ARCADIA: Con espectáculos en Río de Janeiro, Nueva York, Bogotá y otras ciudades, ¿cómo balancea la profesión con los agites personales?

DEBORAH COLKER: Buena pregunta… Recién estrené una ópera, el 14 de mayo, en Nueva York, sobre la vida de Frida Kahlo y Diego Rivera. Y luego, de regreso a Río, tuve una semana de un espectáculo con mi compañía en el tremendo Teatro Municipal de Río, todo mientras que Ovo, mi espectáculo para el Cirque du Soleil, viaja por el mundo. Es mucha cosa, y en medio de eso uno necesita tiempo para su vida. ¡Si no se tiene vida, no se tiene nada que decir!

NIJINSKY, PINA BAUSCH Y ENORMES COMPAÑÍAS ABORDARON ESTA PIEZA DE STRAVINSKI. COLKER CREÓ ALGO AUTORAL, SU MIRADA SOBRE NUESTRA EVOLUCIÓN.

Pero estoy bien, y muy contenta de llevar Consagración a Colombia, una obra que se estrenó en Brasil en 2024 y que esperé mucho tiempo para hacer. Es un clásico que provocó muchas reacciones en el mundo de la música y de la danza, porque Stravinski escribió esta composición para ser bailada. Yo asumí la misión de definir cuándo hacerla y cómo hacerla, porque mucha gente importante la hizo en el pasado, grandes orquestas y grandes compañías de danza. Nijinsky fue el primer coreógrafo en abordarla, Pina Bausch también, The Joffrey Ballet y la Béjart Ballet la hicieron. Yo quería crear algo autoral, ofrecer mi mirada sobre el camino evolutivo del hombre, algo muy primitivo, muy orgánico, muy visceral e intenso. Porque es una música muy intensa. Y la llevamos ahora a Colombia, ¡un país como el nuestro, lleno de latinos sin miedo de los colores y con selva amazónica!

ARCADIA: Sigue a esos creadores, bailarines y compañías icónicas que adaptaron este trabajo y se pone en zapatos de gigantes. ¿Cómo la asumió?

D.C.: Esta es mi Consagración, y en ella usé mucho bambú, plantas que son como la extensión del cuerpo, representan a la selva en el escenario y me dieron la posibilidad de contar esa historia. Somos 16 bailarines en el escenario, y tenemos 180 bambúes de 4 metros de altura con los que hacemos muchas arquitecturas. Construimos un barco para conquistar las aguas, una ‘oca’ (una casa de los pueblos originarios de Brasil y de todo el mundo, donde dormían para protegerse de la noche, del frío, de la lluvia)... Vamos construyendo la historia: la selva, el espacio, el cielo, el barco, la casa.

Esta Consagración es muy primitiva. Empieza con las bacterias, con los animales del principio, las especies chiquitas, anfibias, unicelulares, que acostumbraban a vivir en el agua y en la tierra. Y estas bacterias empiezan a crecer, y tienen que luchar para vivir, tienen que conseguir alimento y defenderse contra animales muy grandes. Entonces, ahí yo hablo de la caza, la agricultura, la plantación y la lucha entre animales para sobrevivir, una lucha que tenemos hasta ahora.

No es un espectáculo activista ni panfletario, pero toca el tema de la naturaleza, habla de que esta Tierra es nuestra casa, nuestro aire, nuestra agua, nuestro fuego. De hecho, abordo una historia muy linda de los pueblos originarios sobre cómo empieza el fuego, sobre dónde está y cómo la gente de la Tierra (ahora Homo sapiens, pero no siempre) se movía para traer el fuego. Parto de leyendas, ficciones, de historias reales contadas a través de la oralidad que nos pertenecen y son lo que somos, porque somos nuestra ancestralidad. Brasil no empezó en 1500; empezó mucho antes de que los portugueses llegaran, con el fuego, la selva, la tierra, las aguas y toda una evolución hasta nuestros tiempos. Yo propongo un poco de imaginación sobre esta creación.

ARCADIA: No es panfletario, pero hablar de naturaleza hoy se ha vuelto un tema polémico...

D.C.: Cuando hice mi espectáculo Ovo para Guy Laliberté, quien era el dueño del Cirque du Soleil, me dijo que hablara de la naturaleza, del agua, de algo del medio ambiente. Yo le pregunté si tenía que ser algo manifiesto y él me ofreció una respuesta buenísima: “No. Con tratar ese tema es suficiente. Estás hablando con el arte, con la danza”. El arte y la danza tienen que conjurar la belleza, el encantamiento, la imaginación. La provocación está adentro cuando bailamos, cuando abordamos este tema tan inmediato.

ARCADIA: Ha venido a Colombia tres veces, en 2004, 2013 y 2015. ¿Alguna memoria particular de este país?

D.C.: La memoria que tengo es de mucha música, de alegría. De estar dentro de una buseta llena de gente con vitalidad y una calle potente. Me encanta la gente que experimenta la calle con una dinámica de vida, porque todos tenemos nuestra particularidad, pero es importante la vida colectiva, en sociedad, el intercambio con los otros y la calle. Mi memoria de Colombia es muy alegre.

ARCADIA: ¿Hay espectáculos que la han marcado más que otros?

D.C.: Todos mis espectáculos tienen una vida propia y me enorgullecen. En cada uno demoro tres años, estudiando, trabajando, pensando, creando, totalmente envuelta en su potencia, en su historia. Recientemente, esta obra que hice sobre Frida y Diego, que habla de la muerte, de la vida, del arte, agitó muchas emociones dado todo lo que pasa en mi vida, y cambió mucho mi pensar sobre la espiritualidad y lo que pasa entre la vida y la muerte…

Cuando hice Ovo con el Cirque du Soleil, miré a los insectos, los chiquitos, que son como los nadie, que uno pisa con la pata como si nada, ¡pero que son muy importantes! Y elevé preguntas sobre qué es la vida, sobre el valor de la vida, lo que es bailar, la danza, el cuerpo. ¿Dónde empieza la danza? ¿En el cuerpo? ¿El cuerpo produce movimiento con idea y significado?

ARCADIA: En estos 33 años dirigiendo su compañía, ¿la tecnología ha impactado su manera de transmitir la pasión o lo que quiere?

D.C.: La tecnología, especialmente para la salud, para las investigaciones de cáncer o de enfermedades raras, es muy importante. Nosotros empezamos siendo pocos en este mundo, ahora somos muchos, y queremos vivir cada vez más, 90, 100 años, y para eso necesitamos la tecnología para ayudarnos; si no, no es posible. Pero la tecnología es solo una parte, no es la artesanía, las manos, la inteligencia…

Tenemos la inteligencia artificial, pero tenemos nuestra inteligencia también. Yo no tengo miedo del desarrollo de la tecnología, pero tenemos que prestar atención, estar alerta, porque no sirve para hacerlo todo. Un espectáculo de danza en vivo es con la gente bailando, haciendo la fuerza, mostrando la fragilidad, el silencio, el grito, la muerte, la vida, la alegría, el dolor, la poesía. Entonces, como formamos parte activa, tenemos que sostener la rienda. Además, con todo lo que está aconteciendo en el mundo, tenemos que cuidar la naturaleza (si no, no tenemos dónde vivir) y ejercer nuestro buen sentido.

ARCADIA: ¿Qué sueño le hace falta cumplir?

D.C.: Yo creo que mi sueño es cuidar de las personas que están cerca de mí. Mi sueño es conseguir la madurez de entender que el mundo no es sobre nosotros, sino que formamos parte de él. Y cada día poder pensar y crear.

No tengo muchos más sueños, como “¡Oh, quiero hacer este espectáculo en el cielo!”. Yo quiero pensar, tener inteligencia para escoger un buen camino de vida para mí, mis amigos, mi familia y todas las personas. Cambié con el tiempo. ¡El tiempo tiene sabiduría! A mí me gusta trabajar, provocar, estar en la dinámica, pero también quiero ser, quiero caminar.

ARCADIA: Marie Chouinard dejó un espectáculo excepcional aquí, Germaine Acogny ha dejado huella. Hay figuras femeninas muy destacadas, como usted. ¿Qué tanto machismo se vive en la danza?

D.C.: No puedo decir que no hay machismo. El machismo es parte de este mundo, todo el tiempo. Y en la danza se da la lucha de las mujeres, que han tenido que luchar desde abajo, porque en un principio no tenían cómo hacer algo. En un matrimonio de hombre y mujer, el hombre podía hacer de todo y la mujer no... Ahora, además de esa lucha, se hace activismo por las razas, las religiones y las distintas personas que no son aceptadas porque son diferentes. Necesitamos respeto.

Cada uno es único y tiene su lugar en el mundo. Y uno puede querer ser diferente y puede haber nacido diferente, pero si está en este mundo es porque tiene que estarlo, y tiene que poder escoger qué hacer, vivir su libre albedrío. Pero vivimos un momento político terrible. Ustedes están en una elección dura, lo sé. Lo que pasa con el fascismo, con la derecha y la izquierda en el mundo es algo inimaginable. Y ya no hay cómo negar la estupidez en el mundo, de la que hacen parte el machismo, el prejuicio, el fascismo…

ARCADIA: ¿Algo que le quede por compartir?

D.C.: Sí, ¡que vayan al teatro! Yo sé que están en elecciones, pero vamos a Colombia con un espectáculo genial, una producción grande con luces bonitas. Vayan al teatro para mirar arte, para mirar danza. Este es mi mensaje.

ARCADIA: ¿La emociona algo del Mundial de fútbol? o no tanto…

D.C.: A mí me gusta el fútbol, pero estoy un poco desanimada con Brasil y también con todo...

*‘Consagración’ se presenta el jueves 18, viernes 19 y sábado 20 de junio, a las 7:30 p. m. Puede conseguir entradas en este enlace.

La exposición se desarrolla en un escenario de gran valor histórico y patrimonial: la Iglesia Saint-Jacques de Lisieux, una construcción gótica del siglo XV que fue desacralizada en 1965 y posteriormente transformada en centro cultural. Actualmente, el espacio acoge propuestas artísticas contemporáneas que dialogan con la historia, la espiritualidad y el patrimonio arquitectónico del lugar.

Para esta edición de Meditation Lumière, María Mercedes Sánchez presenta las obras Llámame, La Inmaculada Concepción, La Virgen del supermercado y La Virgen lectora, piezas que hacen parte de una investigación artística centrada en los cruces entre espiritualidad, cultura popular y lenguajes visuales contemporáneos.

La ciudad de Lisieux, ubicada a cerca de 200 kilómetros de París, es reconocida internacionalmente por albergar el Santuario de Santa Teresa del Niño Jesús, considerado uno de los principales centros de peregrinación de Francia y uno de los lugares de mayor relevancia espiritual para el catolicismo moderno. Cada año recibe a cientos de miles de visitantes provenientes de distintas partes del mundo.

En este contexto, la participación de Sánchez fortalece la proyección internacional de una práctica artística que toma imágenes profundamente arraigadas en la memoria colectiva latinoamericana y las traslada a escenarios inspirados en la cultura visual contemporánea. A través del collage, la luz artificial, el kitsch y la apropiación simbólica, la artista construye altares contemporáneos donde lo sagrado convive con elementos cotidianos, invitando a nuevas formas de reflexión y contemplación.

“Me atrae la idea de que estas obras lleguen a un lugar donde durante siglos las personas buscaron respuestas, consuelo o silencio. Presentarlas allí no es solo exhibirlas en otro país, sino ponerlas a conversar con una historia y una sensibilidad distintas. Para mí, esa posibilidad de generar nuevas lecturas desde una mirada latinoamericana es lo más valioso de esta experiencia”, afirma la artista.

Formada inicialmente como comunicadora social y periodista, María Mercedes Sánchez ha desarrollado una trayectoria interdisciplinaria entre Colombia y México, integrando estudios en artes plásticas, producción audiovisual, historia del arte, curaduría y gestión cultural. Su trabajo ha sido exhibido en galerías e instituciones culturales de Bogotá y Bucaramanga, y recientemente fue seleccionada para participar en eventos internacionales como la Primera Bienal de Artistas Colombianos en España y Comparaisons 2026 en el Grand Palais de París.

Exposición: Meditation Lumière

Lugar: Iglesia Saint-Jacques, Lisieux, Normandía, FranciaFechas: 12 al 14 de junio de 2026Entrada: Libre

Calificándolo como “una de las figuras más importantes del arte contemporáneo tanto en el siglo XX como en el XXI”, Erica Bolton, responsable de la agencia que lo representaba, informó en un comunicado que “falleció en paz en su casa”.

Su legado abarca pintura, dibujo, fotografía, escenografía, arte digital y vidrio, sintetizando tradición e innovación bajo su célebre idea de “la mano, el ojo y el corazón”.

Figura del pop art de los años 60, el artista británico destacó por su capacidad de reinventarse constantemente, dominando primero las técnicas académicas antes de apropiarse de las nuevas tecnologías, con obras realizadas en iPad ya con más de 70 años.

En sus últimos años, trabajó entre Normandía (noroeste de Francia) y Londres, produciendo nuevas series digitales y pinturas, y fue objeto de importantes exposiciones internacionales, incluida la gran retrospectiva de 2025 en la Fundación Louis Vuitton de París.

Una carrera de siete décadas

“Su carrera, que se extiende a lo largo de siete décadas, y su obra prolífica se caracterizan por un enfoque multimedia de la creación de imágenes, una reflexión intelectual sobre la naturaleza de la representación y de la perspectiva, así como un compromiso constante con la celebración y la representación del mundo que lo rodea”, subrayó este viernes su agente.

Hockney era uno de los artistas más cotizados del mundo.

Una de sus obras, Portrait of an Artist (Pool with two figures), subastada por 90,3 millones de dólares en 2018 en Nueva York, se convirtió en su momento en la obra más cara de un artista vivo vendida en subasta, récord posteriormente superado por la escultura del conejo del estadounidense Jeff Koons.

Sus obras más emblemáticas, con colores audaces y una perspectiva singular, entraron en la cultura popular, como A Bigger Splash (1967), que representa el chapoteo en la piscina de una villa californiana bañada por el sol, símbolo de placer y sensualidad.

Nacido el 9 de julio de 1937 en Bradford (norte de Inglaterra), en una familia humilde, Hockney tuvo que enfrentarse a los prejuicios de la Inglaterra de posguerra, comprendiendo muy pronto su homosexualidad y su vocación artística.

“Deja atrás a su compañero de larga data, Jean-Pierre Gonçalves de Lima, a su sobrino nieto Richard, quien le sirvió como asistente de estudio durante sus últimos años, a sus hermanos Philip y John, así como a numerosas sobrinas, sobrinos, sobrinas nietas y sobrinos nietos”, añadió Erica Bolton, su agente, este viernes.

Hockney, objetor de conciencia como su padre, realizó el servicio militar como enfermero antes de ingresar en el prestigioso Royal College of Art de Londres en 1959.

Su pintura Doll Boy llamó la atención del marchante John Kasmin, quien lo invitó a tomar el té cuando aún era estudiante. Poco después de graduarse, Hockney realizó su primera exposición individual y comenzó a hacerse un nombre en el mundo del arte.

La naturaleza “fuente de todo”

Hockney se instaló en California en 1964, donde comenzó a pintar los paisajes luminosos que lo convirtieron en figura del pop art, especialmente gracias a su serie de piscinas.

Viajó también por Francia, Marruecos, Londres, Nueva York y Los Ángeles, retratando a amigos, familiares y amantes en escenas cotidianas.

Después de la pintura, exploró el teatro, el grabado y la fotografía, creando en los años 80 composiciones fotográficas múltiples para superar la visión limitada de una sola imagen.

En los años 90 regresó con frecuencia al condado Yorkshire, su lugar de nacimiento, donde redescubrió el paisaje y evolucionó hacia la pintura de paisaje, con influencias del fauvismo, Cézanne y Van Gogh.

Más tarde adoptó tecnologías como el Polaroid, el vídeo y finalmente el iPad, con el que realizó numerosas obras expuestas internacionalmente.

“La naturaleza es la fuente de todo. Mi alegría viene de la forma en que miro el mundo” decía en 2021. También afirmaba que solo retrataba a personas que conocía bien, razón por la cual rechazó pintar a la reina Isabel II.

Hockney perdió audición a partir de los 40 años y sufrió un leve accidente cerebrovascular en 2012. En 2019 se instaló en Normandía antes de regresar a Londres en 2023.

*Información de Pablo San Román * AFP.

Como homenaje a las historias que los entrelazan, el Festival Gabo, con el apoyo de la Fundación Rogelio Salmona y la Red Distrital de Bibliotecas Públicas de Bogotá (BibloRed), abre la convocatoria Narrar el espacio, compuesta por cuatro talleres (audio, fotografía, narrativa gráfica y texto) que recibirán a 15 participantes, cada uno, y abordarán los vínculos entre Gabo y Salmona desde la Biblioteca Pública Virgilio Barco, una de las obras más representativas del arquitecto colombo francés.

En 2026, con la reflexión sobre estos legados, se celebra un doble hito: el 25° aniversario de la Biblioteca Pública Virgilio Barco y de BibloRed, el sistema que la acoge. En el marco de la celebración, este emblemático espacio se convertirá en el escenario de múltiples talleres y actividades de la antesala y la programación del Festival Gabo, que tendrá lugar en Bogotá del 24 al 26 de julio.

Narrar el espacio busca acercar a las personas participantes al legado artístico, literario y arquitectónico de estas figuras esenciales para la historia cultural del país. Este ciclo de formación está dirigido a escritores, periodistas, fotógrafos, diseñadores, productores sonoros, podcasters y a todos los amantes de las historias, quienes podrán postularse antes del miércoles 17 de junio de 2026 a las 11:59 p. m. (Colombia).

Cuatro talleres entre Gabo y Salmona

*Taller de fotografía: Contar lo cotidiano, con Juan Camilo Roa (Colombia) Viernes 26 y sábado 27 de junio de 2026

A partir de lo cotidiano, tal como lo proponía Gabo, esta actividad propone capturar una serie de imágenes que recorrerán las formas curvilíneas de este espacio, las sombras que se proyectan a distintas horas del día y las innumerables historias que convergen en esta obra creada por Salmona.

Bajo la dirección de Roa, los participantes desarrollarán una serie de tres a cinco fotografías acompañadas de texto. A través de un ejercicio de observación, sensibilidad y paciencia, construirán relatos capaces de narrar una historia completa desde la imagen. Postúlese en este enlace.

**Taller de audio: Entre la realidad y el espacio, con Laura Ubaté (Colombia) Viernes 3 y sábado 4 de julio de 2026

Este taller teórico-práctico propone explorar nuevas formas de contar historias a través de la producción sonora e invita a experimentar con las posibilidades narrativas del audio a partir de la escucha, la memoria y la relación con el espacio.

Las personas participantes reflexionarán sobre la manera en que la arquitectura también puede narrarse desde el sonido. A través de ejercicios de escucha y exploración sensorial, el taller busca responder una pregunta central: ¿cómo suenan la Biblioteca Pública Virgilio Barco, las Torres del Parque, el Eje Ambiental o incluso la Casa de Gabo en Cartagena? Postúlese en este enlace.

***Taller de narrativa gráfica: Realidades imaginadas, con Juan David Quintero Arenas (Yeidi) y Daniel Jiménez Quiroz (Colombia) Viernes 17 y sábado 18 de julio de 2026

Las personas participantes evocarán el universo de Cien años de soledad para realizar un ejercicio de creación inspirado en el realismo mágico. A partir de la observación de la Biblioteca Pública Virgilio Barco y de las dinámicas cotidianas que la atraviesan, crearán historias ilustradas donde la fantasía dialogue con la realidad.

Este espacio invita a la reflexión sobre las formas en que la ciudadanía habita la Biblioteca Pública Virgilio Barco: sus recorridos, encuentros y silencios. La arquitectura en espiral de la biblioteca, semejante a un caracol, servirá como punto de partida para imaginar nuevas realidades y transformar lo cotidiano en una experiencia extraordinaria. Postúlese en este enlace.

****Taller de texto: Escribir el espacio, con Salomé Gómez-Upegui (Colombia) Viernes 24 de julio de 2026

Este taller teórico-práctico explorará la escritura de crónica a partir de la paciencia y la experiencia del espacio. Inspirado en la mirada narrativa de Gabriel García Márquez, quien entendía que las historias nacen de los detalles y de la forma en que habitamos el mundo, este espacio invita a las personas participantes a escribir un relato breve desde la experiencia de recorrer y habitar la Biblioteca Pública Virgilio Barco.

A través de ejercicios de conversación y escritura, las personas asistentes reflexionarán sobre la relación entre arquitectura, memoria y vida colectiva. La obra de Rogelio Salmona, concebida como una arquitectura abierta al encuentro ciudadano, servirá como punto de partida para pensar cómo los espacios también cuentan historias y cómo influyen en la manera en que las personas se relacionan, permanecen y construyen comunidad dentro de la ciudad. Postúlese en este enlace.

El legado de dos genios

García Márquez nació el 6 de marzo de 1927 en Aracataca, Magdalena, un lugar del Caribe colombiano que sirvió de inspiración para sentar las bases de su universo narrativo y que constituyó el punto de partida de la creación de Macondo.

El 28 de abril de ese mismo año, en París, nació Rogelio Salmona. Cuando tenía cuatro años, su familia se estableció en Colombia, país donde desarrolló gran parte de su vida y consolidó una de las trayectorias más importantes de la arquitectura latinoamericana.

Ambos artistas sobresalieron en sus respectivos campos y fueron reconocidos internacionalmente. García Márquez recibió el Premio Nobel de Literatura en 1982 y Salmona obtuvo la Medalla Alvar Aalto en 2003, uno de los galardones más prestigiosos de la arquitectura mundial. Sus obras, desde la ficción y la realidad, se han convertido en referentes indispensables en América Latina y el Caribe.

Gabo y Salmona se conocieron a comienzos de la década de los cincuenta en París, ciudad en la que coincidieron durante una etapa marcada por la formación intelectual y las dificultades económicas. Allí también hicieron parte de un círculo de artistas e intelectuales latinoamericanos y caribeños que por entonces vivían en la capital francesa. Varios años después, en un reencuentro en Bogotá, Salmona diseñó la que sería la residencia de García Márquez en el centro histórico de Cartagena.

Libros como Cien años de soledad, El amor en los tiempos del cólera y Crónica de una muerte anunciada afianzaron a García Márquez como uno de los escritores más importantes de la lengua española, capaz de transformar la realidad en una puerta hacia el pensamiento crítico y el asombro ante los acontecimientos cotidianos.

De un modo similar, Rogelio Salmona entendió la arquitectura como una forma de construir ciudadanía a través del espacio, una visión que plasmó en proyectos emblemáticos de Bogotá como las Torres del Parque, el Eje Ambiental, el Archivo General de la Nación, el Centro Cultural Gabriel García Márquez y la Biblioteca Pública Virgilio Barco. Aunque trabajaron en lenguajes distintos y desarrollaron una voz propia, ambos compartieron una profunda sensibilidad por la memoria, la vida cotidiana y la relación entre las personas y sus territorios, dejando obras que transformaron la manera de narrar y habitar América Latina.

*Más sobre la oferta de talleres de la Fundación Gabo, en este enlace.