Fernando Arévalo es una de las figuras más reconocidas de la actuación colombiana. Actor, dramaturgo, director, escritor y arquitecto de formación, ha construido una trayectoria de más de cinco décadas en televisión, cine y teatro. Hoy en día, mientras regresa a las tablas con Burundanga, una de las comedias más exitosas de los últimos años, también mira hacia atrás para analizar los cambios de una profesión que ha evolucionado junto con él.
La obra, escrita por el dramaturgo catalán Jordi Galcerán y dirigida en Colombia por Johan Velandia, volvió al Teatro Nacional con una nueva temporada y una mirada renovada. En ella, Arévalo interpreta nuevamente al mismo personaje que encarnó años atrás, una experiencia que le ha permitido reflexionar sobre el paso del tiempo, la transformación de los actores y la evolución misma del teatro colombiano. “Definitivamente, ha sido satisfactorio, porque lograr hacer dos temporadas de la misma obra con tantos años de diferencia hace que uno medite un poco sobre la profesión que está desempeñando y sobre todos los cambios y las evoluciones que hay durante una carrera de estas”, afirma en conversación con SEMANA.
Más que una comedia de situaciones, Arévalo considera que Burundanga plantea una pregunta profundamente humana: qué ocurre cuando una persona se enfrenta a una verdad que no estaba preparada para conocer. La historia gira alrededor de Ana, una mujer que decide suministrarle a su pareja una sustancia conocida como “la droga de la verdad” para resolver sus dudas sentimentales. Sin embargo, las respuestas que encuentra terminan desencadenando una cadena de revelaciones inesperadas.
Para el actor, allí radica la verdadera fuerza de la pieza teatral. “Lo importante de la obra es ver cómo reacciona un ser humano al saber la verdad, al enfrentar la verdad. Lo que dice la obra es que no siempre es bueno, no siempre es tan beneficioso conocerla. A veces uno quiere enterarse de una cosa y termina descubriendo muchas más”.
La reflexión no es ajena a una carrera de 55 años en la que, como él mismo reconoce, ha tenido que adaptarse a los cambios de una industria cada vez más globalizada. Si antes los actores trabajaban principalmente para la televisión nacional, hoy sus producciones circulan por plataformas de streaming internacionales y alcanzan audiencias impensables hace apenas dos décadas.
Arévalo menciona con sorpresa cómo producciones recientes han ampliado su reconocimiento más allá de Colombia. Habla de seguidores en países como Brasil, Perú y Chile, y del impacto internacional de proyectos como Romina poderosa o Simplemente Alicia, que se destaca por su mirada sobre las mujeres y sus luchas contemporáneas.
Precisamente, en Simplemente Alicia volvió a compartir escena con Verónica Orozco, una actriz con quien ha construido una relación profesional durante años. Sin embargo, para Arévalo, las amistades más profundas de la profesión siguen naciendo lejos de los estudios de grabación. “Uno donde realmente hace amigos en esta profesión es en el teatro. En televisión también, pero menos. Los verdaderos amigos, por lo general, siempre están en un camino de teatro porque uno comparte mucho”, explica.
El teatro como escuela permanente
Si existe una palabra que se repite constantemente en la conversación con Fernando es renovación. Después de más de medio siglo de carrera, insiste en que la mejor manera de mantenerse vigente es regresar siempre al teatro. Para él, el escenario sigue siendo el espacio donde un actor se fortalece, se arriesga y adquiere herramientas que luego puede trasladar a otros formatos. “Si un actor quiere mantenerse vigente, lo más importante es hacer teatro. El teatro es lo que lo renueva a uno, lo que le da más elementos y más recursos actorales para enfrentar otros personajes. Son características distintas y una alimenta a la otra”. Su relación con el Teatro Nacional también atraviesa buena parte de su historia profesional.
Allí estrenó La clepsidra, una obra escrita por él mismo y ganadora de un premio de dramaturgia. Aquella producción tuvo una importancia especial porque contribuyó a que Fanny Mikey impulsara una programación infantil diferente en la capital. Arévalo recuerda que la obra abordaba temas tan complejos como la escasez del agua y estaba protagonizada por figuras de primer nivel, como Alejandra Borrero, Róbinson Díaz, Adriana Arango, Ramiro Meneses y el Flaco Solórzano.
Esa experiencia también fortaleció su admiración por Fanny Mikey, a quien considera una figura determinante en la consolidación del teatro colombiano. “Yo creo que este país le debe a Fanny todo lo que estamos haciendo hoy en día en teatro. Si Colombia, o por lo menos Bogotá, se está convirtiendo en una de las mecas del teatro latinoamericano, tiene mucho que ver con ella”, sostiene.No obstante, el crecimiento del sector no significa que todas las deudas estén saldadas.
Arévalo considera que el Estado colombiano todavía tiene una deuda con los artistas. “Debería existir un lineamiento estatal que reconociera a los artistas, no solamente a los actores, sino también a los músicos, pintores y bailarines como una parte fundamental de lo que es un país y de lo que es una cultura”, afirma. Aunque reconoce avances recientes, insiste en que durante décadas los creadores han tenido que gestionar por sí mismos aspectos fundamentales como la seguridad económica y las pensiones. La cultura, señala, no debería ser vista como un asunto secundario, sino como un componente esencial de la identidad nacional.
Entre la arquitectura, la fama y el legado
Antes de convertirse en actor profesional, Fernando Arévalo estudió arquitectura. La decisión, admite, estuvo marcada por las expectativas familiares de una época en la que las artes difícilmente eran consideradas una profesión seria. “Los papás de mi época no consideraban lo que yo hago como una carrera seria. Ser arquitecto sí era importante. Ser actor, no”, recuerda.
Aunque terminó dedicándose por completo a la actuación, nunca ha renegado de aquella formación. Por el contrario, considera que la arquitectura le proporcionó herramientas fundamentales para entender el espacio escénico y desarrollar su trabajo como director. “La arquitectura me enseñó a entender el espacio de una manera distinta. Cuando uno hace una obra de teatro, lo primero que tiene que diseñar es el espacio. Lo que más me gusta cuando dirijo es precisamente concebir espacios teatrales”, explica.
Su mirada también se dirige hacia las nuevas generaciones de artistas, frente a las cuales se muestra particularmente optimista. Durante años, recuerda, muchos aspirantes creyeron que el éxito dependía principalmente de la apariencia física. Hoy encuentra jóvenes que estudian actuación, canto, danza y buscan experiencias de aprendizaje dentro y fuera del país. “Estoy admirado y emocionado de ver cómo se han formado estas nuevas generaciones y cómo están enfrentando la profesión con una visión distinta. Ya no quieren solamente ser famosos. Quieren ser actores”, asegura.
Paradójicamente, él mismo ha convivido durante décadas con la fama. Sin embargo, la describe como una experiencia que ha aprendido a manejar con naturalidad, consciente de que el reconocimiento público forma parte del oficio, pero no puede convertirse en su razón de ser. Pero si hay algo de lo que está seguro es del lugar que ocupa la comedia en su vida. “Donde mejor me muevo es en la comedia. Me encanta trabajar en comedia, ya sea escribiéndola, actuándola o dirigiéndola. Siento que la gente ha entendido que sé hacer comedia, que la hago bien y que, además, la hago con gusto”.