EL SIGLO DE PICASSO

Pablo Ruiz Picasso es el pintor más grande del siglo. El veredicto, arrollador, se lo
dieron a SEMANA más de 50 expertos en arte de todo el mundo. Picasso obtuvo el mayor consenso
seguido, aunque muy lejos, por el francés MarcelDuchamp. Y aunque este tipo de encuestas suelen
ser arbitrarias cuando se enfrenta un tema tan subjetivo, la decisión alrededor de su nombre entre
los entrevistados es casi unánime.
Si se tiene en cuenta que el siglo XX ha estado plagado de convulsiones y rompimientos de toda
índole, y que el arte no ha sido la excepción, resulta admirable que un solo nombre esté en casi
todas las listas de un menú tan variado como complejo al advertir la gran cantidad de tendencias y
subgéneros que caracterizan el arte actual (ver recuadro).
Una de las grandes virtudes del autor de La familia de saltimbanquis, Músicos con máscaras y
Guernica fue su gran capacidad para evolucionar y romper esquemas en varias etapas de su vida, tal
como lo hicieron Miles Davis e Igor Stravinski, dos genios de la música de este siglo.
En sus diversas etapas (los períodos azul y rosa, cubismo, surrealismo y composiciones
abstractas, expresionismo, sin contar con sus esculturas, máscaras y cerámicas) Picasso, quien
vivió entre 1881 y 1973, influyó de manera determinante el rumbo del arte del siglo XX.
Además, como señala el historiador de arte, profesor universitario y escritor Itzhak Goldberg, la fuerte
personalidad de Picasso (apenas comparable con la de su compatriota Salvador Dalí y de pronto a la
de ese mago del arte, los negocios y la farándula que fue Andy Warhol) ayudó a mitificarlo hasta el
punto de que muchas personas comenzaron a interesarse en el arte moderno gracias a las
historias que oían acerca de su vida.
Para Daniel Abadie, director de la Galería Nacional del Jeu de Paume, de París, "el siglo comenzó con
Picasso. Su longevidad y su creatividad hacen que su obra predomine por encima de todos los artistas
del siglo".
Enrique Mallen, director del Museo Picasso de Barcelona, incluso se atreve a señalar cuál es su
cuadro más destacado. "La obra de arte más importante del siglo XX, en mi opinión, es 'Les
Demoiselles d'Avignon'. Se ha dicho que con esta obra se introduce a una nueva estética, hasta
entonces desconocida en el arte occidental. El uso de máscaras africanas o representaciones ibéricas
antiguas no es sino un ataque frontal al arte europeo. Es la primera vez en la carrera de Picasso en
que una obra se convierte en un documento de rebelión plástica. Las figuras del cuadro simbolizan
simultáneamente la ruptura de un universo que a su vez queda configurado en esas mismas formas.
Creación y destrucción se elevan de este modo a un mismo plano. Desde la realización de este cuadro
hasta el final de su carrera Picasso mantuvo esta unificación de opuestos".
Laura Robinson, directora de la Quinta Galería, de Nueva York, también señala la honda huella que
dejó. "Si consideramos las diferentes corrientes que abarcó su obra, ya sea el período clásico, el
período azul y rosa, no cabe duda de su importancia. Muchos de los artistas que yo represento han
sido influenciados por él. Y también he visto algo curioso: no sólo los expertos gustan de Picasso,
muchas veces llega gente a mi galería que se asombra ante la belleza de su obra sin saber que es de
este genio".
No todos están de acuerdo. Por ejemplo Yoyo Maeght, nieta de Marguerite y de Aimé Maeght,
fundadores de la mítica Galería Maeght de París, no citó a Picasso porque considera que sus cuadros
constituyen un ensayo.
Esta revisión del arte del siglo XX que presenta SEMANA no pretende ser definitiva. Como se dice
tantas veces en este tipo de convocatorias, aquí no están todos los que son. De todas maneras el
consenso casi unánime alrededor del pintor malagueño permite afirmar que está a punto de terminar el
siglo XX, el siglo de Picasso.

La elección
Tras la consulta que SEMANA hizo a más de 50 experts del mundo la lista total de artistas sugeridos
como los más importantes del siglo se extendió a 47, con nombres que abarcan los diversos
momentos artísticos.
Sin embargo, aparte de Picasso, sobresalieron cuatro nombres: Marcel Duchamp, Kasimir Malievich,
Yves Klein y Henri Matisse. La mayoría de los encuestados advirtieron que su elección se basó en la
ruptura que produjo la aparición de la obra de los artistas en cuestión más que por sus propios gustos
estéticos. Otros artistas bastante votados fueron Mondrian, Klee, Chagall, Dalí, Kandinsky y
Warhol.
Dentro de los encuestados se destacan Enrique Mallen, director del Museo Picasso de Barcelona;
Daniel Abadie, director de la Galería Jeu de Paume en París; el historiador Itzhak Goldberg; Peter
Welsh, director del Museo de Arte Moderno de la Universidad de Nuevo México; Virginia Kinzev,
directora de la Galería Mimi Ferzt; Laura Robinson, directora de La Quinta Galería; de Nueva York;
Alvaro Medina, curador del Museo de Arte Moderno de Bogotá; Beatriz González, curadora del Museo
Nacional; Lidia Yuvleva, subdirectora de la Galería Tretiakoskaya, y Aidan Sajalova, directora de la
Galeria Aidan de Moscú; el crítico ecuatoriano Rodrigo Villacís Molina, y el mexicano Olivier Debroise.

Marcel Duchamp
Nació en Blainville, Francia, en 1887, y murió en Neuilly en 1968. Su prioridad eran las ideas y no la
estética. Con él, algunos objetos que ya existían se convirtieron en obras de arte por el simple
hecho de aparecer firmados o exhibidos en una galería. A ello se llamó ready-mades. Fue el caso
del famoso orinal que apareció por primera vez en 1917 en una exposición con el seudónimo de
Richard Mutt y con el siguiente comentario: "Carece de toda importancia si Mutt hizo la fuente con sus
propias manos o no. El la eligió. Tomó un objeto doméstico corriente y lo colocó de tal manera que su
finalidad desapareció tras el título y la nueva perspectiva, creando así un nuevo sentido para ese
objeto. Es absurdo hablar de fontanería. Las únicas obras de arte que América ha llevado a cabo son
sus instalaciones sanitarias y sus puentes".
El propio Marcel Duchamp confesó lo que se proponía: "El arte no ha de ser exclusivamente visual o
retiniano. También ha de afectar a la materia gris, a nuestro apetito de comprensión". La importancia
de este artista la explica el historiador francés Itzhak Goldberg: "Los ready-mades de Duchamp son el
punto de paso obligado al siglo XX. Es uno de los primeros artistas en desplazar el arte hacia la filosofía
del arte. Lo que importa para Duchamp no es tanto el objeto artístico en sí, como la reflexión que
éste suscita en el arte de manera general".

Kasimir Malievich
Nació en Kiev, Ucrania, en 1878, murió en 1935 y vivió gran parte de su vida en la antigua Unión
Soviética. Se le considera como uno de los padres del arte abstracto. Para el curador mexicano
Hugo España "es el artista revolucionario por excelencia, su aparición rompe con todos los paradigmas
del arte tradicional". Su obra Cuadrado negro, realizada en 1929, se ha constituido en una de las
más polémicas del siglo. Para Aidan Sajalova, directora de la Galería Aidan de Moscú, es la obra más
importante de este artista a pesar de que él mismo concibió otras pinturas similares con círculos y
cruces negras como única representación sobre el lienzo. Incluso llegó a pintar un cuadrado blanco
sobre un fondo blanco.
"Su idea era que el espectador dejará su actitud pasiva para que pasara a interactuar con la obra.
Quería que sus pinturas fueran, de paso, un espacio de reflexión. Una pintura suya tiene la
particularidad de poder ofrecer muchas reacciones a un mismo público. No hay que tratar de apreciar
su estética sino dejarse llevar hacia donde nuestra sensibilidad lo decida", destaca Sajalova.

Henri Matisse
Pintor frances, nació en 1869 y murió en 1954. Su obra se basaba en un dibujo simplificado apoyado
de gran colorido. El crítico norteamericano Robert Slade, curador invitado al Museo Guggenheim de
Bilbao, justifica su favoritismo por el artista: "Lo más importante de Matisse es la relación que
consigue entre elementos que se ven y otros que no son perceptibles. Podría suponerse que se
debe a su excelente manejo del color, pero es más por su inigualable manejo del espacio".
A lo anterior Yoyo Maeght, directora de la Galería Maeght de París, agrega: "Fue el primero en lograr la
simplicidad en el arte sin caer en la abstracción. Matisse decía que le daba temor que la gente sólo
viera la aparente facilidad en su trabajo, mientras que en realidad sus obras eran extremadamente
elaboradas, realizadas de tal forma que a través de la simplicidad lograra pasar la emoción".

Yves Klein
Nació en Niza en 1928. Es considerado como uno de los precursores del performance y de allí la
importancia que muchos le atribuyen. El cuerpo también es arte y él, como artista, era la base de su
obra. Manejó el concepto de lo 'inmaterial'. Es el caso, por ejemplo, de la galería vacía, en la que
cada espectador entraba a ella para experimentar, precisamente, el vacío. Las huellas de los desnudos
en las paredes también son otro gran aporte suyo. Como pintor se destaca por su manejo
monocromático.
La descripción del 'inmaterial' que hace el artista norteamericano Edward Kienholz, en el catálogo
Live in your head, ilustra la obra de Klein (versión del inglés de Alvaro Medina, curador del Museo de
Arte Moderno de Bogotá): "Un inmaterial es una obra bastante difícil. En su aspecto destilado
final es probablemente puro arte porque nada físico queda. Funciona de esta manera: el
coleccionista comprador de un inmaterial le da dinero a Yves; de hecho, una gran cantidad de dinero,
impreso en un papel especial, cuyo talón _me parece_ era archivado por alguien en algún lugar con
el propósito de dejar el registro. Yves se desembarazaba inmediatamente del dinero 'tirando el oro', lo
que en verdad significaba esparcir el dinero en las montañas desde un avión o arrojarlo al océano
desde un bote, etc. El coleccionista comprador completaba entonces el gesto al quemar el recibo,
de manera que al artista y al propietario no les quedaba nada fuera de la experiencia"

Paul Klee
Nació y murió en Suiza (1879-1940). Trabajó inicialmente el grabado. Estudió en Munich al lado de
Kandinsky. Se inclinó por la abstracción pura y el surrealismo. Klee tiene la particularidad de que gusta
tanto a la critica como al público en general. Su carácter poético y metafórico no lo hace inaccesible.
Los expertos han exaltado la complejidad que logran sus obras a partir de elementos muy
simples.

Piet Mondrian
Nació En Amersfoort, Holanda, en 1872 y murió en Nueva York en 1944. La mayoría de sus obras
están en La Haya y Amsterdam. "Este pionero de la abstracción creó un sistema limitado a partir de
reglas ascéticas. Trabajó con muy pocos componentes: líneas rectas y colores primarios. Lo
importante de su obra es la capacidad que tuvo para crear diferencias de un cuadro a otro, a partir
de elementos simples", opina Daniel Abadie, director de la Galería Jeu de Paume de París.

Marc Chagall
Nació en Vitebsk, Rusia, en 1887 y murió en 1985. Optó por la nacionalidad francesa. Muchas de
sus obras hacen referencia a la vida campesina en la Unión Soviética. Pintaba flores, paisajes y
rostros de mujeres. Su obra se caracteriza por la yuxtaposición de objetos y por la riqueza en el
manejo de los colores. "Supera lo negativo de las persecuciones de que fueron víctimas sus hermanos
de raza, con su maravillosa imaginación que prevalece sobre su verosimilitud. La cromática de
Chagall es libre, como lo es también su valor plástico-poético", asegura la crítica ecuatoriana Inés
Flórez.

Vasilly Kandinsky
Nació en Moscú en 1866 y murió en 1944. Es considerado uno de los artistas más revolucionarios del
siglo, pues su obra generó un rechazo total a los postulados que se venían practicando en Europa. "En
su obra está la partida del nacimiento del abstraccionismo como concepto", destaca el historiador
ecuatoriano Rodrigo Villacís Molina.
ANdy Warhol
Nació en Pittsburgh, Estados Unidos, en 1928 y murió en 1987. Ante todo, Andy Warhol fue un genio
de los negocios y logró reunir a su alrededor un círculo de artistas muy diversos que le permitieron
desempeñarse como cineasta, productor de performance, director de revistas, productor del grupo
Velvet Underground y, sobre todo, figura fundamental del jet set neoyorquino. Warhol le dio estatus al
arte pop. Su idea no era convertir el arte en algo trivial sino vulgarizar el propio arte."Era capaz de dar
en el gusto de la sociedad, daba a la sociedad lo que querían ver", comenta Elena Macías-Molina,
Codirectora de la Galeria O.J de Nueva York.

Salvador Dalí
Nació en Figueras en 1904 y murió en 1989. Es el pintor surrealista por excelencia. Se ha
exaltado la forma provocativa con que exhibió sus obras, y en las que plasmó las circunstancias que
acompañaron su vida y pensamiento. Fue influido por Freud y rindió culto a la pintura metafísica de De
Chirico. Además de pintor, fue un excelente escritor.