielmente la increíble diversidad musical actual”, declararon en un comunicado conjunto Tom Poleman, director de programación, y John Sykes, presidente de empresas de entretenimiento de iHeartMedia.

A principios de este año, BTS regresó triunfalmente tras casi cuatro años de pausa musical. Arirang, el quinto álbum de estudio del septeto, con 14 canciones, es un gran éxito; una ambiciosa reunión y el primer lanzamiento de larga duración de la banda desde que sus siete miembros completaron el servicio militar obligatorio en Corea del Sur.

Pero no todo ha sido tranquilidad en BTS, pues la banda escalonó sus alistamientos, lo que permitió a sus miembros concentrarse en proyectos en solitario durante el receso.

Desde entonces han vuelto a los escenarios, y el iHeartRadio Music Festival supone otra vuelta de honor.

*Con información de AP.

También se sabe que sus seguidores están entre los más apasionados de la jungla vasta del metal. El encuentro de ambas fuerzas se presta para un ritual único, que gesta Move Concerts (empresa promotora que también mueve, el 11 de octubre, el regreso de otra banda gigantesca: Iron Maiden).

Si bien sin dos de sus figuras fundacionales, Jeff Hanneman (fallecido en 2013 por cuenta de una cirrosis hepática) y Dave Lombardo (hoy enrolado en otras bandas, a quien vimos en Bogotá tocando con Mr. Bungle, en enero pasado), la agrupación sigue su marcha arrolladora por el mundo, donde reparte thrash a lo que marca.

La batería corre estos días por cuenta de Paul Bostaph, un profesional en el cual la banda se ha apoyado incontables veces en las últimas décadas, que entiende perfectamente la responsabilidad que carga, forjado en periodos con Forbidden, Exodus, Systematic y Testament. Esto mientras el genial Gary Holt, que en Exodus demostró por años su virtud, cubre las guitarras de Hanneman, complementando las seis cuerdas del icónico calvo, Kerry King, que sigue consolidando el muro de sonido de Slayer. Tom Araya, con su voz y su bajo, al frente de la avalancha oscura e intensa.

Si los pudieron ver en el concierto de homenaje a Ozzy Osbourne y Black Sabbath en julio de 2025, en Birmingham, quedó claro que su impulso es impactar y destacarse. Eso hicieron en medio de un océano de músicos excepcionales, y esto habla mucho de sus capacidades, de los efectos de su música ejecutada a tal nivel.

En Bogotá, vale decirlo, tocarán entero Reign in Blood, publicado hace (casi) 40 años, en octubre de 1986, un año en el que vieron la luz Master of Puppets, de Metallica; Peace Sells... but Who’s Buying?, de Megadeth; Pleasure to Kill, de Kreator, y este tercer trabajo de Slayer.

El disco, no exento de polémica, los cimentó como parte fundamental del Big Four del thrash metal junto con Metallica, Megadeth y Anthrax. Y partiendo de un extenso artículo de Neil Johnson en el portal Riffology.com, exploramos las razones por las cuales es clave no solo para la banda, sino también para el género.

Historia thrash

Reign in Blood es considerado por muchos “el álbum más pesado jamás grabado”, un clásico indiscutible que redefinió el género. Y ese efecto tiene en sus contundentes 28 minutos y 55 segundos, divididos en diez canciones. Sobre la intencionalidad de esa duración y de la sensación sin respiro, Jeff Hanneman aseguró que si repetían “un verso dos o tres veces, nos aburrimos”.

Detrás del álbum y su sonido, el polémico productor Rick Rubin, quien optó por eliminar la reverberación típica del metal de la época y grabar a la banda “seca y brillante”. Gústele a quien le guste, Rubin estableció un nuevo estándar de producción para el thrash en ese punto. Y, así, ha sumado uno que otro hito.

Al álbum también se le atribuyen puentes entre géneros. El dúo hip hopero Public Enemy sampleó “Angel of Death” y dio pie a una era de colaboraciones entre metal y rap. Asimismo, se le reconoce como un álbum semilla para el death metal: estableció un código musical y una actitud que alimentó el death metal poco después. Sin Reign in Blood, se dice, los géneros extremos como el death y el black metal no serían los mismos.

Lo que les representó...

En este trabajo dejaron atrás un enfoque en el infierno y Satanás, que usaron para ponerse en el mapa, para abordar temas más sociales en sus implicaciones, inspirándose en crímenes, enfermedades y males sociales.

Las aguas no fueron mansas, la música no lo era, y quizá por eso era de esperarse. La canción “Angel of Death” (sobre el macabro doctor nazi Josef Mengele) llevó a que Columbia Records se negara a distribuir el álbum. Geffen Records accedió a hacerlo solo con la condición de que su logotipo no apareciera en la portada.

Reign in Blood se convirtió en el primer y único álbum de metal lanzado por el sello de hip hop Def Jam, esto luego de que el baterista Dave Lombardo contactara a Rick Rubin.

El álbum ha “eclipsado” todos sus demás trabajos, pero Slayer no ha dejado de lanzar trabajos y éxitos. Como banda, no dejan de hacerse más relevantes con el paso del tiempo. Pero si Reign in Blood es tan vasto en sus efectos, es en gran parte por “Raining Blood”, la canción que han tocado en casi todos sus shows en vivo y que, sin duda, hará temblar a Bogotá.

Slayer no solo tocará el disco ‘Reign in Blood’, quizá en Bogotá lance también una tonada sobre el abismo...

Slayer no viene sola a la capital, pues la banda alemana Kreator animará la noche por lo alto. Liderados por Mille Petrozza y reconocidos por su influencia en el metal extremo desde el lanzamiento de Pleasure to Kill, presentarán en Bogotá lo que ofrece su gira Krushers Of The World Tour. Ojalá se les permita sonar genial.

A primera hora, por Colombia sonará la banda Ultra Legends, conformada por los pioneros del ultrametal en Colombia, con integrantes de Masacre, Reencarnación y Blasfemia.

Entradas disponibles en https://www.ticketmaster.co.

Con el conciertazo sold out de Korn en el MedPlus, la tanda que sumó a Dream Theater y a Megadeth en cuestión de días, el BAUM XI y el paso de tres noches de Ecos de Soda Stereo, Bogotá se sigue ratificando como foco de bienvenida estridencia comunal. Así como lo entendieron las miles de personas que agitaron esos shows, eran conciertos obligado. Estos son el resto de conciertos obligados en lo que resta del año (en nuestro listado actualizable).

Los anuncios han retomado ritmo y van dándole forma al cierre del año. Este incluye regresos tremendos regresos de Slayer y Maiden, ¡de Jamiroquai y de Def Leppard!

Julio: la Rosalía

Agosto: íconos bogotanos cumplen década

Septiembre: la raza se toma Colombia; hay Festival Cordillera y vuelve

Octubre: la bestia y los íconos en español

Noviembre: mes de fuego

Diciembre: ¡The Strokes regresa!

2027 pide pista (de baile): Jungle es Jungle