El próximo 21 de junio se llevará a cabo la segunda vuelta presidencial, en la que Iván Cepeda y Abelardo de la Espriella se enfrentarán para definir quién asumirá la presidencia del país durante los próximos cuatro años.

En medio de la expectativa que rodea este momento político, el cine se convierte en una alternativa para conocer distintas miradas sobre el mundo electoral.

Estas son cinco películas sobre elecciones presidenciales que pueden convertirse en el plan ideal para el fin de semana electoral:

La dictadura perfecta (2014)

Luego de recibir un soborno millonario, una importante cadena de televisión pone en marcha una estrategia basada en información engañosa para mejorar la imagen pública de un reconocido político señalado por corrupción.

Experta en crisis (2015)

Un candidato presidencial de Bolivia, rezagado por su bajo porcentaje en las encuestas, contrata a un grupo de asesores estadounidenses liderado por Jane Bodine (interpretada por Sandra Bullock), una estratega que regresa a la política para enfrentarse a su antiguo rival.

Mientras ambos compiten por influir en la campaña, salen a la luz las tensiones y estrategias detrás del poder.

La cortina de humo (1997)

Días antes de enfrentar su proceso de reelección, el presidente de Estados Unidos queda envuelto en una controversia que amenaza con afectar su imagen pública. Para reducir el impacto mediático del escándalo, desde su círculo más cercano surge una estrategia inesperada: fabricar una crisis internacional que concentre la atención de los medios.

Con ese objetivo, uno de sus asesores recurre a un reconocido productor de Hollywood para construir una guerra ficticia en Albania y presentar al mandatario como el líder que logra resolver el conflicto frente a las cámaras.

La hora del cambio (2017)

Cansados del desorden y el deterioro de su pueblo en Sicilia, los habitantes de Pietrammare eligen a un nuevo alcalde que promete imponer orden y hacer cumplir la ley.

Sin embargo, sus intentos por cambiar las costumbres y enfrentar la corrupción terminan generando rechazo entre los propios ciudadanos.

El político (1949)

Willie Stark, un hombre reconocido por su integridad y determinación, decide iniciar una carrera política con la intención de generar cambios. Sin embargo, al descubrir las dinámicas de poder y las prácticas poco transparentes del entorno, termina alejándose de sus ideales.

Después de llegar al cargo de gobernador, comienza a consolidar su influencia controlando medios de comunicación y utilizando su posición para mantenerse en el poder a cualquier costo.

El candidato (2017)

La historia sigue la campaña presidencial de Gary Hart en 1988, cuando su regreso como uno de los favoritos del Partido Demócrata se vio afectado por la difusión de un escándalo relacionado con una presunta relación extramatrimonial que terminó cambiando el rumbo de su aspiración política.

El último hurra (1958)

Tras concluir su periodo de gobierno, Frank Skeffington, un experimentado alcalde de origen irlandés en una ciudad de Nueva Inglaterra, busca mantenerse en el cargo presentándose nuevamente a elecciones.

En medio de la campaña, sus allegados le sugieren modificar su forma de hacer política, ya que aunque enfrenta a un candidato con poca experiencia, este tiene el respaldo de los grupos con mayor poder e influencia en la ciudad.

Este comentario, entiendo que sarcástico, hace referencia al origen bostoniano de Matt Damon y al hecho de que en el estado de Nueva York hay, efectivamente, una ciudad llamada Ithaca. Me parece una de las reacciones más sagaces de la plétora de críticas y bromas que han asolado la esfera digital desde el 5 de mayo, día del lanzamiento del segundo tráiler de la Odisea de Christopher Nolan.

Es una reacción recurrente cada vez que se anuncia el estreno de una película ambientada en el pasado, ya sea histórica o mitológica. Pero una superproducción sobre el texto homérico, de la mano de un director tan reconocido, son palabras mayores. Así que durante mayo y junio sí que ha ardido Troya.

La Antigüedad (mítica) en pantalla

Ciertamente sería difícil recoger en pocas palabras la diversidad de reacciones que ha suscitado el tráiler. Algunas de las líneas maestras han sido las siguiente: es un escándalo que Helena de Troya esté interpretada por una actriz negra; cómo va a ser Menelao calvo; Aquiles no puede ser un actor trans; la ambientación es de todo menos clásico/mediterránea, el atrezzo y la vestimenta no se ajustan al contexto histórico; el acento de los actores no se parece mucho a cómo sonaría el de los héroes míticos; los diálogos son presentistas; etc.

Ninguna de las críticas expuestas es novedosa. Cuestiones similares se plantean cada vez que se estrenan películas situadas en períodos como la Antigüedad o la Edad Media. Aunque de base hay una diferencia importante en este caso: estamos ante la adaptación de un poema épico. Una epopeya con contenido mitológico que difícilmente se presta a una crítica en los términos en los que se suele aplicar al cine de ambientación histórica.

Ciertamente, sería de agradecer que los directores admitiesen sin complejos que sus adaptaciones son creaciones artísticas localizadas en un pasado remoto, pero sin ninguna pretensión de veracidad histórica. Asumamos que no son historiadores, filólogos, arqueólogos, ni divulgadores, son artistas tratando de promocionar y defender sus decisiones.

El cine difícilmente puede ajustarse a las exigencias metodológicas y teóricas de un ensayo historiográfico. No es necesario, tiene otros objetivos y condicionantes, económicos, lúdicos, técnicos e ideológicos; el análisis de la recepción audiovisual de la Antigüedad ayuda a resituar toda esta polémica.

El ‘espíritu homérico’

En este sentido, se podría decir mucho sobre la denominada “cuestión homérica”. La Odisea fusiona en su narración diversos periodos históricos (época micénica, Edad oscura e inicios de la época arcaica), con toda una serie de elementos mitológicos y ficciones literarias que, por otro lado, son una fuente histórica fundamental para conocer la sociedad del siglo VIII a.e.c. y, en menor medida, los siglos previos.

Hasta algún traductor reciente de la Odisea, filólogo de profesión, se ha preguntado, respecto a la fidelidad al texto original, “a qué debemos jurar dicha fidelidad: ¿a un supuesto ‘espíritu homérico’ acaso? Estaríamos de enhorabuena si lográsemos saber en qué consiste tal espíritu”.

La realidad es que la obra de Homero se reescribe y actualiza de forma ininterrumpida desde la propia Antigüedad. Ahí reside precisamente su naturaleza de obra clásica. Nolan solo ha elegido su propio estilo.

El cine de Nolan y otras referencias visuales

El despliegue de medios técnicos, la elección del reparto, la gama de colores, las referencias al género de superhéroes, Batman incluido, y muchos elementos más que el tráiler no permite adelantar, llevan la firma de Nolan. Es su Odisea, suya y de su equipo de producción, y, faltaría más, disponen de toda la libertad artística para que sea única y novedosa.

Por supuesto, somos libres de denostarla cuanto queramos, pero pienso que es más interesante analizarla críticamente. Está rodada, entre otros lugares, en diferentes enclaves del Mediterráneo, pero si no luce igual que unas vacaciones en una playa de Mykonos, quizá se deba a que los juegos cromáticos de la película también pretenden representar algo sobre la historia que cuenta: un hombre traumatizado por la guerra y obsesionado con regresar al hogar.

Tampoco podemos olvidar que esta estética puede responder a una tendencia muy familiar en el cine histórico/fantástico más reciente. Algo que con cierta ironía se ha llamado “filtro medieval”, pero que buena parte de las producciones recientes sobre la Antigüedad también aplican y que podría resumirse en un pasado sucio, oscuro y con mucho cuero.

La fórmula visual y la estética “neomedieval” se ha popularizado a través de producciones como Vikingos, Juego de tronos y sus precuelas. Y funciona. A mi parecer, la caracterización de los lestrigones o de los barcos (vikingos) no es casual.

Homero y la cultura universal

La de Nolan es hija de su tiempo, como todas las odiseas. Claro que destila ideología; la de Homero también: la de las élites aristocráticas griegas del siglo VIII a.e.c. La Odisea es una obra inmortal precisamente porque ha sido reinventada de forma ininterrumpida en todo tipo de formatos artísticos y también por culturas diversas a las occidentales, desde el islam medieval, al manga japonés de los 80.

Por supuesto, las culturas europea y estadounidense han sido las más prolijas en este sentido. Más allá de toda la pintura –desde la cerámica ateniense y los frescos romanos hasta la Nausicaa del pintor William McGregor Paxton– o la escultura, hay obras cumbre que no presentan precisamente una adaptación apegada al relato clásico, como el poema de Kostantínos Kafavis, Ulises de James Joyce, la Odisea de Nikos Kazantzakis u O Brother, Where Art Thou?, la película de los hermanos Coen.

La obra homérica se ha llevado a la pantalla en diversas ocasiones, si bien el personaje de Ulises está presente en otras tantas adaptaciones de la Ilíada o el ciclo troyano. Troya (2004) es sin duda la que más ha marcado el imaginario colectivo del siglo XXI. Una película también muy criticada en su momento, que ahora ciertos sectores de las extremas derechas han recuperada como supuesto emblema de la masculinidad y la épica perdida. Ahí sí que estarían bien representados Aquiles y Helena de Troya, dicen, no mediante un actor trans y una actriz negra.

Si lo que buscan son antecedentes culturales, la primera actriz negra, que sepamos, que interpretó a Helena, lo hizo junto a Orson Welles en el París de 1950 y el muy recomendable cómic La Cólera (2020) presenta un Aquiles que experimenta una transición de género.

¿A quién pertenece la Odisea? A la humanidad, yo diría.

¿Qué Antigüedad para el siglo XXI?

De la diversidad de reacciones al tráiler podemos extraer una conclusión incuestionable: la importancia que aún damos a las figuras históricas y míticas de la Antigüedad para conformar nuestros propios imaginarios e identidades en el siglo XXI.

No es un tema baladí. Elon Musk y las ultraderechas internacionales lo entienden como un elemento más de su “guerra cultural”, en su defensa de una “civilización occidental” inventada y supremacista blanca.

Por su parte, una Helena negra apela a la identidad cultural afroamericana, aferrándose a una supuesta verosimilitud racial con argumentos historiográficos que fueron un revulsivo importante en su momento, pero que se han superado.

Las versiones (eco)feministas, pacifistas, o proLGTBIQ+ del mito proliferan, frente a lecturas reaccionarias que nunca dejan de resurgir. Se trata de un eterno diálogo con un pasado mítico que no pierde utilidad para repensar el presente.

Las y los profesionales de las Ciencias de la Antigüedad bien lo saben. El inminente estreno ya estimula la divulgación y la investigación sobre Homero y su recepción. Los ecos y viajes de la Odisea siempre resuenan. Estamos, sin duda, ante el regreso de Ulises. Buen momento, por tanto, para unirse al evento de nuestro proyecto y reflexionar sobre qué Antigüedad queremos para el siglo XXI.

*Profesor Ayudante Doctor en el área de Historia Antigua del Departamento de Estudios Clásicos, Universidad del País Vasco / Euskal Herriko Unibertsitatea.

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Shang-Chi y la leyenda de los Diez Anillos se estrenó en septiembre de 2021, un periodo caracterizado por la reapertura gradual de las salas de cine a nivel global y la imposición de restricciones sanitarias. A pesar de recaudar 432,2 millones de dólares en la taquilla mundial y recibir una respuesta mayoritariamente favorable por parte de la crítica especializada, el contexto global afectó la continuidad inmediata de sus personajes.

En una entrevista concedida al podcast Crew Call del medio estadounidense Deadline, Cretton explicó las razones del prolongado periodo de espera para la segunda entrega:

“Estamos desarrollando una segunda película. Lo que está pasando es lo que ha ocurrido en toda la industria desde que salió esa película. Triunfó, pero también tuvo una situación un poco extraña. Tuvo éxito en un momento en el que estaba entrando una nueva ola de COVID. Así que, aunque fue un éxito, muchos países tenían los cines completamente cerrados en ese momento. Después de eso hubo cambios enormes por todas partes. Es simplemente consecuencia de la industria”.

El anuncio coincide con un periodo de alta actividad para los principales involucrados en la producción original. Destin Daniel Cretton asumió recientemente la dirección de Spider-Man: Brand New Day, la cuarta entrega de la saga protagonizada por Tom Holland, tomando el relevo del realizador Jon Watts. Asimismo, el director viene de liderar la producción de la serie Wonder Man para la plataforma de streaming Disney+.

Por su parte, el actor canadiense Simu Liu, encargado de dar vida al héroe experto en artes marciales, ya ha sido confirmado para integrarse al elenco coral de Vengadores: Doomsday. Esta quinta entrega de la franquicia de superhéroes estará bajo la dirección de los hermanos Joe y Anthony Russo, y tiene su estreno previsto para finales de diciembre de 2026.

La primera entrega de Shang-Chi concluyó con secuencias explícitas que vinculaban al protagonista con los eventos centrales del UCM. Las escenas postcréditos mostraron la interacción del personaje con Bruce Banner (Mark Ruffalo) y Carol Danvers (Brie Larson), estableciendo las bases para su integración en los próximos proyectos colectivos de la franquicia.

Aunque los detalles específicos sobre la trama o la fecha de inicio de rodaje de Shang-Chi 2 no han sido revelados de manera oficial por Marvel Studios, las declaraciones del director confirman que el largometraje permanece en la línea de producción de la compañía, proyectándose como uno de los títulos clave para las etapas posteriores a los próximos eventos de los Vengadores.

La finalización de esta fase trajo consigo la confirmación de una de las novedades más significativas del reparto: el actor estadounidense David Harbour asumirá el papel del Coronel Trautman, un personaje fundamental en el desarrollo de la mitología de la franquicia.

El ingreso de David Harbour al proyecto cinematográfico supone asumir el legado del actor Richard Crenna, quien falleció en 2003. Crenna personificó al Coronel Trautman en la trilogía original que definió el éxito de la saga durante la década de los ochenta: Rambo en 1982, Rambo: First Blood Part II en 1985 y Rambo III en 1988.

Dentro de la narrativa de la saga, Trautman se consolidó como la figura de autoridad y el mentor de John Rambo, siendo el único individuo capaz de mediar con el experimentado soldado en sus momentos de mayor crisis. Frases del personaje de Crenna quedaron grabadas en la cultura popular de la época, reflejando el carácter de la producción.

Harbour llega a este papel tras consolidar su carrera en la última década, principalmente por su interpretación del jefe de policía Jim Hopper en la serie de Netflix Stranger Things. Asimismo, el actor ha tenido un recorrido notable en el cine de entretenimiento, integrando el Universo Cinematográfico de Marvel (UCM) como Red Guardian en las producciones Black Widow y Thunderbolts, además de participaciones en títulos como Suicide Squad, Gran Turismo y The Equalizer.

De acuerdo con los reportes sobre el argumento de la cinta, la trama de John Rambo se situará cronológicamente antes de los eventos narrados en la película de 1982. La historia profundizará en la etapa en que Rambo se desempeñaba como Boina Verde durante la Guerra de Vietnam, periodo en el cual operaba bajo las órdenes directas de Trautman, permitiendo entender el trasfondo psicológico y el trauma posterior del combatiente.

El rol protagónico de un joven John Rambo recae en el actor Noah Centineo, conocido por sus trabajos en producciones de plataformas de streaming y quien recientemente ha estado vinculado a otros proyectos de perfil alto en la industria cinematográfica.

La dirección del largometraje está a cargo del realizador finlandés Jalmari Helander, reconocido por su trabajo en Sisu (2022). La elección de Helander plantea un giro conceptual respecto a las entregas más recientes de la franquicia. Según los informes preliminares de la producción, la intención del cineasta es recuperar la atmósfera intimista y de reflexión de la película original de 1982, distanciándose del formato de acción explícita y masiva que caracterizó a las secuelas posteriores.

El largometraje buscará conectar el legado clásico establecido por Sylvester Stallone con una exploración más pausada sobre el sacrificio, el deber y las secuelas humanas de los conflictos bélicos, devolviendo al personaje a sus raíces de drama psicológico.

“Es interesante. Nosotros creamos tecnología y hay la sensación de que ahora somos esclavos de ella”, reflexiona Pete Docter, director creativo de Pixar, que en entrevista junto a Lindsey Collins, también productora del filme, asegura en todo caso que Toy Story 5 no es una película contra la tecnología, ni que lance un mensaje para demonizar o eliminar las pantallas, sino que busca aprender a convivir con ellas.

Y es que, apuntan, si a los adultos ya nos cuesta entablar una relación sana y equilibrada con los dispositivos, es lógico que a los niños también. “Queríamos ser honestos a la hora de abordar este tema, de mostrar lo complicada que es nuestra relación con la tecnología hoy en día. Y cuando hablamos de niños y tecnología, se trata de una conversación muy compleja y llena de matices”, explica Collins.

La productora de filmes como WALL-E, Buscando a Dory o la más reciente Elio señala que tras presentar esa realidad, lo que hicieron fue tratar a Lilypad, la nueva tablet infantil que hace que Bonnie, la niña protagonista, deje de lado a sus juguetes, no como a una antagonista total sino “como a cualquier otro personaje”. Así, la rival de los juguetes tiene, como estos, sus virtudes y defectos, para intentar no caer en simplismos y “abrir una discusión más amplia” y honesta sobre la tecnología.

“Nosotros creamos tecnología, y luego hay una sensación de que ahora somos esclavos de ella. Y creo que, de una forma un tanto extraña, esto es también lo que nos ocurre en el proceso de contar una historia. Nosotros la creamos, pero en algún punto se convierte en quien está al mando”, apunta Docter.

El aburrimiento como antesala a la creatividad

Y si Toy Story 5 se niega a ser una película anti nada... sí que es, proclama Collins, un decidido alegato en favor del poder de la imaginación y lo que la fomenta en los niños: el aburrimiento. “Una de las cosas de las que nos hemos beneficiado tanto cuando erámos niños es de estar aburridos. Y el efecto de eso, o el resultado o la reaccióna a eso, era que muchas veces recurrías a tu imaginación y empezabas a jugar”, recuerda Collins.

En cambio, ahora mismo, y eso es algo que también refleja la nueva película de Pixar, hay “demasiadas cosas que compiten por la atención de nuestros niños”, lo que hace que sea “muy fácil evitar estar aburrido siendo un niño”.

“Y creo que si hemos llegado a donde estamos ahora es porque estuvimos aburridos muchas veces durante nuestra infancia, así que espero que la película proporcione un poco de esperanza y nos recuerde el poder de jugar, el poder de la imaginación y las conexiones que puedes crear a través de eso”, reflexiona.

Pero además, completa Docter, Toy Story 5 “también reivindica el poder de los errores”. “Creemos que es nuestro deber hacerlo bien a la primera y realmente la única forma de aprender es cometiendo errores. Los personajes en la película cometen un montón de errores y eso es lo que, a largo plazo y no sin dolor y sin sufrimiento, nos hace crecer y entender el mundo”, explica el ganador de tres premios Oscar.

Pixar y el futuro con IA

Un mundo que, asumen, va cada vez más rápido y que ahora está decisivamente marcado por el auge de la inteligencia artificial. Una realidad ante la que Pixar, un estudio que desde sus inicios se ha caracterizado por aunar arte y tecnología, dice tener las cosas claras: el artista seguirá siendo el centro de todo y la tecnología solo una herramienta para llevar a cabo su visión.

“Nuestra filosofía respecto a la tecnología ha sido coherente desde el primer día. Pixar es, en esencia, una empresa tecnológica”, explica Collins, que asegura que la clave es y seguirá siendo “cómo la tecnología proporciona lo que necesitamos para que el artista consiga lo que quiere en la pantalla o, al menos, lo hace más fácil”.

“Y nunca nos hemos planteado una versión de eso, de todo ese mundo, sin todos esos artistas con los que trabajamos a diario. Es por eso que amamos trabajar en Pixar y es por eso que amamos hacer estas películas. Es por el proceso de hacerlas”, sentencia la productora.

*Con información de EuropaPress.

El director aprovechó este proyecto para explorar la conexión cósmica entre sus personajes y ofrecer una breve aproximación a la posibilidad de vida extraterrestre. Sin embargo, durante una conversación con el periodista Domingo en un palco, el cineasta explicó que fue especialmente cuidadoso al momento de decidir qué elementos revelar antes del estreno.

Además, el reconocido director plantea una inquietante reflexión sobre el lugar que ocupa la humanidad en el universo. A través de la historia, sugiere la posibilidad de que la Tierra no sea el único escenario donde existe vida, abriendo la puerta a interrogantes sobre la presencia de otras formas de existencia más allá de nuestro planeta.

En cuanto a su trabajo, Spielberg indica que esta cinta tenía un toque especial, alejado de otras tramas que se consolidaban en este espacio temático.

“Ciertamente ‘Encuentros en la tercera fase’, ‘E.T’ y ‘El Día de la Revelación’ son como tres actos. Creo que ‘El Día de la Revelación’ es la suma de mi interés en este tema, sobre los visitantes no humanos viniendo aquí”, dijo en charla con el podcast Get Rec’d.

“Pero ‘El Día de la Revelación’ no está ni cerca de ser una secuela de ‘Encuentros’. En aquella, cuando todo lo que pasa se revela al público, lo hace de manera privada. El mundo nunca sabe que una civilización extraterrestre y la humanidad se han conocido e intercambiado música y conocimiento. Y además Richard Dreyfuss se va en la nave maestra al final. Nadie descubre eso”, agregó.

En cuanto a los cambios que realizó, se enfocó en que este relato se salía de lo que antes había hecho, disfrutando de una idea totalmente contraria.

“‘El Día de la Revelación’ es más realista que la ciencia-ficción. Y no la vi como una película de ciencia-ficción, sino como algo que está en las noticias, que ha evolucionado durante ocho décadas. Y debido al auge del smartphone, la gente ha estado capturando cosas que no puede explicar. Pero ahora no es solo tu palabra contra la del gobierno, puedes enseñar lo que has captado con tu móvil. Y esto no es fake, no es CGI”, dijo al espacio.

“Hubo una injusticia que me hizo contar la historia: que lo conocido sea conocido por algunos pero no por todos”, añadió, centrándose en la base de su relato.

Ben Affleck, uno de los actores con más reconocimiento en la actualidad, aseguró que la industria de Hollywood a nivel económico es mucho más compleja y que incluso las cifras que parecen millonarias apenas alcanzan para recuperar la inversión que hacen las productoras.

El estadounidense habló recientemente sobre este tema durante una conversación en el podcast All The Smoke, donde expuso algunos de los desafíos económicos que enfrenta actualmente la industria cinematográfica.

Affleck decidió explicar con un ejemplo concreto por qué producir cine se ha convertido en una operación mucho más costosa de lo que suele imaginar el público.

Ben Affleck breaks down why a $25M movie has to make $100M just to break even

Affleck: "It's very, very difficult to make a movie for less than $25 million"

"You spend about the same amount to advertise the movie as you spend to make it. So you spent $25 million to make it,… pic.twitter.com/6gqJ6W6SWb

— Arslan (@0xarslan) June 17, 2026

“Es muy, muy difícil hacer una película por menos de 25 millones de dólares”, afirmó.

Aunque la cifra ya parece elevada, el actor señaló que ese monto corresponde únicamente a la producción. Es decir, al dinero necesario para rodar la película: salarios, equipos técnicos, locaciones, efectos, vestuario y todo lo relacionado con llevar la historia a la pantalla.

Según explicó, una vez terminada la película aparece otro costo igual de importante: lograr que las personas sepan que existe.

“Gastas aproximadamente la misma cantidad en publicitar la película que en producirla”, comentó.

Para hacerlo más sencillo, Affleck planteó un escenario hipotético. Si un estudio invierte 25 millones de dólares en producir una película, probablemente deba destinar otros 25 millones para campañas de promoción, anuncios, entrevistas, presencia en medios y estrategias para atraer público.

Eso significa que antes de vender una sola entrada ya se habrían invertido cerca de 50 millones de dólares.

Affleck explicó que el dinero de la taquilla tampoco llega completo al estudio. Una parte importante queda en manos de las salas de cine.

“De los cines recuperas aproximadamente el 50%”, dijo.

En otras palabras, si una película recauda 100 millones de dólares en entradas alrededor del mundo, el estudio no recibe esa cifra íntegra. Aproximadamente la mitad se distribuye entre exhibidores y otros costos asociados a la distribución.

“Tienes que recaudar 100 millones solo por matemáticas simples”, declaró.

La explicación del actor ayuda a entender por qué algunas películas que parecen haber funcionado terminan siendo catalogadas como decepciones comerciales o no reciben secuelas.

A los espacios habituales del mercado (la Sede Industria en la Cámara de Comercio de Bogotá de Chapinero y la Sede Experiencia en el Gimnasio Moderno) donde se desarrollan las actividades y charlas que congregan al sector, se suman esta edición el CEFE y la Cinemateca de Bogotá con actividades abiertas al público, acercando la industria audiovisual a la ciudadanía y convirtiendo al evento en un evento que trasciende lo profesional.

Seleccionados Bammers

Como sucede edición tras edición, uno de los momentos esperados es el encuentro con los primeros Bammers internacionales, seleccionados por un jurado de trayectoria respetada que también los acompañará en su proceso de formación hacia el mercado. Estos son.

El productor caleño Rodrigo Guerrero, con producciones para Netflix, Amazon Prime Video y HBO; la productora panameña Isabella Gálvez, detrás de películas premiadas como Kenke y Querido Trópico; el productor argentino Santiago Gallelli, con presencia en Berlín, Venecia, Cannes y Sundance; y la mexicana Juliana Flores, productora ejecutiva y Country Manager México en Dynamo, quien actualmente lidera la producción de las temporadas de Cien años de soledad para Netflix, conforman un equipo que combina mirada creativa, gestión ejecutiva y alcance internacional. A ellos se sumarán otros talentos especializados en la ruta de fortalecimiento que antecede al BAM.

Los seleccionados tendrán una agenda de formación que abarca desde la sostenibilidad creativa y el desarrollo de proyectos hasta la coproducción latinoamericana y el acceso a plataformas globales, con sesiones como Co-pro LATAM: una guía práctica para dar tus primeros pasos y Del proyecto propio al mercado global: plataformas, entre otras actividades.

Novedades en la programación

En cuanto a programación habrá tres nuevos focos que abordan la industria audiovisual desde ángulos distintos.

La programación de Gente Convergente (iniciativa de la Alcaldía a través de la SCRD con apoyo de Proimágenes) explorará contenidos sobre animación, videojuegos y experiencias inmersivas, formatos que ocupan cada vez más lugar en la producción audiovisual contemporánea. Para este espacio el BAM contará con invitados de primer nivel como Michele Ziegler, directora y fundadora de NewImages, plataforma clave de contenidos inmersivos; Natasha Faria, directora del Museum of Image and Sound de Ceará; Ollie Green, de Adult Swim, quien ha trabajado en series como Rick y Morty; Jay Powell, fundador de IndieGameBusiness, especializado en el desarrollo comercial de la industria de los videojuegos, entre otros.

El enfoque sobre Archivo, desarrollado con el acompañamiento de Juana Suárez, directora del Moving Image Archiving and Preservation Program de NYU, el BAM reconoce una práctica fundamental para la cinematografía colombiana y regional. El espacio reunirá a agentes vinculados con la circulación de cine recuperado y restaurado, y ofrecerá herramientas para acceder a los archivos disponibles en procesos de creación audiovisual.

Narrativas de Paz llega en conmemoración de los diez años de la firma del Acuerdo de Paz en Colombia. Desde el audiovisual, el espacio revisará las prácticas cinematográficas que han contribuido a construir relatos sobre la historia, la memoria, la justicia y la reparación, y abordará preguntas éticas y artísticas sobre el trabajo con víctimas y comunidades afectadas por el conflicto armado.

Las acreditaciones para los profesionales de la industria están disponibles hasta el 30 de junio en la página web del evento: www.bogotamarket.com.

En esta ocasión, de acuerdo con los detalles desvelados por Disney, la historia llevará a los espectadores a una aventura completamente renovada, en la que los emblemáticos juguetes conocerán la tecnología.

Woody, Buzz Lightyear y el resto de sus inseparables compañeros regresarán a la pantalla grande el 18 de junio en Colombia, esta vez para explorar cómo los dispositivos electrónicos y las nuevas formas de entretenimiento están transformando la manera en que las nuevas generaciones juegan y se relacionan con sus juguetes favoritos.

Con el personaje de Lilypad, la historia de los famosos juguetes da un giro inesperado, pues se trata de un dispositivo que llega con sus propias ideas disruptivas sobre lo que es mejor para su niña, Bonnie (con la voz de Scarlett Spears).

Este nuevo integrante del equipo pondrá patas arriba la hora del juego, creando una nueva aventura llena de imaginación, humor y conexión, sellos distintivos que han hecho que esta serie de películas sea un ícono durante más de 30 años.

Nuevo elenco y personajes de Toy Story 5

La reconocida actriz y modelo estadounidense Greta Lee es la encargada de darle voz a Lilypad, la tableta con forma de rana que cambiará las reglas del juego.

A lo largo de su trayectoria, Lee también se ha destacado como actriz de voz en películas como Spider-Man: A través del Spider-Verso y un papel como invitada en Solar Opposites.

Por otro lado, está el comediante Conan O’Brien, quien presta su voz en la versión en inglés a Smarty Pants, un innovador y divertido juguete tecnológico, diseñado para acompañar a los niños en una de las etapas más importantes de su crecimiento: aprender a ir al baño de manera independiente.

A la lista se suma Craig Robinson como Atlas, otro juguete tecnológico con GPS. Asimismo, hay rostros y voces familiares, incluidos Annie Potts como Bo Peep, John Ratzenberger como Jam y Wallace Shawn como Rex.

Jeff Bergman y Anna Vocino se unen al elenco como el Sr. y la Sra. Cara de Papa, y Blake Clark vuelve a interpretar a Slinky.

Entre las apariciones de voz especiales se destacan: Benito Antonio Martínez Ocasio, ganador de seis premios Grammy, también conocido como Bad Bunny, quien pone voz al nuevo personaje misterioso y natural Pizza con gafas.

También está Alan Cumming como Tiro al Blanco malvado, el alter ego de Tiro al Blanco durante el juego, en una secuencia de imaginación en la nueva película.

Bajo la dirección de Andrew Stanton y codirigida por Kenna Harris, Toy Story 5 llegará para crear nuevos y memorables recuerdos entre los amantes de esta afamada franquicia.