La película, que narra el ascenso de Michael Jackson de estrella infantil a una de las más famosas figuras del pop del mundo, llega a las salas estadounidenses este viernes, dieciséis años después de su muerte, y luego de haber sido estrenada primero en Europa.

“Es hermoso ver a toda esta gente aquí para apoyar a Michael Jackson y apoyar a la película, y mostrar amor por Michael”, dijo a AFP el director de la cinta, Antoine Fuqua (“Día de entrenamiento”).

Su estreno en Los Ángeles, ciudad adoptiva del legendario intérprete de Billy Jean, se volvió además un asunto familiar encabezado por el protagonista y sobrino del astro, Jaafar Jackson.

“Que sea la primera vez que actúo, y que pueda interpretar a mi tío Michael... es tan surrealista”, dijo Jaafar a AFP.

“Aún trato de asimilarlo, no sé cómo o cuándo me va caer la ficha, pero, sabes, es increíble”, agregó el joven que se calzó los mocasines y trajo a la pantalla grande el moonwalk.

La cinta arranca en 1966 en Gary, Indiana, la ciudad donde nació en 1958 el Rey del Pop, y termina en 1988, en Londres, durante un concierto de su gira Bad World Tour.

Una etapa que permite evitar los temas más controvertidos, sobre todo los casos judiciales por denuncias de abuso sexual infantil que empañaron la imagen del icono a partir de 1993.

La cinta tiene una duración de un poco más de dos horas, permitiendo al público disfrutar de una entrega especial y única, donde se relatará el vistazo de la fallecida celebridad.

Asunto de familia

La actuación de Jaafar fue elogiada por sus tíos, quienes resaltaron el “maravilloso trabajo” que el joven debutante hizo personificando a una figura que ellos conocían con intimidad como pocos.

“Cuando veo la película, creo que estoy viendo a Michael (...) Me saca las lágrimas”, dijo el hermano del astro, Jackie Jackson, en la alfombra negra.

Marlon Jackson, otro de los integrantes de los Jackson 5, el grupo juvenil en el que Michael dio sus pinitos como artista, reflexionó sobre cómo la cinta puede abrir una ventana al hogar de la conocida familia.

“Creo que la gente entiende que la familia Jackson no es diferente de cualquier otra. Atravesamos desafíos y problemas, altos y bajos, pero aprendemos a aceptar que estamos en desacuerdo”, dijo.

Sobre su padre, Joe Jackson, que forjó a los hermanos bajo estricta disciplina, Marlon sostuvo que los años le dieron una perspectiva benevolente, y entendieron que el hombre veía en ellos algo que ni ellos mismos veían, y quiso garantizarse de que no perdieran el foco.

“Así que me quito el sombrero por mi mamá y mi papá”.

Marlon, Jackie, Jaafar y La Toya Jackson, una de las hermanas del Rey del Pop, compartieron abrazos en la alfombra negra, donde se encontraron con los actores que los encarnaron a ellos y a sus padres en la cinta.

Nia Long, quien se metió en la piel de Katherine, la madre y cercana aliada de Michael, comentó que en un mundo dominado por los hombres, las mujeres del clan “establecieron las bases de como se movía la familia”.

La actriz espera que la película permita a las audiencias ver a Michael Jackson como “un artista, quien era un maestro de su arte, a quien le importaba inspirar a la gente”.

Ya para Colman Domingo, quien encarna al temido patriarca, “todo el mundo tiene una historia, y todo el mundo tiene algo de lo que puedes aprender, tal como un gran disco”.

“Ojalá que esta película sea un gran disco para alguien, y si pueden sacar algo de allí, habremos hecho nuestro trabajo”.

*Con información de AFP

El regreso del artista no es menor. Se trata de una gira que marca una nueva etapa en su carrera, donde el enfoque ya no está únicamente en los grandes éxitos, sino en la construcción de una narrativa más íntima, en la que el público juega un papel central.

En sus primeras fechas por la región, el show ha estado atravesado por momentos de cercanía, introspección y una puesta en escena que combina lo musical con lo emocional.

En Argentina, el concierto estuvo marcado por una interacción constante con los asistentes, incluyendo segmentos en los que el artista se integró entre el público y versiones más orgánicas de canciones como Cómo Mirarte o Devuélveme el Corazón.

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A esto se sumaron momentos de alta energía con temas como Tacones Rojos y Traicionera, logrando un equilibrio que ha definido el tono de la gira.

La llegada a Bogotá plantea un escenario particular: no solo es una de las plazas más importantes de su carrera, sino también el lugar donde esa narrativa cobra un significado distinto.

El público local, que ha acompañado su crecimiento desde sus inicios, se convierte en un actor clave dentro de un espectáculo que ha sido diseñado para sentirse compartido.

Más allá del concierto en sí, la visita de Yatra también se enmarca en un momento de consolidación internacional para el artista, quien recientemente confirmó su participación en el reconocido programa estadounidense Austin City Limits, ampliando su alcance hacia nuevas audiencias.

Bogotá no solo se perfila como una fecha más del tour, sino como un punto de encuentro entre trayectoria, evolución artística y conexión local. Un show que, más que replicar una fórmula, promete construirse en tiempo real con el público colombiano.

Concierto de Sebastián Yatra: precio de la boletería

• Platea (102): $500.000 + $75.000.
• Tribuna Fan Sur: $480.000 + $72.000.
• Tribuna Fan Norte: $480.000 + $72.000.
• Platea (101 - 103): $450.000 + 67.500.
• Platea (104 - 106): $400.000 + $60.000.
• Piso 2 (202 - 205 y 215 - 218): $300.000 + $45.000.
• Piso 2 (206 - 214): $280.000 + $42.000.
• Piso 2 (201 y 219) Vista Parcial: $250.000 + $37.500.

Además de grandes cineastas y estrellas emblemáticas, estas películas tenían en común la impugnación de un sistema político que operaba en contra del individuo y la verdad. El contexto ciertamente lo propiciaba: eran los años de escalada bélica en Vietnam y el escándalo de los Papeles del Pentágono. Eran tiempos de conflicto social en torno a los derechos civiles; del movimiento estudiantil y la contracultura; de los asesinatos de Martin Luther King Jr. y Bobby Kennedy. También de los disturbios en las calles de Chicago al grito de “The world is watching!”.

Y eran los años de la Administración Nixon, que protagonizó el escándalo político por excelencia: el caso Watergate.

Aquella trama de juego sucio electoral y su posterior encubrimiento se convirtió en el arquetipo de la corrupción política en el imaginario popular. Pero su investigación y revelación también demostraron el servicio insustituible que un periodismo riguroso y libre podía prestar a la sociedad. Ese ejemplar trabajo de reporterismo fue recogido por sus autores Bob Woodward y Carl Bernstein en el libro Todos los hombres del presidente, cuya adaptación cinematográfica cumple ahora 50 años.

Menos oscuridad y más heroicidad

Robert Redford, ya establecido en su estrellato, compró los derechos del libro por casi medio millón de dólares antes de su publicación. El director elegido para rodarla fue Alan J. Pakula, quien había demostrado un estilo paranoide y psicológicamente retorcido en el neo-noir Klute (1971) y en la citada El último testigo. En esta, Warren Beatty interpretaba a un periodista obsesionado con la investigación de un magnicidio en el que reverberaba el asesinato de JFK. Pakula completaba así lo que después se llamó “la trilogía de la paranoia”.

Aparte de su perenne actualidad, lo que hace a Todos los hombres del presidente tan especial es que, sin dejar de abrazar el tono oscuro y estilo desafiante de los thrillers políticos de su tiempo, se desvía de ellos de un modo inesperado al afirmar la validez y la eficacia de la acción heroica.

Como en tantas otras obras del género, la película enfrenta al individuo –en este caso, dos periodistas jóvenes y no exentos de defectos personales– con un poder político fuera de control y decidido a sofocar la verdad. Y como en tantas películas de detectives, estos héroes ordinarios emprenden una búsqueda de información: sus únicas armas frente al poder son el conocimiento y la evidencia.

Así, una vez detectada la noticia, Woodward y Bernstein se afanan por encontrar rastros y pistas a pesar del silencio de testigos atemorizados, del escepticismo de algunos de sus editores, y de una sensación tenue pero persistente de que sus vidas corren peligro.

Y es que en Todos los hombres del presidente los antagonistas son prácticamente invisibles: el punto de vista narrativo de la película se mantiene invariablemente centrado en los reporteros, sin concesiones a la omnisciencia, transmitiendo al espectador la desorientación que ellos mismos padecen.

Pero esto también hace que gran parte del suspense de la película esté empíricamente injustificado. El fuera de campo, los planos subjetivos sin sujeto, las composiciones desequilibradas y los juegos entre música y silencio sugieren la proximidad de un peligro no inverosímil pero sí nebuloso. O sea, propio de la paranoia.

Aun así, los reporteros del Washington Post logran algo que sus colegas del género rara vez disfrutan: un efecto en el mundo, un cambio real. Aquí la historia viene en auxilio del relato: los reportajes de Woodward y Bernstein suscitaron una serie de investigaciones que abocaron al presidente Nixon a la dimisión (la única renuncia presidencial hasta la fecha en los EE. UU.) en 1974, dos años después de la publicación de las primeras informaciones.

Periodistas por encima de la noticia

Este desenlace, inusual final feliz para un thriller político minuciosamente realista, tuvo además el efecto secundario de elevar al reportero al Olimpo de los héroes. Cabe imaginar que esto se debió, en buena medida, al carisma actoral de Redford y su coprotagonista (y contrapunto), Dustin Hoffman. Es significativo que aquí pareció nacer un pequeño pero fértil subgénero de thrillers periodísticos: El síndrome de China (1979), Bajo el fuego (1983), Salvador (1986), El informe pelícano (1993), del propio Pakula; El dilema (1999), La sombra del poder (2009), Spotlight (2015) y Los archivos del Pentágono (2017), película que abandona su trama justo donde comienza la de Todos los hombres del presidente.

Un columnista del momento escribió que “por primera vez, los periodistas se están haciendo más famosos que la gente sobre la que escriben”. En el caso Watergate, ese reconocimiento al reportero-estrella fue con toda seguridad merecido (siempre y cuando no se olvide al editor Ben Bradlee, memorablemente interpretado en la película por Jason Robards).

Pero tal vez, para algunos de aquellos jóvenes que empezaron a soñar con convertirse en periodistas alentados por los héroes de la pantalla, esa aspiración pudo ser la semilla de una cierta desnaturalización profesional. Puede que parte de la desconfianza actual hacia el periodismo, que se ha ido asentando por muchas razones en estos cincuenta años, también tenga algo que ver con la subordinación del deber de informar a la necesidad de relevancia pública del periodista.

Por eso el plano final de Todos los hombres del presidente es tan significativo: mientras la redacción del Washington Post se arremolina excitada en torno a los televisores que emiten la segunda inauguración presidencial de Nixon, los esforzados Woodward y Bernstein permanecen sentados ante sus máquinas de escribir, tecleando con una concentración espartana. Pakula elige esa última imagen para sus protagonistas como si quisiera insinuar que, lejos de ceder a la tentación de interponerse entre la verdad y el público a quien es debida, estos héroes urbanos vuelven al trabajo. Porque cuando se trata de decir la verdad sobre las mentiras del poder, lo que hay en juego es demasiado importante.

Stranger Things: Relatos del 85, 23 de abril

Esta serie animada se presenta como el primer spin-off oficial de Stranger Things, situada cronológicamente entre las temporadas 2 y 3 de la franquicia original. La trama explora eventos secundarios ocurridos en Hawkins y otros lugares, contando historias que antes solo se insinuaban en la serie live action, con nuevos personajes y ángulos sobre el mundo de experimentos gubernamentales y el Upside Down.

Entre los rostros conocidos se mantienen voces vinculadas al universo de la saga, pero el elenco se amplía con talento de animación y doblaje internacional para dar vida a estas nuevas aventuras pulp que mezclan terror, misterio y nostalgia ochentera.

Depredador dominante, 24 de abril

Dirigida por Baltasar Kormákur, Depredador dominante es un thriller de acción y supervivencia en el que Charlize Theron encarna a Sasha, una mujer que busca superar un profundo duelo adentrándose en la naturaleza salvaje de Australia. Lo que debería ser un viaje de introspección se convierte en una lucha por la vida cuando un despiadado asesino la elige como presa, forzándola a enfrentar sus propios límites físicos y emocionales.

El reparto protagonista lo completan Taron Egerton y Eric Bana, cuyos personajes se entrelazan con la cacería de Sasha, entre tácticas de supervivencia, paisajes hostiles y un clima de tensión psicológica que recuerda a thrillers de persecución clásicos de la plataforma.

Santita, 22 abril

Santita es una serie mexicana que presenta a María José, conocida como Santita, una mujer que quedó postrada en una silla de ruedas tras un accidente de juventud y que, 20 años después, decide regresar al lugar de su pasado. Su vuelta enciende viejos conflictos familiares y románticos, llevándola a confrontar las decisiones que tomó en su momento y a medir hasta dónde está dispuesta a ir por el amor y la reconciliación. El elenco principal incluye a Paulina Dávila como María José, acompañada por Gael García Bernal, Ilse Salas y Erik Hayser, quienes dan cuerpo a una trama que mezcla drama intimista, melodrama doméstico y reflexiones sobre el paso del tiempo.

Todos los lados de la cama, 24 de abril

Secuela de la comedia musical española Los dos lados de la cama, el nuevo capítulo mantiene el tono desenfadado y romántico de sus predecesoras, aunque crítica y audiencia coinciden en que no llega al mismo nivel de frescura. La historia vuelve a centrarse en la complejidad de las relaciones de pareja, con nuevos triángulos y conflictos que se resuelven con humor, canciones y algún que otro guiño generacional.

La cinta conserva el espíritu que conquistó a su público original, apoyándose en un elenco que combina actores de las anteriores entregas con nuevos rostros, en un formato que mezcla comedia romántica y comedia musical.

Funny AF with Kevin Hart, 20 de abril

Este stand-up especial se enmarca como uno de los estrenos más cercanos al género de comedia en directo, con Kevin Hart ejerciendo de centro de atracción con su humor ácido y anécdotas personales.

El show se filma en formato especial para streaming, con un diseño de escena que busca conectar de forma íntima con el público latinoamericano y global. El especial se presenta como una oportunidad para reírse de las neurosis cotidianas, las relaciones familiares y las paradojas del éxito, todo con el tono hiperactivo y sincero que caracteriza siempre al comediante estadounidense.

Secretos del deporte: El tiroteo en Hawthorne Hill, 21 de abril

Documental de la serie Secretos del deporte; este episodio explora un tiroteo ocurrido en el campus de Hawthorne Hill, vinculado a un equipo deportivo o a un evento deportivo de alto impacto. La narración combina testimonios, imágenes de archivo y reconstrucciones para analizar tanto las causas del ataque como sus consecuencias en la comunidad y la institución.

El formato se mantiene fiel al estilo de investigaciones deportivas de Netflix, mezclando periodismo, dramatización y entrevistas en profundidad para reflexionar sobre seguridad, cultura institucional y el peso mediático de los incidentes violentos en el mundo del deporte.

Lainey Wilson: El country sigue sonando, 22 de abril

Este documental musical acompaña a la cantante y compositora estadounidense Lainey Wilson en un tramo de su carrera, mostrando su proceso creativo, giras en vivo y conversaciones íntimas sobre su relación con la música y con el público. El título promete un retrato cercano de una de las voces más frescas del country contemporáneo. A través de entrevistas, ensayos y conciertos, la cinta explora cómo Wilson ha ido forjando su identidad artística, qué significan las raíces rurales para su estilo y cómo se ha abierto camino en una industria dominada por grandes nombres consolidados.

Aquí hablamos de huertos, 22 de abril

Este documental se centra en iniciativas comunitarias de huertos urbanos y rurales, mostrando cómo familias y grupos vecinales transforman espacios olvidados en pequeñas granjas. La trama sigue el día a día de varios proyectos, desde la siembra hasta la cosecha, con un enfoque pedagógico y social. El contenido busca inspirar a espectadores a adoptar hábitos más sostenibles, al tiempo que reflexiona sobre la importancia de la alimentación local, la soberanía alimentaria y el vínculo entre cultura, tierra y comunidad. No cuenta con un elenco tradicional, ya que se basa en personas reales del mundo de la agricultura social.

Otros estrenos destacados de la semana

Netflix completa la semana con el estreno de títulos de nicho como la segunda temporada de Una nueva jugada el 23 de abril, una serie deportiva centrada en el fútbol que retoma la historia de sus protagonistas en un nuevo desafío competitivo; Los no elegidos, un thriller psicológico británico que sigue a una joven madre que vive junto a su marido y su hija en el seno de una hermética comunidad cristiana que se estrenará el 21 de abril.

• Hulk Hogan: Real American - 22 de abril
• Un amor que no se agota - 22 de abril
• El profe - 23 de abril
• Una nueva jugada (T2) - 23 de abril
• The Trials of Winnie Mandela - 23 de abril
• Si los deseos mataran - 24 de abril

Estrenos de esta semana en HBO Max

Hombre a medias

Estreno: 24 de abril

Sinopsis: Niall y Ruben son hermanos; no son parientes consanguíneos, pero son lo más parecido a ello. Uno es feroz y leal, y el otro es dócil y amable: dos jóvenes inseparables. Unidos por la muerte y las circunstancias, lo único que tienen es el uno al otro... pero cuando Ruben aparece en la boda de Niall tres décadas después, todo parece diferente.

Está inquieto, desconfiado. No actúa como él mismo. Y pronto se produce una explosión de violencia que nos catapulta de vuelta a sus vidas, desde los años 80 hasta la actualidad.

Hombre a medias, que captura 30 años de la vida de estos hombres destrozados, es una serie limitada de seis episodios que explora la hermandad, la violencia y la intensa fragilidad de las relaciones masculinas. Después de todo, cuando las cosas se desmoronan... a veces son las relaciones más cercanas las que se rompen con más fuerza.

El robo perfecto: pantera

Estreno: 24 de abril

Sinopsis: Gerard Butler y O’Shea Jackson Jr. regresan en la secuela del exitoso thriller de acción y robos de 2018, Den of Thieves. En esta nueva edición, Big Nick vuelve a la cacería en Europa y pisa los talones de Donnie, quien está inmerso en el traicionero e impredecible mundo de los ladrones de diamantes y la infame mafia Pantera, mientras planean un atraco masivo a la bolsa de diamantes más grande del mundo.

Un poeta

Estreno: 24 de abril

Sinopsis: La obsesión de Oscar Restrepo por la poesía no le trajo gloria. Envejecido y errático, ha sucumbido al cliché del poeta en las sombras. Conocer a Yurlady, una adolescente de origen humilde, y ayudarla a cultivar su talento ilumina sus días, pero arrastrarla al mundo de los poetas quizás no sea la mejor opción.

Anatema

Estreno: 22 de abril

Sinopsis: Por orden de un arzobispo, la joven monja Juana es enviada a las catacumbas de una de las iglesias más antiguas de Madrid, donde debe investigar el Sello de San Simeón, un artefacto colocado siglos atrás para retener un mal ancestral.

Acompañada por un sacerdote, una novicia y un exorcista, Juana desciende a los interminables túneles de la ciudad, donde deberá enfrentarse no solo a fuerzas sobrenaturales, sino también a los fantasmas de su propio pasado.

Honey no

Estreno: 24 de abril

Sinopsis: Una comedia negra donde la detective privada Honey O’Donahue (Qualley) trabaja regularmente en casos de infidelidad en un pueblo de California durante los años setenta.

Sin embargo, la detective se verá envuelta en una investigación mayor cuando la muerte de una de sus clientes la lleve hasta la misteriosa iglesia liderada por el pastor Devlin (Evans).

En medio de cultos religiosos, negocios turbios y una atracción inesperada con una policía local (Plaza), Honey deberá resolver el caso para desenmascarar a los culpables detrás de los crímenes.

2073

Estreno: 21 de abril

Sinopsis: Esto no es ficción. Esto no es un documental. Esto es una advertencia. El director ganador del Oscar® Asif Kapadia utiliza imágenes reales en esta película para representar un futuro distópico en el que una mujer (Samantha Morton), habitante de una Tierra devastada, es acosada por pesadillas que revelan un inquietante vínculo con nuestro presente.

Moisés y los diez mandamientos, Temporada 1 y 2

Novela

Estreno: 20 de abril

Sinopsis: Tras liberar a su pueblo de Egipto, Moisés guía a los hebreos hacia la Tierra Prometida, enfrentando nuevos desafíos, entre ellos, transformar a su pueblo en una nación santa y vencer a reinos enemigos que impiden llegar a su destino.

Sociedad de la virtud: la serie

Estreno: 22 de abril

Sinopsis: En un escenario caótico donde las megacorporaciones y la Inteligencia Artificial dominan el universo, y los ciudadanos de Megalópolisville se preguntan: “En nuestro momento más oscuro, ¿habrá alguien que nos salve?”.

El primer episodio, “La Pantera Pelirroja”, sigue a la espía de cabellos rojos enviada a una isla paradisíaca para rescatar a un agente desaparecido e impedir los planes de un misterioso multimillonario de acabar con el mundo. Sin embargo, la misión se complica rápidamente.

Entre luchas y enfrentamientos inesperados, ¿quién sobrevivirá? En “Big Bang”, el equipo de héroes descubre una verdad impactante que puede cambiar el destino de Megalópolisville.

A lo largo de 10 episodios, el público conocerá los orígenes secretos de algunos de nuestros héroes, siguiendo el momento en que finalmente dejan de lado sus diferencias para formar un equipo legendario contra una gran amenaza: el multimillonario Lucas Lang Lume.

Del 25 de abril al 14 de mayo, cinco escenarios de la ciudad se convertirán en territorios de encuentro, celebración y libertad: el Teatro al Aire Libre La Media Torta, el Teatro Jorge Eliécer Gaitán, el Parque de los Hippies y el Centro Colombo Americano.

Esta edición reunirá 18 agrupaciones nacionales e internacionales, más de 150 artistas en escena y espera convocar a más de 20.000 asistentes durante sus cinco fechas de conciertos y actividades pedagógicas.

Por primera vez, el festival contará con una fuerte presencia latinoamericana. El lineup incluye a La Bruja de Texcoco (México), artista trans que resignifica las músicas tradicionales; Kudai (Chile), referente del pop rock con una apuesta transgresora; Kumbia Queers (Argentina), ícono de la fusión entre cumbia, punk y rock; y Johann Vera (Ecuador), voz contemporánea que ha visibilizado abiertamente su identidad en la industria musical.

A ellos se suman artistas nacionales como Aguas Ardientes, La Ramona, Mayra Sánchez, Asael Cuesta, La Morena del Chicamocha, LoMaasBello, Milo Mosquera, La Poderosa del Bullerengue, Yela Quim, Lady Arias, Dolores te Canta y Lola Mento, representando distintas regiones y sonidos del país.

Desde su creación en 2021, el Top Show Colombo ha evolucionado como una plataforma que no gira en torno a un género musical específico, sino a conversaciones sociales urgentes. En esta edición, el foco está puesto en la comunidad LGBTQ+ en un contexto donde persisten brechas de representación y violencia.

Unlabeled es un territorio para encontrarnos, celebrarnos y abrazar nuestras identidades sin moldes ni fronteras

Santiago López, coordinador cultural del Centro Colombo Americano

Además de los conciertos, el festival desarrollará una agenda pedagógica con conversatorios y encuentros comunitarios que buscan incidir en las discusiones sobre derechos culturales y políticas públicas para artistas LGBTQ+.

Con una inversión cercana a $1.500 millones de pesos, el festival generará alrededor de 400 empleos directos e indirectos, consolidándose como uno de los eventos culturales gratuitos más relevantes de la ciudad. Más que cifras, se trata de una declaración cultural: la música como escenario de representación y transformación social.

El Top Show en una apuesta concreta por la cultura como derecho y como espacio seguro para todas las identidades. Se realiza en articulación con el Instituto Distrital de las Artes y cuenta con el respaldo de programas distritales y nacionales de concertación cultural, porque, cuando la música se vive sin etiquetas, se convierte en un acto de libertad.

Agenda de conciertos

Sábado 25 de abril en el Teatro al Aire Libre la Media Torta. Apertura de puertas: 1:00 p.m.

Kudai, la Bruja de Texcoco, Johann Vera, Kumbia Queers, Aguas Ardientes y Mayra Sánchez.

Miércoles 6 de mayo en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán. Apertura de puertas: 5:00 p.m.

La Ramona, Lady Arias, LoMaasBello, Dolores te Canta.

Sábado 9 de mayo en el Parque de los Hippies. Apertura: 3:00 p.m.

Milo Mosquera, La Poderosa del Bullerengue, La Morena del Chicamocha y Lola Mento.

Miércoles 13 de mayo en el Centro Colombo Americano. Apertura de puertas: 6:30 p.m.

Amelie Weinhöfer y Yela Quim.

Jueves 14 de mayo en el Centro Colombo Americano. Apertura de puertas: 6:30 p.m.

Flo de Lava y Asael Cuesta.

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Este lanzamiento, programado para el miércoles 22 de abril a las 4 de la tarde en el salón Jorge Isaacs de Corferias, pabellón 11 al 16, segundo nivel, llega en un momento de profundo significado personal para la autora, marcada por las trágicas muertes familiares que la han seguido. Primero, la de su madre Diana Turbay y, luego, el atentado contra su hermano y senador Miguel Uribe Turbay.

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María Carolina cuenta con más de 30 años de experiencia en el sector público, privado y social, trabajando en la intersección entre liderazgo, tecnología y cambio social. Fue viceministra TIC de Colombia, donde lideró el Plan Vive Digital, uno de los programas de transformación tecnológica más relevantes a nivel global.

Hoyos es hermana de Miguel Uribe Turbay, un joven senador del Centro Democrático que emergió como una de las figuras más prometedoras de la política colombiana.

El 7 de junio de 2025, él fue víctima de un atentado en Bogotá durante un acto público en el barrio Modelia. Recibió múltiples disparos y, pese a ser trasladado de urgencia a la Fundación Santa Fe, falleció dos meses después a los 39 años. El suceso conmocionó al país, reavivando el debate sobre la violencia política en Colombia y dejando un vacío irreparable en su familia.

María Carolina, quien había estado siempre al lado de su hermano en momentos clave de su carrera, asumió públicamente el duelo con una entereza que ahora plasma en las páginas de su libro.

El dolor, ese compañero inseparable tras la pérdida de su madre y de su hermano Miguel, es el hilo conductor de Felicidad imperfecta. Lejos de ofrecer consuelos vacíos o promesas de sanación total, la obra se presenta como un testimonio honesto: el sufrimiento no se borra, no se supera como por arte de magia, sino que se aprende a habitar. “En un mundo que insiste en que el tiempo todo lo cura, este libro llega para decir lo contrario: hay heridas que no desaparecen, pérdidas que no se superan y dolores que simplemente se aprenden a habitar. Y, aun así, es posible volver a sonreír”, reza la descripción oficial de la editorial Mediapluma.

Con un prólogo a cargo del periodista Julio Sánchez Cristo, el texto redefine la resiliencia no como una armadura impenetrable, sino como una “resiliencia acumulada”, un mapa secreto que cada quien construye para navegar la incertidumbre emocional.

Sánchez Cristo lo describe con precisión: “El dolor de María Carolina no se va, pero con este manual nos enseña a manejarlo; es como una ducha fría de alegría en medio de la tristeza. Este diccionario de amor y desamor nos invita a resolver el alma, a sacudirla en medio de nuestras saudades y alegrías”.

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A través de conceptos como la ‘felicidad imperfecta’, la autora invita a reconciliarse con la vida incluso en la tristeza, proponiendo una mirada distinta sobre el sufrimiento: no como un obstáculo a vencer, sino como una experiencia con la que convivir sin renunciar a vivir plenamente.

Felicidad imperfecta no es un manual de autoayuda superficial ni un compendio de fórmulas mágicas. Nace de la experiencia real de Hoyos Turbay, quien ha dedicado su carrera a entender cómo las personas y organizaciones se reconstruyen ante la complejidad y el dolor.

Hoy, como presidenta de la Fundación Solidaridad por Colombia, una entidad con 51 años de trayectoria, impulsa soluciones sostenibles en educación y oportunidades para poblaciones vulnerables. Su bagaje profesional impregna el libro de una profundidad humana y práctica, convirtiéndolo en una herramienta para quienes han visto su vida fracturarse.

El lanzamiento en la FilBo promete ser un encuentro íntimo y valiente. María Carolina conversará con el periodista y escritor Daniel Samper Ospina, conocido por su pluma aguda y su capacidad para desentrañar emociones complejas. Juntos explorarán cómo este “diccionario de amor y desamor” ofrece no solo soluciones prefabricadas, sino una forma de sostenerse cuando la vida no se arregla.

Ambientada en el caótico Pittsburgh Trauma Medical Hospital, conocido como The Pitt por su zona de urgencias, la serie captura turnos de 15 horas en tiempo real, con un episodio por hora, mostrando el agotamiento físico y mental de los héroes anónimos de la salud en la América contemporánea.

La primera temporada se estrenó en 2025 y rápidamente se convirtió en un fenómeno. Protagonizada por Noah Wyle como el Dr. Michael Robby Robinavitch, jefe de urgencias y figura central, cuenta con un elenco estelar que incluye a Patrick Ball, Katherine LaNasa, Supriya Ganesh, Fiona Dourif, Taylor Dearden, Isa Briones, Gerran Howell, Shabana Azeez y Sepideh Moafi.

Rompió récords de visualizaciones en HBO Max, posicionándose como una de las series más vistas del año, y arrasó en premios con 13 nominaciones a los Premios Primetime Emmy, incluyendo Mejor Serie Dramática y actuaciones para Wyle y LaNasa, además de victorias en TCA, Gotham TV, Dorian y Astra TV, con Wyle llevándose un Globo de Oro como Mejor Actor en Serie de Drama.

La segunda temporada arrancó el 9 de enero de 2026, con episodios semanales que culminaron el pasado 16 de abril. Ambientada en un frenético 4 de julio, profundiza en dilemas éticos como la eutanasia, abusos sexuales y la salud mental del personal médico, alejándose del melodrama para apostar por un realismo absorbente.

Las reacciones han sido una montaña rusa: alabada por su madurez y crudeza, alcanzando el número 1 en 54 países con valoraciones perfectas, pero criticada por su quiebre emocional y dependencia excesiva de tramas oscuras.

Noah Wyle, también productor, destacó: “Los médicos no son buenos pacientes; Robby regresa sin ‘curarse’, reconociendo su problema pero resistiendo pedir ayuda”.

El último capítulo, titulado 9:00 P.M. ha generado un sin sabor y un gran debate, especialmente por el desarrollo del Dr. Robinavitch. Tras un colapso emocional en la primera temporada, la segunda lo muestra en un deterioro notable: agotamiento psicológico, depresión abierta, traumas de abandono y un liderazgo fracturado que lo lleva al borde del abismo.

Suspiros silenciosos, ojos que delatan el quiebre interno mientras grita órdenes médicas, y una admisión brutal de no querer seguir vivo han conmovido y polarizado a la audiencia.

El creador R. Scott Gemmill reveló: “Todavía no ha tocado fondo; es un retrato del precio que pagan estos profesionales, con tasas altas de divorcio, adicciones y suicidio”.

HBO Max renovó la serie para una tercera temporada incluso antes del estreno de la segunda, confirmando su estatus como “la mejor de los últimos años” por su rentabilidad y calidad. Casey Bloys, CEO de la plataforma, apuesta por emisiones anuales, con la temporada 3 esperada a principios de 2027.

Grandes nombres

Underworld viene por tercera vez a Colombia, habiéndonos antojado previamente con una notable tanda de shows en 2025, entre ellos la memorable presentación en el Boiler Room en Londres. No necesitan más presentación, son leyendas vivas y su repertorio no deja de emocionar, en lo clásico y en lo más fresco que vienen sacando.

Disclosure aparece también como headliner del festival. El dúo británico viene de sacudir a Coachella con todos sus juguetes y si bien aquí presentará un dj set, no hay duda de que pondrá a bailar y a cantar a miles con sus himnos y sus beats. When the fire starts to burn...

Boys Noize aterriza en un momento en que su nombre hace mucho ruido tras haber hipnotizado a más de uno junto a Trent Reznor y Mariqueen en la colaboración Nine Inch Noize (que, valga decir, sacó disco hace pocos días). Los Boys Noise traerá a Bogotá un dj set al que no le van a faltar sorpresas, buena onda y mucho baile.

Regresa también Richie Hawtin, aquel maestro del minimal, el dj favorito de su dj favorito, quien ha influido no solo musicalmente en esta era, también tecnológicamente, en su constante evolución sonora y de exploración del gear. Por su parte, en lo que a trance y progressive house respecta, el legendario Paul Oakenfold hará presencia también en este festival.

Ahora, entre las otras decenas de propuestas artísticas que hacen de ambas jornadas (22 y 23 de mayo) eventos imperdibles, luego de haber vivido una espectacular edición de aniversario X, cerrando con Fatboy Slim, Arcadia le propone escuchar estos sonidos.

Descubrir y redescubrir

Brend4 International, dj y productor colombiano que ofrece sonidos experimentales oscilantes entre el latineo y el techno. Felipe Gordon, músico y productor, también colombiano, con una propuesta musical más orientada al house y dance, producto de fusiones musicales. vale la pena escuchar y bailar a estos y otros talentos locales.

El vecino Nicola Cruz es otro imperdible, con sus fusiones y creaciones electro suramericanas nunca decepciona y nos acerca un poco al cosmos. Allá nos encontraremos con Planetary Assault Systems, proyecto de Luke Slater, un verdadero arquitecto del techno.

¿Se puede fusionar el techno y el trance? La respuesta es Supergloss. Para techno oscuro, psicodélico y energético: Estella Boersma. Helena Hauff por su lado llevará de viaje a algún lugar entre el acid techno y el industrial.

Por supuesto habrá HardTechno y por supuesto francés. Only Numbers estará representando, entre otros, este género. Baile y sudor garantizado.

El BAUM implica una oferta de muchos artistas, muchos géneros y subgéneros, y no es exagerado decir que habrá electrónica para todos los gustos. Así que la mejor recomendación que podemos hacerle es que atienda nuestras recomendaciones, claro, pero, una vez allá, se deje sorprender por algún artista y lo recomiende si logra agitarle alma y cuerpo.

La gira incluirá presentaciones en ciudades como Medellín, Bucaramanga, Manizales, Cali, Neiva, entre otras, consolidando así su presencia a nivel nacional.

Aria está en uno de los momentos más importantes de su carrera, su reciente y destacada presentación en el Festival Estéreo Picnic confirmó su crecimiento artístico y su capacidad de conectar con grandes audiencias en escenarios de alto nivel.

A esto se suma un logro contundente, pues desde hace varias semanas ocupa el puesto #1 del Billboard Colombia Hot 100 con su éxito “Chévere (premium_remix)”, reafirmando su impacto en la industria musical.

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Con una propuesta fresca y auténtica, Aria continúa posicionándose como una de las artistas emergentes más relevantes del país, llevando los sonidos caribeños a nuevas audiencias tanto en Colombia como a nivel internacional.

Este gran momento también se ve reflejado en su primera nominación internacional a los Premios Tu Música Urbano, donde compite en las categorías Artista Nuevo Femenino y Artista Afrobeat, un reconocimiento que valida su proyección y el alcance de su propuesta musical.

A través de sus redes sociales, Aria Vega confirmó su gira por Colombia con un emotivo mensaje en donde ella dejó clara la emoción que tiene de cantar en varias ciudades de Colombia.

“Mis costeñitas y tiburones, esto es un sueño hecho realidad, nos vemos en mi primer tour por Colombia. Compra tus entradas en el link de mi biografía”, escribió la cantante.

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Fechas de la gira de Aria Vega en Colombia

• 18 de abril - Barranquilla
• 24 de abril - Chía
• 29 de abril - Valledupar
• 30 de abril - Valledupar
• 2 de mayo - Medellín
• 15 de mayo - Bucaramanga
• 23 de mayo - Cali
• 5 de junio - Neiva
• 6 de junio - Ibagué
• 13 de junio - Montería
• 19 de junio - Manizales
• 26 de junio - Cúcuta
• 28 de junio - Riohacha

Varios de los fanáticos de Aria Vega dejaron reacciones en su publicación mostrando la emoción que les da saber de su gira: “Ya queremos”; “Eso!! Me encanta”; “¿Y Bogotá?“; ”Mis placata y yo no podemos esperar"; “El huila y olé te espera”; “Muy costeñita premium de tu parte”; “Mana, estaba esperando esto”, fueron algunos de los comentarios.

Lo que se busca hacer en la Feria del Libro es aprovechar el espacio cultural para generar conversación sobre temas clave como la ‘Paz Electoral’, los derechos humanos y sus funciones dentro del Estado. La idea es que la gente no solo reciba información, sino que también participe y entienda cómo impacta su trabajo en la vida diaria.

Para lograrlo, la Procuraduría tendrá dos stands en Corferias. Uno estará ubicado en la Plaza de las Banderas y se centrará en mostrar su misión y su rol preventivo. El otro, en el pabellón Colombia, tendrá un enfoque mucho más interactivo, con actividades pensadas para niños, jóvenes y adultos, apoyadas en herramientas tecnológicas que buscan acercar el tema de los derechos.

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La agenda también incluye varios eventos académicos y espacios de discusión. Uno de los más destacados será la conferencia “Reflexiones sobre el Ministerio Público”, liderada por el procurador general, Gregorio Eljach, el jueves 30 de abril a las 2:30 de la tarde.

Durante los 14 días de la feria, la Procuraduría también presentará libros y publicaciones, tanto físicas como digitales, enfocadas en temas coyunturales y en sus líneas de trabajo.

Además, aprovechará el evento para grabar nuevos contenidos de La Procu TV y de los pódcast Las mujeres resuenan y Paz Electoral, con los que busca mantener un canal de comunicación más cercano con la ciudadanía.

De acuerdo con el reglamento de la Fundación Festival de la Leyenda Vallenata, los concursantes deben enfrentarse a un sistema de evaluación que premia la variedad y penaliza la falta de repertorio.

La regla es inamovible: para avanzar hacia el título, los acordeoneros tienen prohibido repetir canciones en las distintas rondas, lo que los obliga a presentarse con una propuesta musical extensa y diversa.

Maestría en los cuatro aires

Un “Conjunto Típico de Música Tradicional Vallenata” debe estar compuesto por tres personas que interpreten armónicamente el acordeón, la caja y la guacharaca.

El desafío de la norma de “no repetición” reside en que los músicos deben dominar múltiples piezas en los cuatro aires tradicionales: paseo, merengue, son y puya.

Esta exigencia técnica asegura que el ganador posea una destreza integral, evitando que los participantes se limiten a perfeccionar un pequeño grupo de canciones para todas las fases del concurso.

Además, los instrumentos permitidos están estrictamente regulados: únicamente se aceptan acordeones diatónicos de botones, cajas cilíndricas de madera con parches de cuero y guacharacas de caña lata.

Categorías bajo la lupa

La regla de versatilidad aplica para todas las categorías establecidas por la Fundación:

• Profesional: Para quienes ejercen la música como una actividad remunerada y habitual.
• Aficionado: Participantes mayores de 18 años que tienen la música como una afición, sin que sea su sustento permanente.
• Juvenil e Infantil: Jóvenes de entre 14 y 18 años, y niños de 7 a 14 años, respectivamente, que buscan el perfeccionamiento musical.
• Acordeonera Mayor y Menor: Categorías exclusivas para mujeres que interpretan el instrumento con el mismo nivel de exigencia técnica.

Piqueria y Canción Inédita: la originalidad como ley

La rigurosidad del festival se extiende más allá del acordeón. En el concurso de Canción Vallenata Inédita, la norma de originalidad es absoluta: las obras deben ser inéditas en música y letra, prohibiendo el uso de versos o melodías de otros cantos vallenatos o géneros ajenos.

Por su parte, la Piqueria (tanto Mayor como Infantil) exige una agilidad mental superior para improvisar con métrica y ritmo exactos, ya sea en cuartetas o décimas, respondiendo al desafío del contrincante en tiempo real.

Estas reglas, aprobadas bajo el Acuerdo N° 001 de 2019, siguen siendo el pilar que sostiene la calidad artística del festival vallenato más importante de Colombia.

En esta oportunidad, la artista construye un relato sonoro que enlaza el pasado, el presente y el futuro de las creadoras, reafirmando que la historia del jazz en Colombia ha sido escrita también por manos y mentes femeninas. El disco cuenta con la participación de doce mujeres músicas colombianas, cuyas voces, gaitas y tambores se mezclan con pianos, sintetizadores y guitarras eléctricas. Entre las colaboradoras se encuentran figuras fundamentales como la cantante Lucía Pulido, la flautista Anamaría Oramas, la pianista y arreglista Melissa Pinto, y las integrantes del histórico grupo Comadre Araña: Juanita Delgado, Verónica Atehortúa y Rocío Medina. La presencia de estas artistas no solo enriquece la paleta sonora, sino que refuerza la potencia simbólica del álbum como un tejido de complicidad y reconocimiento mutuo.

Golondrina inicia con el tema homónimo, una composición dedicada a su madre y a todas aquellas mujeres que, como aves viajeras, han perseguido sus sueños superando los obstáculos del camino. Esta búsqueda de identidad y memoria se profundiza en “Quynza Colibrí”, un tributo a su bisabuela y al pueblo muisca del territorio cundiboyacense donde nació la compositora; para esta pieza, Barco integró lenguas indígenas trabajando de la mano con el cabildo de Suba, donde una niña de la comunidad la ayudó a traducir frases para honrar sus raíces. Otros temas que exploran la introspección y el bienestar emocional son “Retorno”, que funciona como un llamado a la intuición personal, y “Serenando”, interpretada junto a Comadre Araña, que propone una “receta” a ritmo de currulao para calmar el afán de la vida contemporánea.

La producción también aborda preocupaciones colectivas y ambientales urgentes, como se evidencia en “El Rumor de las aguas” (y su intro), que utiliza el lenguaje de los cantos de vaquería para reflexionar sobre la escasez hídrica y los desastres naturales, y en “Plegaria de lluvia”, compuesta durante los incendios forestales en Bogotá a principios de 2024. La denuncia social se hace presente en “Niña pies de sal”, inspirada en los niños trabajadores de las minas de sal en México, mientras que la crítica a los estándares de belleza se plasma en “Cuerpa herida”, una cumbia que a través del lenguaje busca reivindicar el cuerpo desde la palabra “cuerpa”. Finalmente, la pista “Ayriwa” destaca por integrar el “kichwa” en un arreglo basado en una canción de cuna de la cantautora ecuatoriana Linda Pichamba, del pueblo de Otavalo, la cual fue adaptada con un enfoque respetuoso a la sonoridad del jazz latinoamericano para expandir las narrativas del género en el continente.

El concierto del 30 de abril en el Teatro Estudio será una experiencia que invitará a la audiencia a transitar por la intimidad, la evocación y la intensidad. Sobre el escenario, Urpi Barco estará acompañada por su banda base, integrada por Brian Vásquez en la guitarra, Estefanía Lambuley en la percusión, Nicolás Torres en el bajo eléctrico, Kike Narváez en la batería y César Medina en el saxofón. Además, contará con la presencia de invitadas especiales que hacen parte de la producción, creando un formato que promete capturar la esencia del disco, el cual fue grabado en gran medida en formato de quinteto con la adición de instrumentos tradicionales de las costas colombianas.

En un contexto donde el jazz colombiano se definió durante años de espaldas a lo femenino, este álbum irrumpe como una propuesta potente que conecta cuerpo, naturaleza y las experiencias de las mujeres, dialogando con las sonoridades tradicionales colombianas y latinoamericanas para expandir el lenguaje y las narrativas del jazz. Al mismo tiempo, se afirma como un triunfo de la independencia musical y la persistencia artística, consolidando a Urpi como una de las voces más lúcidas y transformadoras de la escena actual, capaz de conectar lo ancestral con lo contemporáneo sin que ninguna de estas fuerzas pierda su vigor.

*Puede conseguir entradas para el lanzamiento en este enlace.

La presencia del director del Archivo General de la Nación en este órgano consultivo internacional reviste una especial importancia, en la medida en que proyecta la experiencia colombiana en materia archivística y de preservación documental en uno de los escenarios más destacados a nivel mundial para la salvaguarda de la memoria. Su nombramiento fortalece la representación del país en las discusiones globales sobre patrimonio documental y reafirma el papel del Archivo General de la Nación como una institución estratégica en la protección del patrimonio documental del país.

Este nombramiento constituye, además, un reconocimiento al trabajo que el Archivo ha venido desarrollando en los últimos años para salvaguardar el patrimonio histórico del país y ampliar el resguardo de la memoria hacia otros campos fundamentales, como los archivos comunitarios, sociales y territoriales. En un país atravesado por una amplia diversidad de memorias, esta perspectiva ha contribuido a consolidar una política de preservación más incluyente, capaz de reconocer la pluralidad de experiencias, voces y trayectorias que hacen parte de la historia nacional.

De igual manera, esta designación destaca el aporte del Archivo General de la Nación a la construcción de una cultura de paz y a la garantía de los derechos a la verdad, la justicia, la reparación y las garantías de no repetición de las víctimas, mediante la intervención archivística. En este sentido, la preservación de los archivos resulta fundamental para el esclarecimiento de hechos y para la protección de la memoria histórica del país.

Estas son cinco cosas que hay que saber sobre Michael, que se estrena esta semana en España y Latinoamérica, y que aspira a rivalizar con el biopic musical Bohemian Rhapsody (2018), sobre Freddie Mercury, el mayor éxito del género.

Sin controversias

La película arranca en 1966 en Gary, Indiana, la ciudad donde nació en 1958 el Rey del Pop, y termina en 1988, en Londres, durante un concierto de su gira Bad World Tour. Ese plazo de tiempo permite evitar los temas más controvertidos, sobre todo los casos judiciales que empezaron a empañar la imagen del icono a partir de 1993.

El adolescente Jordan Chandler presentó entonces una denuncia contra él por abusos sexuales. El caso se resolvió en 1994 con un acuerdo económico con la familia del joven.

Lo mismo ocurrió con el juicio penal de 2005 en Santa Maria (California), en el que se enfrentaba a diez cargos tras las acusaciones de otro adolescente. La estrella fue absuelta.

Un guión retocado

Según la revista estadounidense especializada Variety, que cita a una persona cercana a la producción, un tercio de la película estaba inicialmente dedicado a los problemas judiciales de la estrella.

Tan sólo después del rodaje, los abogados a cargo del legado de Michael Jackson se dieron cuenta de que existía una cláusula en el acuerdo firmado con la familia de Jordan Chandler que prohibía cualquier representación o mención suya en una película. El final del largometraje tuvo que hacerse de nuevo totalmente.

En la versión que se estrenará, el filme termina con dos conciertos: el último de Michael Jackson con sus hermanos como parte de los Jackson Five en 1984 en Los Ángeles, y el de Londres en 1988 para la gira Bad, cuando estaba en la cumbre de su gloria.

Es dirigida por Antoine Fuqua (Training Day) y protagonizada por Jaafar Jackson, quien interpreta a Michael Jackson en su debut cinematográfico. la película destaca por la conexión del actor con la historia y con Colombia. Jaafar es sobrino del artista en la vida real y, además, tiene raíces colombianas por parte de su madre. Fue elegido tras un riguroso proceso de casting de dos años para encarnar al Rey del Pop, y ha resaltado este vínculo con el país al afirmar: “Soy mitad colombiano, algo que mucha gente no sabe, así que hay algunos sonidos latinos en mi música”.

El clan Jackson

Un tema ampliamente abordado en la cinta es la dimensión familiar de la leyenda Jackson, con el patriarca Joseph Jackson, que maltrataba a su hijo prodigio, en el centro de la historia.

MJ, que empezó a actuar en los escenarios a los 6 años, nunca tuvo amigos de su edad. Vivía rodeado de sus ocho hermanos y hermanas, todos artistas. Este biopic lleva la marca del clan con Jaafar Jackson, el sobrino de Michael, que interpreta a la estrella.

A nivel de la producción, figuran Graham King (Bohemian Rhapsody), y sobre todo los albaceas testamentarios del Rey del Pop, John McClain y John Branca, este último también representado en la película.

Los hermanos y hermanas Jackson que todavía están vivos están en los créditos como productores ejecutivos.

El negocio

Según Variety, Lionsgate, el distribuidor, espera recaudar 700 millones de dólares con esta película, cuyo presupuesto asciende a 200 millones de dólares. Esto situaría a Michael muy por delante de todas las producciones del género, excepto por Bohemian Rhapsody (910 millones de dólares).

La herencia del Rey del Pop genera varios cientos de millones de dólares cada año gracias a espectáculos como el musical MJ o Michael Jackson ONE, del Cirque du Soleil.

El documental This is It, sobre los ensayos de la gira que Michael Jackson preparaba justo antes de su muerte, recaudó casi 270 millones de dólares en todo el mundo en 2009.

¿Y después?

La película se termina con una imagen en la que se lee: “La historia continúa”. La productora dejó entrever que una segunda entrega está en preparación.

Según el productor Graham King, la historia se centrará en los álbumes Dangerous (1991) e Invincible (2001), así como en la compra y construcción de Neverland, su rancho en California adquirido en los años 1980. La finca, de 1.100 hectáreas, cuenta con cuatro casas, un lago con cascada y varios espacios para los animales, la pasión de Michael Jackson.

*Con información de AFP.

Pero la gran pregunta sigue en el aire: ¿realmente suenan mejor los vinilos que la música digital?

Proceso de grabación: vinilo vs. digital

Para responder, veamos primero cómo se registra la música en un vinilo y en un sistema digital.

En los discos, el sonido se graba en un surco en espiral que se extiende desde el borde exterior hasta el centro del disco. Los surcos tienen forma de “V”, lo que permite almacenar la información en estéreo, ya que cada canal se graba en una de las paredes de esa “V”. Los surcos deben ser poco profundos para evitar problemas mecánicos, como perforaciones o movimientos bruscos que hagan saltar la aguja.

Estos surcos registran variaciones microscópicas proporcionales a la presión del sonido original. Sin embargo, antes de grabarla, la señal musical se modifica: se reducen los sonidos graves y se amplifican los agudos. Esto se realiza para adaptarse al funcionamiento de la aguja. Por eso, los tocadiscos incluyen un circuito que invierte este proceso: se amplifican los graves y se atenúan los agudos.

Almacenar audio en formato digital, como puede ser un CD, es muy diferente. La señal analógica no se guarda de manera continua, sino que para “representarla” se obtiene un determinado número de muestras del audio. En el caso de los CDs hablamos de 44 100 muestras por cada segundo. Tras esto hay que cuantificarlas, es decir, aproximar el valor de la muestra a los valores del conversor A/D (analógico-digital), para que este le asigne un código binario. Este valor se asigna usando 16 bits por muestra, lo que significa que disponemos de todas las combinaciones posibles de esos 16 bits. Esto se traduce en 65 536 valores.

Estos valores cumplen las condiciones necesarias para que se reproduzcan correctamente todas las frecuencias que el oído humano percibe. Sin embargo, este proceso no es perfecto y produce un pequeño error que se manifiesta como un leve ruido añadido a la señal original.

Los estudios de grabación utilizan formatos de audio profesional con más calidad que los de los CDs. Para esto, usan una frecuencia de muestreo mayor y más bits por muestra (24bits). Así, consiguen una representación más precisa de la señal y reducen el ruido introducido durante la conversión digital. Sin embargo, estos archivos requieren mucho más espacio de almacenamiento y no son prácticos para su uso doméstico. Por ello, se adaptan para que en un CD se puedan almacenar unos 80 minutos de música (aproximadamente 15-20 canciones).

Otros formatos de grabación y reproducción de música, como el popular MP3, son modelos de representación del audio con pérdidas. Esto significa que se elimina parte de la información original del sonido para que ocupe menos espacio. Por ello, su calidad siempre va a ser inferior a la de los vinilos y CDs. Las plataformas de streaming usan esos modelos con el objetivo de que las canciones carguen más rápido y consuman menos datos.

Calidad de sonido en casa: ¿vinilo o CD?

Para comparar de forma justa, en un entorno doméstico, qué formato sonaría mejor entre un disco de vinilo y un CD utilizaremos el mismo equipo de reproducción, compatible con ambos, y asumiremos que los dos están recién comprados.

En este escenario, el vinilo ofrecerá mejor sonido. Será más limpio, libre de ruido de muestreo o cuantificación, y con un rango de frecuencias completo. Aunque parte de estas frecuencias no son audibles, en determinados espacios sí tienen efecto en la percepción del sonido. Además, el vinilo aplica un proceso de ecualización propio que aporta un carácter particular distinto al del formato digital. De hecho, muchos sistemas de grabación digital actuales incluyen complementos o plugins que imitan esta característica sonora de los vinilos.

Además, el equipo utilizado para reproducir vinilos puede incluir amplificadores de gran calidad, incluso, en algunos casos, amplificadores de válvulas. Aunque estos últimos generan cierta distorsión, se considera que aportan calidez al sonido, haciendo su escucha más agradable.

Hay que tener en cuenta, sin embargo, que el vinilo pierde con el uso, por desgaste. También el CD, si no es original o se ha conservado mal, puede dañarse y sufrir fallos en la lectura de las muestras digitales, lo que influye en la calidad del audio e incluso llega a provocar interrupciones en la reproducción.

Depende de la audiencia

Al llevarlo a ejemplos concretos, existen pequeños matices en los que se pueden diferenciar ambos sonidos.

Si pensamos en una guitarra acústica, en el CD habrá un silencio absoluto antes de que empiece a sonar, mientras que en el vinilo se percibirá primero un ligero sonido de fondo que proporciona calidez. De igual forma, en el vinilo el roce de los dedos del guitarrista contra las cuerdas se escuchará dulce y aterciopelado, mientras que en el CD será más agudo, dado que reproduce el sonido sin ningún tipo de suavizado y resulta más metálico.

Aunque en el caso de la música digital en streaming o CD, a menudo la audiencia no se preocupa por estos elementos, en este aspecto gana de nuevo el vinilo. No obstante, hay que recordar que el audio digital ofrece una calidad constante. Además, es fácil de transportar y almacenar, mientras que los vinilos se deterioran con cada reproducción y requieren más espacio y cuidados para su conservación.

Sin embargo, no podemos negar que estos ofrecen un sonido más cálido y completo que el formato digital. Tal vez por ello sigan atrayendo tanto a nostálgicos como a nuevas generaciones.

Escrito por

Ana María Barbancho Perez: Profesora Titular de Universidad en el área de Teoría de la Señal y Comunicaciones, Universidad de Málaga; Isabel Barbancho: Catedrática de Universidad en el área de Teoría de la Señal y Comunicaciones, Universidad de Málaga. Profesora de Piano por el Conservatorio Superior de Música de Málaga, Universidad de Málaga; y Lorenzo José Tardón García: Catedrático de Universidad. Teoría de la Señal y Comunicaciones. Procesado de señal, audio, música, imagen, EEG, etc, Universidad de Málaga

This article is republished from The Conversation under a Creative Commons license. Read the original article.

Talentos y realizadores representando títulos de algunos de los legendarios estudios de producción de la compañía, incluyendo Disney Live Action, Walt Disney Animation Studios, Pixar, Marvel Studios, Lucasfilm, 20th Century Studios y Searchlight Pictures, estuvieron presentes para mostrar material exclusivo y realizar varios anuncios emocionantes.

La presentación comenzó en el Dolby Colosseum del Caesar’s Palace con un compilado que destacó los próximos títulos del estudio, antes de que Alan Bergman, chairman de Disney Entertainment Studios, saludara a los más de 4.000 asistentes de CinemaCon.

Agradeció a la industria su continua colaboración y destacó que las tres películas de Hollywood más taquilleras de 2025 fueron del estudio: Zootopia 2, que recaudó casi 1.900 millones de dólares en la taquilla mundial, convirtiéndose en la película animada de Hollywood más exitosa de todos los tiempos; Avatar: Fuego y cenizas, que superó los 1.500 millones de dólares, llevando a la franquicia Avatar a más de 6.700 millones a nivel global; y Lilo y Stitch, que fue un gran éxito de público y también superó la barrera de los mil millones.

Como resultado, el estudio ha sido el número uno en la taquilla mundial durante 9 de los últimos 10 años, recaudando cerca de 6.600 millones de dólares globalmente en 2025, más de 2.000 millones por encima de su competidor más cercano.

“Disney seguirá ofreciendo experiencias cinematográficas imperdibles que llevarán al público a sus cines”, les dijo Bergman a los exhibidores, señalando: “En nuestros siete estudios, todo se trata de narrativas de alta calidad con corazón y humor que resuenan en todo el mundo y superan la prueba del tiempo, y nadie lo hace como Disney”.

Luego cedió el micrófono a Andrew E. Cripps, head of theatrical distribution, y Matthew J. Kalavsky, SVP and general manager, Disney Entertainment Studios, quienes destacaron la capacidad de Disney para contar historias extraordinarias.

Ambos resaltaron que la colección de siete estudios de clase mundial de Disney está detrás de 37 títulos con recaudación de más de mil millones de dólares, cuatro veces más que cualquier otro estudio, y que Disney mantiene una ventana promedio de 57 días entre el estreno en cines y su llegada a Disney+.

“Los cines importan: es algo que no se puede obtener en ningún otro lugar”, dijo Cripps, destacando el creciente interés en las salas de Formato Grande Premium (PLF por sus siglas en inglés).

Ya en 2026, el estudio estrenó dos películas originales: ¡Ayuda! de 20th Century Studios y Hoppers: Operación Castor de Disney y Pixar, ambas muy bien recibidas por la crítica y el público.

Hoppers: Operación Castor recientemente superó los 350 millones de dólares a nivel mundial tras registrar el mayor debut doméstico de una película animada original desde COCO en 2017.

En dos semanas, llegará a los cines El diablo viste a la moda 2 de 20th Century Studios, la esperada secuela del fenómeno de 2006 que definió a toda una generación.

Cripps proyectó un mensaje especial exclusivo para los asistentes de CinemaCon de la protagonista Anne Hathaway, antes de mostrar un adelanto especial de la película, que se estrena solo en cines el 30 de abril.

Veinte años después de sus icónicas actuaciones como Miranda, Andy, Emily y Nigel, Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt y Stanley Tucci regresan a las elegantes calles de Nueva York y las sofisticadas oficinas de la revista Runway.

La película está dirigida por David Frankel, con guion de Aline Brosh McKenna, producida por Wendy Finerman y producida ejecutivamente por Michael Bederman, Karen Rosenfelt y Aline Brosh McKenna.

Cripps invitó luego al escenario al director, coguionista y productor Jon Favreau para hablar sobre Star Wars: The Mandalorian and Grogu de Lucasfilm, una nueva película de STAR WARS que estrena solo en cines el 21 de mayo.

Tras hablar sobre la esperada película, la primera de Star Wars en casi 7 años, Favreau presentó el tráiler final, seguido de los primeros 18 minutos de la película y un montaje.

En la película, protagonizada por Pedro Pascal, Sigourney Weaver y Jeremy Allen White, el cruel Imperio ha caído, pero los señores de la guerra imperiales siguen dispersos por toda la galaxia.

La incipiente Nueva República trabaja para proteger las conquistas de la Rebelión con la ayuda del legendario cazarrecompensas mandaloriano, Din Djarin (Pedro Pascal), y su joven aprendiz, Grogu.

Dirigida por Jon Favreau, Star Wars: The Mandalorian and Grogu está escrita por Jon Favreau, Dave Filoni y Noah Kloor, y producida por Jon Favreau, p.g.a., Kathleen Kennedy, p.g.a., Dave Filoni, p.g.a., e Ian Bryce, p.g.a., con Karen Gilchrist, John Bartnicki y Hardie Beck como productores ejecutivos. La música está compuesta por Ludwig Göransson.

Los juguetes regresan en Toy Story 5 de Disney y Pixar, y esta vez es el encuentro entre juguetes y tecnología. La quinta película de la franquicia llega a los cines el 17 de junio, y se proyectó un clip exclusivo antes de que Cripps invitara al escenario a Tom Hanks y Tim Allen, los queridos protagonistas de los taquilleros films animados, que una vez más retoman sus roles como actores de voces en inglés de Woody y Buzz Lightyear. El icónico dúo habló sobre la nueva película y proyectó otro adelanto exclusivo.

En la nueva película, el propósito de jugar de Buzz Lightyear, Woody, Jessi y el resto del grupo se ve amenazado cuando se enfrentan a Lilypad (con la voz en inglés de Greta Lee), una nueva tableta que llega con sus propias ideas disruptivas sobre lo que es mejor para su niña, Bonnie.

¿Volverá el juego a ser como antes? Dirigida por Andrew Stanton, codirigida por Kenna Harris, producida por Lindsey Collins y escrita por Stanton y Harris, la película cuenta con una banda sonora original de Randy Newman, quien regresa para componer su quinta película de Toy Story.

Cripps trajo luego al propio Maui, Dwayne Johnson, para hablar sobre Moana, la reinterpretación en acción real de Disney de la querida aventura animada nominada al Oscar, que llega solo a los cines el 9 de julio.

Catherine Lagaʻaia, quien hace su debut en la pantalla grande como la decidida heroína, se unió al dúo en el escenario para hablar sobre su experiencia filmando la película. La actriz recibió el Premio Estrella en Ascenso 2026 de CinemaCon en los Premios Big Screen Achievement 2026. Johnson presentó luego un adelanto exclusivo de Moana.

En la película, Moana (Catherine Lagaʻaia) responde al llamado del Océano y, por primera vez, se aventura más allá del arrecife de su isla de Motunui junto al infame semidiós Maui (Dwayne Johnson) en un viaje inolvidable para restaurar la prosperidad de su pueblo.

La película está dirigida por el ganador del Emmy® y el Tony Award®, Thomas Kail (HAMILTON); producida por Dwayne Johnson, Dane Garcia, Beau Flynn, Hiram Garcia y Lin-Manuel Miranda; y producida ejecutivamente por Kail, Scott Sheldon, Charles Newirth y Auliʻi Cravalho, quien le dio voz a Moana en las películas animadas Moana y Moana 2.

Moana incluye canciones originales de Lin-Manuel Miranda, Opetaia Foaʻi y Mark Mancina, y una banda sonora original compuesta por Mancina.

A continuación, Kalavsky presentó La guerra de los últimos de 20th Century Studios, un apasionante y épico thriller ambientado en un mundo donde la supervivencia es instinto, pero la humanidad es una elección, que se estrena en agosto solo en cines.

Tras presentar un mensaje en video exclusivo para los asistentes de CinemaCon del director y productor de la película, Ridley Scott, se estrenó por primera vez el tráiler de la película.

En La guerra de los últimos, Scott cuenta la historia de Hig (Jacob Elordi), un joven piloto que, junto a Bangley (Josh Brolin), un militar experto en supervivencia, ha construido un refugio eficiente pero aislado en un despiadado mundo postapocalíptico, hasta que una misteriosa transmisión de radio lo impulsa a aventurarse en lo desconocido en busca de la esperanza y la humanidad en las que aún cree.

Basada en el cautivador bestseller de Peter Heller (The Dog Stars), La guerra de los últimos reúne a un aclamado elenco. Brolin también protagoniza La caída de la ballena de 20th Century Studios e Imagine Entertainment, que llega a los cines el 15 de octubre. La película es un épico, emotivo y extraordinario thriller de supervivencia sobre el encuentro de un hombre con un aterrador depredador oceánico. Kalavsky proyectó varios minutos de emocionante material de la película.

La película está dirigida por Brian Duffield, con guion de Brian Duffield y Daniel Kraus, basado en el libro homónimo de Daniel Kraus, y protagonizada por Austin Abrams, Josh Brolin, Elizabeth Shue, John Ortiz, Jane Levy y Emily Rudd.

Los productores son Brian Grazer, Brian Duffield, Jeb Brody y Allan Mandelbaum, con Doug Merrifield, Richard Abate y Will Rowbotham como productores ejecutivos.

Tras la muerte de su padre (Josh Brolin), Jay Gardiner (Austin Abrams) se sumerge en la costa central de California en busca de sus restos, pero es tragado por una enorme ballena cachalote. Atrapado en su interior con solo una hora de oxígeno, Jay comprende que las lecciones que su padre le enseñó con esfuerzo pueden ser la clave de su escape.

A continuación, Kalavsky presentó un adelanto de Wild Horse Nine (título en español a confirmar) de Searchlight Pictures, que llega solo a los cines en noviembre.

La comedia negra, escrita y dirigida por Latin McDonagh, protagonizada por John Malkovich, Sam Rockwell y Steve Buscemi, con Tom Waits y Parker Posey. El segmento culminó con un clip exclusivo de la película.

En Wild Horse Nine (título en español a confirmar), ambientada poco antes del golpe de Estado chileno de 1973, los agentes de la CIA Chris (John Malkovich) y Lee (Sam Rockwell) son enviados desde Santiago a la Isla de Pascua por su jefe, MJ (Steve Buscemi).

Entre las icónicas estatuas de la isla, y mientras los socios de larga data lidian con sus pasados oscuros y conspiraciones presentes, el nuevo vínculo de Chris con unas estudiantes rebeldes (Mariana di Girolamo y Ailín Salas) pone en riesgo el curso del viaje en este paraíso remoto.

Otros próximos estrenos de Searchlight Pictures incluyen la tercera entrega de la clásica comedia de culto Super Troopers (título en español a confirmar) de Broken Lizard, así como Behemoth! (título en español a confirmar) de Tony Gilroy, protagonizada por Pedro Pascal, y Sweetsick (título en español a confirmar), protagonizada por Cate Blanchett, ambas en posproducción.

Cripps volvió al escenario con emocionantes novedades del elenco de voces en inglés para Hexed (título en español a confirmar) de Walt Disney Animation Studios: Hailee Steinfeld y Rashida Jones se suman al elenco de voces en inglés de esta nueva y mágica saga de iniciación.

Cripps presentó un nuevo logo de la película y guio a los asistentes de CinemaCon a través de un breve resumen de la historia antes de proyectar un adelanto exclusivo para la audiencia.

En Hexed (título en español a confirmar), una adolescente impulsiva y poco convencional llamada Billie (voz en inglés de Hailee Steinfeld) descubre habilidades mágicas secretas que, una vez develadas, la conducen a una aventura llena de acción y magia fuera de los suburbios y hacia un vasto reino de brujas llamado Hexe.

Obligada a unirse a su cautelosa madre, Alice (voz en inglés de Rashida Jones), juntas descubren misterios familiares que podrían cambiar el mundo de las brujas para siempre. Dirigida por Fawn Veerasunthorn y Jason Hand, codirigida por Josie Trinidad y producida por Roy Conli, Hexed (título en español a confirmar) de Disney se estrena solo en cines el 26 de noviembre.

La era del hielo: Mundo de lava llega a los cines el 4 de febrero de 2027, y el elenco de la monumental franquicia animada, Rah Romano, Queen Latifah (quien recibió el Premio al Impacto Cultural en el Cine de CinemaCon en los Premios Big Screen Achievement 2026) y Denis Leary, se unieron a Cripps en el escenario para hablar sobre lo que los fans pueden esperar en el próximo capítulo de la saga prehistórica.

La era de hielo: Mundo de lava es una disparatada aventura llena de dinosaurios y lava que lleva a Manny, Sid, Diego, Ellie, Scrat y el resto de la manada a explorar rincones nunca antes vistos del peligroso Mundo Perdido. Los asistentes de CinemaCon disfrutaron luego de un adelanto de la secuencia de apertura de la película.

El estudio cerró la presentación con uno de los estrenos más esperados del año. El Universo Cinematográfico de Marvel (MCU, por sus siglas en inglés) es la franquicia cinematográfica más exitosa de todos los tiempos, con un total de 37 películas hasta la fecha, y ahora la cuenta regresiva corre hacia el 17 de diciembre, cuando Avengers: Doomsday llegó a los cines.

Cripps luego invitó al escenario a Kevin Feige, productor y presidente de Marvel Studios, quien le dio la bienvenida al escenario a los directores de Avengers: Doomsday, los hermanos Russo, Anthony y Joe, quienes hablaron más sobre Victor Von Doom, el icónico y formidable villano de los cómics de Marvel.

Luego, Robert Downey Jr., con el característico verde del Doctor Doom, hizo una dramática entrada desde el fondo del Dolby Colosseum, para deleite de los asistentes de CinemaCon, y avanzó hacia el escenario para proyectar un adelanto exclusivo de material de la película, antes de llevar al escenario al mismísimo Steve Rogers, Chris Evans.

En Avengers: Doomsday, queridos héroes de tres universos distintos, se verán en un rumbo de colisión mortal y enfrentarán una amenaza existencial como nunca antes habían encontrado. Dirigida por Anthony y Joe Russo y escrita por Stephen McFeely, AVENGERS: DOOMSDAY está protagonizada por Robert Downey Jr., Chris Evans, Chris Hemsworth, Pedro Pascal, Paul Rudd, Anthony Mackie, Florence Pugh, Vanessa Kirby, Ebon Moss-Bachrach, Wyatt Russell, Channing Tatum, Simu Liu, Ian McKellen, Tom Hiddleston, James Marsden, Patrick Stewart, Joseph Quinn, Sebastian Stan, David Harbour, Letitia Wright, Lewis Pullman, Kelsey Grammer, Danny Ramirez, Winston Duke, Alan Cumming, Wesley Holloway, Hannah John-Kamen, Rebecca Romijn, Alex Livinalli, Mabel Cadena y Tenoch Huerta Mejia. La película está producida por Kevin Feige, Louis D’Esposito y Jonathan Schwartz, con Callum McDougall como productor ejecutivo.

La presentación culminó con un reloj de cuenta regresiva de Doomsday en la pantalla, contando los días que faltan para el estreno de la película en diciembre.

MIÉRCOLES 22

4:00 PM. Gran Salón A: El poder del silencio: libros para imaginar

Loqueleo presenta Cuando casi perdimos la nariz, de Sandra Restrepo, y Fenn y la pera, de Jim Pluk, dos libros silentes que invitan a explorar el mundo a través de la curiosidad, la imaginación y la riqueza de la diversidad. En este encuentro, Sandra Restrepo conversará con Diana Rey, directora de Fundalectura, sobre el poder de la narrativa sin palabras.

4:00 PM Carpa Cultura: Presunto Podcast. Especial de periodismo cultural, Crítica de medios hecha en Colombia.

Los presentadores se meten en la cocina de la actualidad mediática para entender cómo se construyen las noticias en este pódcast en vivo, diseccionamos la agenda del periodismo cultural, revisando sus narrativas, sus sesgos y los titulares que marcan la conversación.

5:30 P. M. Carpa Cultural: ‘Homenaje a David Sánchez Juliao’

A los 15 años de su fallecimiento, se celebra al maestro del relato oral y cronista del Caribe, en una conversación sobre su legado, su humor y su manera de convertir la voz popular en literatura.

7:00 P. M. Gran Salón B: ‘Mi guerra. Relatos de una periodista desde fuera de Colombia’

La periodista Silvana Paternostro hace un recuento de Colombia a finales de los noventa y comienzos de los dos mil y cómo se fue haciendo evidente que la vida en Colombia no seguiría como siempre.

JUEVES 23

4:00 P. M. Auditorio José Asunción Silva: ‘La voz inmortal de la poesía colombiana: recital’

Siete voces de la poesía colombiana se reúnen para celebrar el poder de la palabra en el Día del Libro. Distintas generaciones y estilos mantienen viva una tradición poética.

5:30 P. M. Carpa Cultural: ‘La soledad de Sonia y Sunny. Las voces, el tiempo y encontrar el amor’

La escritora india Kiran Desai conversa sobre su nueva novela, publicada 20 años después de El legado de la pérdida. La historia explora el paso del tiempo, la distancia y la búsqueda del amor.

VIERNES 24

10:00 A. M. Gran Salón E: Cassette, de Pavel Molano

El historietista reconstruye una Bogotá de bares subterráneos, bandas juveniles y conversaciones dispersas, y presenta su novela gráfica a través de canciones.

1:00 P. M. Gran Salón D: La primavera de los gallos, de Laya Restrepo

La ganadora del Premio Iberoamericano de Cuento Julio Cortázar 2022 viaja desde Argentina para presentar a los lectores colombianos su primera antología de cuentos.

4:00 P. M. Sala María Mercedes Carranza: ‘Prensa libre, palabras responsables, periodismo con dignidad’

Crucial conversatorio con el salvadoreño Óscar Martínez, Iris Marín Ortiz, Catalina Botero y Juan Roberto Vargas sobre la responsabilidad de los medios de comunicación.

5:30 P. M. Sala Madre Josefa del Castillo: ‘El duelo en la literatura infantil’

Marcela Guiral, Andrés Castañeda y el periodista Fernando Araújo Vélez abordan cómo los niños enfrentan la pérdida de sus seres queridos y abandonan su mirada infantil.

5:30 P. M. Carpa Cultural: No, no pienses en un conejo blanco, de Patricio Pron

Pilar Quintana y Patricio Pron conversan sobre este nuevo libro y la aceleración en la sociedad contemporánea, que ha influido en las relaciones y la capacidad de empatía.

SÁBADO 25

11:30 A. M. Auditorio José Asunción Silva: El pez muere por la boca, de Santiago Escobar-Jaramillo

Este proyecto transmedia reflexiona sobre la resiliencia de pueblos costeros de Colombia en contextos de narcotráfico y pesca. La comunidad participó en la creación de las imágenes.

1:00 P. M. Gran Salón E: El ejército ciego, de David Toscana

Con humor feroz y una épica inolvidable, el autor español convierte la derrota en leyenda y la ceguera en una forma luminosa de rebeldía (Premio Alfaguara de Novela 2026).

1:00 P. M. Auditorio José Asunción Silva: La hora de los lobos, de Mario Mendoza

Bruno Guerrero, un joven marginado, asediado por la muerte desde niño, se forja un camino en el hampa. En la cárcel conoce a un hombre brillante y terrible, su maestro y protector.

5:30 P. M. Gran Salón E: El universo inquietante, de Anna Starobinets

Reconocida por renovar la literatura de terror, Starobinets ha construido relatos en los que lo inquietante revela las tensiones de la vida cotidiana.

7:00 P. M. Sala Jorge Issacs: ¿Estaremos viejosos?, de Fabián Rivas

De alquilar películas a maratonear series, de rebobinar casetes a las playlists de los noventa, de las páginas amarillas a bloquear contactos, Rivas mira a toda una generación.

DOMINGO 26

11:30 A. M. Auditorio José Asunción Silva: ‘Colombia y su maldito poeta. Lectura de aparte del próximo libro de William Ospina’

1:00 P. M. Gran Salón A: Literatura y fútbol: El brazalete Moore

En su novela, el escritor David Quitián recupera un hecho histórico para Bogotá: el robo del brazalete Moore en 1970.

4:00 P. M. Sala Filbo LIJ: ‘Cien años del nacimiento de Rocío Vélez de Piedrahíta’

Esteban Duperly, Yolanda Reyes y Yamili Ocampo recorren su aporte a la literatura infantil y juvenil, su fomento de la lectura, su periodismo y más.

5:30 P. M. Gran Salón C: Noche negra, de Pilar Quintana

Un evento inquietante desata este relato de la novelista valluna sobre el miedo, la soledad y la fragilidad humana frente a la naturaleza y los otros.

7:00 P. M. Gran Salón E: ‘Entre la penumbra y el ritual: las revelaciones de la naturaleza’

Conversación entre Diana Obando y Benoît Coquil sobre cómo la literatura convierte la naturaleza en escenario de revelación.

LUNES 27

1:00 P. M. Gran Salón B: ‘Narrativa india contemporánea: la voz de Krishna Candeth’

Nacido en Kerala, Candeth explora el amor, la amistad y el hogar. Su novela All Stray Dogs Go to Heaven teje pasado y presente, sueños y realidad, desde múltiples perspectivas.

5:30 P. M. Carpa Cultural: Tres cuentos espirituales, de Pablo Katchadjian

Laguna Libros trae al escritor argentino, que presentará este trabajo que entrelaza en tres relatos lo absurdo, lo filosófico y lo humorístico.

5:30 P. M. Gran Salón E: Cositas, de Benoît Coquil

La novela sigue la historia de los hongos psilocibios, que, desde los rituales de la chamana María Sabina en Oaxaca, terminaron transformando la cultura del siglo XX.