Pablo Ruiz Picasso es el pintor más grande del siglo. El veredicto, arrollador, se lo dieron a SEMANA más de 50 expertos en arte de todo el mundo. Picasso obtuvo el mayor consenso seguido, aunque muy lejos, por el francés MarcelDuchamp. Y aunque este tipo de encuestas suelen ser arbitrarias cuando se enfrenta un tema tan subjetivo, la decisión alrededor de su nombre entre los entrevistados es casi unánime.Si se tiene en cuenta que el siglo XX ha estado plagado de convulsiones y rompimientos de toda índole, y que el arte no ha sido la excepción, resulta admirable que un solo nombre esté en casi todas las listas de un menú tan variado como complejo al advertir la gran cantidad de tendencias y subgéneros que caracterizan el arte actual (ver recuadro).Una de las grandes virtudes del autor de La familia de saltimbanquis, Músicos con máscaras y Guernica fue su gran capacidad para evolucionar y romper esquemas en varias etapas de su vida, tal como lo hicieron Miles Davis e Igor Stravinski, dos genios de la música de este siglo.En sus diversas etapas (los períodos azul y rosa, cubismo, surrealismo y composiciones abstractas, expresionismo, sin contar con sus esculturas, máscaras y cerámicas) Picasso, quien vivió entre 1881 y 1973, influyó de manera determinante el rumbo del arte del siglo XX.Además, como señala el historiador de arte, profesor universitario y escritor Itzhak Goldberg, la fuerte personalidad de Picasso (apenas comparable con la de su compatriota Salvador Dalí y de pronto a la de ese mago del arte, los negocios y la farándula que fue Andy Warhol) ayudó a mitificarlo hasta el punto de que muchas personas comenzaron a interesarse en el arte moderno gracias a las historias que oían acerca de su vida.Para Daniel Abadie, director de la Galería Nacional del Jeu de Paume, de París, "el siglo comenzó con Picasso. Su longevidad y su creatividad hacen que su obra predomine por encima de todos los artistas del siglo".Enrique Mallen, director del Museo Picasso de Barcelona, incluso se atreve a señalar cuál es su cuadro más destacado. "La obra de arte más importante del siglo XX, en mi opinión, es 'Les Demoiselles d'Avignon'. Se ha dicho que con esta obra se introduce a una nueva estética, hasta entonces desconocida en el arte occidental. El uso de máscaras africanas o representaciones ibéricas antiguas no es sino un ataque frontal al arte europeo. Es la primera vez en la carrera de Picasso en que una obra se convierte en un documento de rebelión plástica. Las figuras del cuadro simbolizan simultáneamente la ruptura de un universo que a su vez queda configurado en esas mismas formas. Creación y destrucción se elevan de este modo a un mismo plano. Desde la realización de este cuadro hasta el final de su carrera Picasso mantuvo esta unificación de opuestos".Laura Robinson, directora de la Quinta Galería, de Nueva York, también señala la honda huella que dejó. "Si consideramos las diferentes corrientes que abarcó su obra, ya sea el período clásico, el período azul y rosa, no cabe duda de su importancia. Muchos de los artistas que yo represento han sido influenciados por él. Y también he visto algo curioso: no sólo los expertos gustan de Picasso, muchas veces llega gente a mi galería que se asombra ante la belleza de su obra sin saber que es de este genio".No todos están de acuerdo. Por ejemplo Yoyo Maeght, nieta de Marguerite y de Aimé Maeght, fundadores de la mítica Galería Maeght de París, no citó a Picasso porque considera que sus cuadros constituyen un ensayo.Esta revisión del arte del siglo XX que presenta SEMANA no pretende ser definitiva. Como se dice tantas veces en este tipo de convocatorias, aquí no están todos los que son. De todas maneras el consenso casi unánime alrededor del pintor malagueño permite afirmar que está a punto de terminar el siglo XX, el siglo de Picasso. La elecciónTras la consulta que SEMANA hizo a más de 50 experts del mundo la lista total de artistas sugeridos como los más importantes del siglo se extendió a 47, con nombres que abarcan los diversos momentos artísticos. Sin embargo, aparte de Picasso, sobresalieron cuatro nombres: Marcel Duchamp, Kasimir Malievich, Yves Klein y Henri Matisse. La mayoría de los encuestados advirtieron que su elección se basó en la ruptura que produjo la aparición de la obra de los artistas en cuestión más que por sus propios gustos estéticos. Otros artistas bastante votados fueron Mondrian, Klee, Chagall, Dalí, Kandinsky y Warhol.Dentro de los encuestados se destacan Enrique Mallen, director del Museo Picasso de Barcelona; Daniel Abadie, director de la Galería Jeu de Paume en París; el historiador Itzhak Goldberg; Peter Welsh, director del Museo de Arte Moderno de la Universidad de Nuevo México; Virginia Kinzev, directora de la Galería Mimi Ferzt; Laura Robinson, directora de La Quinta Galería; de Nueva York; Alvaro Medina, curador del Museo de Arte Moderno de Bogotá; Beatriz González, curadora del Museo Nacional; Lidia Yuvleva, subdirectora de la Galería Tretiakoskaya, y Aidan Sajalova, directora de la Galeria Aidan de Moscú; el crítico ecuatoriano Rodrigo Villacís Molina, y el mexicano Olivier Debroise.Marcel DuchampNació en Blainville, Francia, en 1887, y murió en Neuilly en 1968. Su prioridad eran las ideas y no la estética. Con él, algunos objetos que ya existían se convirtieron en obras de arte por el simple hecho de aparecer firmados o exhibidos en una galería. A ello se llamó ready-mades. Fue el caso del famoso orinal que apareció por primera vez en 1917 en una exposición con el seudónimo de Richard Mutt y con el siguiente comentario: "Carece de toda importancia si Mutt hizo la fuente con sus propias manos o no. El la eligió. Tomó un objeto doméstico corriente y lo colocó de tal manera que su finalidad desapareció tras el título y la nueva perspectiva, creando así un nuevo sentido para ese objeto. Es absurdo hablar de fontanería. Las únicas obras de arte que América ha llevado a cabo son sus instalaciones sanitarias y sus puentes".El propio Marcel Duchamp confesó lo que se proponía: "El arte no ha de ser exclusivamente visual o retiniano. También ha de afectar a la materia gris, a nuestro apetito de comprensión". La importancia de este artista la explica el historiador francés Itzhak Goldberg: "Los ready-mades de Duchamp son el punto de paso obligado al siglo XX. Es uno de los primeros artistas en desplazar el arte hacia la filosofía del arte. Lo que importa para Duchamp no es tanto el objeto artístico en sí, como la reflexión que éste suscita en el arte de manera general".Kasimir MalievichNació en Kiev, Ucrania, en 1878, murió en 1935 y vivió gran parte de su vida en la antigua Unión Soviética. Se le considera como uno de los padres del arte abstracto. Para el curador mexicano Hugo España "es el artista revolucionario por excelencia, su aparición rompe con todos los paradigmas del arte tradicional". Su obra Cuadrado negro, realizada en 1929, se ha constituido en una de las más polémicas del siglo. Para Aidan Sajalova, directora de la Galería Aidan de Moscú, es la obra más importante de este artista a pesar de que él mismo concibió otras pinturas similares con círculos y cruces negras como única representación sobre el lienzo. Incluso llegó a pintar un cuadrado blanco sobre un fondo blanco."Su idea era que el espectador dejará su actitud pasiva para que pasara a interactuar con la obra. Quería que sus pinturas fueran, de paso, un espacio de reflexión. Una pintura suya tiene la particularidad de poder ofrecer muchas reacciones a un mismo público. No hay que tratar de apreciar su estética sino dejarse llevar hacia donde nuestra sensibilidad lo decida", destaca Sajalova.Henri MatissePintor frances, nació en 1869 y murió en 1954. Su obra se basaba en un dibujo simplificado apoyado de gran colorido. El crítico norteamericano Robert Slade, curador invitado al Museo Guggenheim de Bilbao, justifica su favoritismo por el artista: "Lo más importante de Matisse es la relación que consigue entre elementos que se ven y otros que no son perceptibles. Podría suponerse que se debe a su excelente manejo del color, pero es más por su inigualable manejo del espacio". A lo anterior Yoyo Maeght, directora de la Galería Maeght de París, agrega: "Fue el primero en lograr la simplicidad en el arte sin caer en la abstracción. Matisse decía que le daba temor que la gente sólo viera la aparente facilidad en su trabajo, mientras que en realidad sus obras eran extremadamente elaboradas, realizadas de tal forma que a través de la simplicidad lograra pasar la emoción".Yves KleinNació en Niza en 1928. Es considerado como uno de los precursores del performance y de allí la importancia que muchos le atribuyen. El cuerpo también es arte y él, como artista, era la base de su obra. Manejó el concepto de lo 'inmaterial'. Es el caso, por ejemplo, de la galería vacía, en la que cada espectador entraba a ella para experimentar, precisamente, el vacío. Las huellas de los desnudos en las paredes también son otro gran aporte suyo. Como pintor se destaca por su manejo monocromático.La descripción del 'inmaterial' que hace el artista norteamericano Edward Kienholz, en el catálogo Live in your head, ilustra la obra de Klein (versión del inglés de Alvaro Medina, curador del Museo de Arte Moderno de Bogotá): "Un inmaterial es una obra bastante difícil. En su aspecto destilado final es probablemente puro arte porque nada físico queda. Funciona de esta manera: el coleccionista comprador de un inmaterial le da dinero a Yves; de hecho, una gran cantidad de dinero, impreso en un papel especial, cuyo talón _me parece_ era archivado por alguien en algún lugar con el propósito de dejar el registro. Yves se desembarazaba inmediatamente del dinero 'tirando el oro', lo que en verdad significaba esparcir el dinero en las montañas desde un avión o arrojarlo al océano desde un bote, etc. El coleccionista comprador completaba entonces el gesto al quemar el recibo, de manera que al artista y al propietario no les quedaba nada fuera de la experiencia"Paul KleeNació y murió en Suiza (1879-1940). Trabajó inicialmente el grabado. Estudió en Munich al lado de Kandinsky. Se inclinó por la abstracción pura y el surrealismo. Klee tiene la particularidad de que gusta tanto a la critica como al público en general. Su carácter poético y metafórico no lo hace inaccesible. Los expertos han exaltado la complejidad que logran sus obras a partir de elementos muy simples.Piet MondrianNació En Amersfoort, Holanda, en 1872 y murió en Nueva York en 1944. La mayoría de sus obras están en La Haya y Amsterdam. "Este pionero de la abstracción creó un sistema limitado a partir de reglas ascéticas. Trabajó con muy pocos componentes: líneas rectas y colores primarios. Lo importante de su obra es la capacidad que tuvo para crear diferencias de un cuadro a otro, a partir de elementos simples", opina Daniel Abadie, director de la Galería Jeu de Paume de París.Marc ChagallNació en Vitebsk, Rusia, en 1887 y murió en 1985. Optó por la nacionalidad francesa. Muchas de sus obras hacen referencia a la vida campesina en la Unión Soviética. Pintaba flores, paisajes y rostros de mujeres. Su obra se caracteriza por la yuxtaposición de objetos y por la riqueza en el manejo de los colores. "Supera lo negativo de las persecuciones de que fueron víctimas sus hermanos de raza, con su maravillosa imaginación que prevalece sobre su verosimilitud. La cromática de Chagall es libre, como lo es también su valor plástico-poético", asegura la crítica ecuatoriana Inés Flórez.Vasilly KandinskyNació en Moscú en 1866 y murió en 1944. Es considerado uno de los artistas más revolucionarios del siglo, pues su obra generó un rechazo total a los postulados que se venían practicando en Europa. "En su obra está la partida del nacimiento del abstraccionismo como concepto", destaca el historiador ecuatoriano Rodrigo Villacís Molina.ANdy WarholNació en Pittsburgh, Estados Unidos, en 1928 y murió en 1987. Ante todo, Andy Warhol fue un genio de los negocios y logró reunir a su alrededor un círculo de artistas muy diversos que le permitieron desempeñarse como cineasta, productor de performance, director de revistas, productor del grupo Velvet Underground y, sobre todo, figura fundamental del jet set neoyorquino. Warhol le dio estatus al arte pop. Su idea no era convertir el arte en algo trivial sino vulgarizar el propio arte."Era capaz de dar en el gusto de la sociedad, daba a la sociedad lo que querían ver", comenta Elena Macías-Molina, Codirectora de la Galeria O.J de Nueva York.Salvador DalíNació en Figueras en 1904 y murió en 1989. Es el pintor surrealista por excelencia. Se ha exaltado la forma provocativa con que exhibió sus obras, y en las que plasmó las circunstancias que acompañaron su vida y pensamiento. Fue influido por Freud y rindió culto a la pintura metafísica de De Chirico. Además de pintor, fue un excelente escritor.